Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-05
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052401
Тема| Музыка, Опера, МАМТ, Премьера, Оратория «Триумф Времени и Бесчувствия» , Персоналии
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| В Музыкальном театре имени К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко представили спектакль "Триумф Времени и Бесчувствия"
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| https://rg.ru/2018/05/21/reg-cfo/v-moskve-sostoialas-premera-spektaklia-triumf-vremeni-i-beschuvstviia.html
Аннотация| Оратория. Премьера

Попытка сделать из первой и самой популярной оратории 22-летнего Генделя нечто театральное - ход модный в XXI веке. Самый знаменитый вариант последнего времени - постановка двухлетней давности Кшиштофа Варликовского на фестивале в Экс-Ан-Провансе. У российского театра - это первая проба "препарирования" опуса гения барочной музыки, созданного более трехсот лет назад. И для знаменитого возмутителя театрального спокойствия Константина Богомолова данная работа - дебютная в музыкальном театре. По сути, эксперимент над Генделем на Малой сцене - коммерческий (с ценой билетов от 5 до 10 тысяч) антрепризный проект, в котором от "принимающей стороны" занят только технический персонал. Все артистические силы приглашенные: ансамбль Questa Musica и его дирижер Филипп Чижевский и квартет певцов, собранный со всего мира.

Константин Богомолов с первых же аккордов рассказывает "свою" историю в своем же фирменном эпатажном стиле. Он ставит русское либретто, написанное Владимиром Сорокиным, что публика читает в титрах.

Это первая работа Сорокина на территории музыкального театра спустя 13 лет после знаменитой оперы Леонида Десятникова "Дети Розенталя" в Большом театре. В его тексте "Триумфа" есть много виртуозно и жестко сформулированных законов жизни устами действующих стихий - Красота, Удовольствие, Бесчувствие, Время, которое свидетельствует: "Разнообразные куски бытия прошли через меня. Что осталось от них? Только прах! Мои челюсти мощны и ненасытны! Я всегда хочу есть!"

Богомолов, быть может, пытается сформулировать вещи болезненно-важные для человеческой популяции в XXI веке. О том, что ложь нас окружает, о склонности людей к насилию, предательству и притворству, о циничном взгляде на жизнь. Но меры в "бичевании" не знает. В спектакле есть сцены, которые пересказать язык не повернется даже в частной беседе...

Беда в том, что в спектакле Богомолова нет ничего созидательного. Он будто не понимает, боится чистой красоты, поэтому жестоко унижает и высмеивает ее - музыку Генделя. Но уничтожить ее все же не получается.

Те, кто мужественно не покинул театр в антракте, понимают, что все "скорби земные" (по Мережковскому) неожиданно закончились, как фактически "исчез" и спектакль. Режиссер сдался, не выдержав "сопротивления материала", отступил и дал услышать то, что хотел сказать Гендель. Но только тем, кто смог пройти через его "чистилище".

А изумительные образцы виртуозного пения были в исполнении корейских контратеноров канадской и американской огранки. Красивый альт Дэвида ДиКью Ли (Бесчувствие) с сочными "баритональными" нотами и удивительно андрогинный голос Винса И (Удовольствие) - несомненное достоинство премьеры. Рядом с ними испанский тенор Хуан Санчо (Время), хотя и поет "все, что надо", но выглядит заметно скромнее. При этом оркестр под руководством Филиппа Чижевского, облаченного в белый, как ангел, костюм с грифом Live, напоминающий спортивный, точен по звучанию, но концептуально скромен и не в состоянии "дуэльствовать" с режиссерской анархией. Отчего в спектакле побеждает Бесчувствие, тождественное смерти.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052402
Тема| Музыка, Конкурсы, Персоналии
Автор| Татьяна Эсаулова
Заголовок| На конкурсе имени Святослава Кнушевицкого победил российский виолончелист
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| https://rg.ru/2018/05/24/reg-pfo/na-konkurse-imeni-sviatoslava-knushevickogo-pobedil-rossijskij-violonchelist.html
Аннотация| Конкурсы
Среди стран, взявших лауреатство на виолончельном конкурсе Святослава Кнушевицкого в Саратове, на первом месте Россия и Китай. В старшей группе первая и третья премии - у российских виолончелистов; третья поделена между Россией и Казахстаном, а вторая - у музыканта из Беларуси. В младшей группе все три почетных места заняли китайские виолончелисты, поделив при этом вторую и третью премии с российскими музыкантами, а первую - с Украиной.
Великая русская виолончельная школа - Карл Давыдов, Анатолий Брондуков, Александр Вержбилович, Григорий Пятигорский, Семен Козолупов, Даниил Шафран, Святослав Кнушевицкий, Валентин Берлинский, Мстислав Ростропович, Наталья Гутман, Наталья Шаховская и другие. Этой школе, известной во всем мире, в фойе Саратовской филармонии была посвящена фотовыставка, действовавшая все время конкурса. Первенство русской виолончельной школы в музыкальном мире отмечали и члены жюри.

Христофор Мирошников (Греция), виолончелист, выпускник Московской консерватории:

- В Москве, у замечательного педагога Натальи Шаховской прошло мое становление как музыканта. Затем я продолжал учиться в Америке, и это был интересный опыт - столкнуться с абсолютно другим музыкальным мышлением и видением. Это важно, что в России проходят такие конкурсы, куда приезжают музыканты разных школ, где можно многому поучиться друг у друга. У нас, в Греции, виолончель, например, не такой популярный инструмент, как скрипка, фортепиано или гитара. И я считаю, что инструмент этот в Греции нужно развивать.

Кстати, в Китае, напротив, виолончель невероятно популярна.

На Мула (Китай), профессор Центральной консерватории Китая:
- Китайская публика обожает посещать концерты виолончельной музыки, ей нравится сам звук этого инструмента. Дети с раннего возраста мечтают заниматься на виолончели. Виолончельные мастер-классы проводятся у нас по Центральному телевидению по всему Китаю. Причем подразумеваются абсолютно все уровни владения инструментом, начиная от первых шагов - до высокого профессионального уровня… Китайские студенты обычно обучаются здесь, в Китае, ведь у нас по всей стране более 10 профессиональных музыкальных учебных заведений по этой специальности, а самая главная находится в Пекине. Она - побратим с ЦМШ при Московской консерватории


Гуидо Риччи (Италия), виолончелист:
- Виолончель - инструмент, пришедший к нам из Европы. И репертуар у нее в большей степени европейский. Хотя, в Монголии, например, есть свой древний национальный струнно-смычковый инструмент морин хуур, верхняя часть грифа которого изготавливается в виде головы лошади. Он очень популярен также в Бурятии, Калмыкии - и это достояние человечества: инструмент находится под охраной ЮНЕСКО.
То, что мы увидели на сегодняшнем конкурсе - это русская школа. Несмотря на большое количество наград у китайских виолончелистов, практически все сейчас идет из России. У нас, в Европе, в Италии, своя сильная виолончельная школа и традиции. Достаточно сказать, что сейчас одним из ведущих виолончелистов мира является Марио Брунелло, с которым я имел честь гастролировать по России много лет назад: Москва - Ленинград - Рига (Латвия).

Конкурс в Саратовской филармонии продолжался 10 дней. По традиции, после выступления в гала-концерте новые лауреаты конкурса отправляются с концертом на родину Святослава Николаевича Кнушевицкого, в город Петровск Саратовской области.

Справка "РГ"
Международный конкурс виолончелистов имени Святослава Кнушевицкого проводится при поддержке Министерства культуры РФ с 2012 года.
В этом году в конкурсе приняли участие 80 музыкантов (возраст участников младшей группы - до 18 лет, старшей - до 30 лет) из одиннадцати стран мира - России, Болгарии, Германии, Франции, Китая, Турции, Армении, Беларуси, Казахстана, Украины, Узбекистана.
Россию представили виолончелисты из Москвы, Санкт-Петербурга, Самары, Саратова, Челябинска, Воронежа, Якутска, Липецка, Петрозаводска, Нижнего Новгорода, Казани, Армавира, Калининграда, Шлиссельбурга, Уфы, Ростова-на-Дону, Набережных Челнов, Элисты, Костромы, Барнаула.

Лауреаты конкурса

В младшей группе:
I премия - Ставицкий Арсений (Украина) и Намиса Сун (Китай); II премия - у самых юных участников конкурса - двенадцатилетних Никонова Даниила (Россия) и Вана Ясэня (Китай); III премия - у Микрюкова Андрея (Россия) и двенадцатилетней Чжен Си (Китай).

В старшей группе:
I премия - Ежов Давид (Россия, Москва), II премия - Мухаметдинов Камиль (Россия, Казань); III премия - Михаил Махнач (Беларусь) и Алдангора Раббани (Казахстан).
В состав жюри под руководством профессора Московской консерватории Игоря Гаврыша вошли выдающиеся педагоги и исполнители: Якоб Богаарт (Нидерланды), Христофор Мирошников (Греция), Жан Монтеc (США/Гаити), На Мула (Китай), Кирилл Родин (Россия), Юрий Семенов (Россия), Надежда Скворцова (Россия), Владимир Тонха (Россия), Веселин Эмануилов (Болгария), Гуидо Риччи (Италия). Заместитель председателя жюри конкурса - Сергей Усанов (Россия).
V Международный конкурс виолончелистов имени Святослава Кнушевицкого состоится через два года, в 2020 году.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052403
Тема| Музыка, Гастроли, Дрезденская капелла, Персоналии
Автор| Виктор Александров
Заголовок| Тилеманн и Дрезденская государственная капелла впервые выступили в России
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| https://rg.ru/2018/05/23/tilemann-i-drezdenskaia-gosudarstvennaia-kapella-vpervye-vystupili-v-rossii.html
Аннотация| Гастроли

В среду, 23 мая, в России открылись гастроли старейшего оркестра мира - Дрезденской государственной капеллы под руководством Кристиана Тилеманна.
В преддверии гастролей в резиденции посла Германии Рюдигера фон Фрича состоялась специальная пресс-конференция с участием дирижера Дрезденской государственной капеллы Кристиана Тилеманна и пианиста Дениса Мацуева.
Последний раз прославленный немецкий коллектив выступил с концертом в Санкт-Петербурге в начале 2000-х годов. Нынешний тур после столь продолжительного перерыва включает концерты в Москве, Санкт-Петербурге, Калининграде, Париже, Люцерне и Баден-Бадене.

В Московской филармонии на сцене Концертного зала им. Чайковского оркестр исполнил увертюру к опере "Оберон" Карла Марии фон Вебера и Четвертую симфонию Иоганнеса Брамса, а также Второй фортепианный концерт Листа, солировал в котором российский пианист Денис Мацуев.

У Дрезденской государственной капеллы славное прошлое. Она ведет свою историю с 1548 года. Больше полувека с прославленным коллективом сотрудничал немецкий композитор Рихард Штраус. На сцене дрезденской Земпеопер состоялись премьеры его таких знаменитых опер, как "Электра", "Саломея" и "Кавалер розы". Свою "Альпийскую симфонию" Штраус также посвятил этому оркестру. На протяжении долгих лет саксонским коллективом руководили знаменитые дирижеры прошлого: Эрнст фон Шух, Фриц Райнер, Фриц Буш, Карл Бем, Йозеф Кайльберт, Рудольф Кемпе, Отмар Зуйтнер, Курт Зандерлинг, Герберт Блумстедт и Джузеппе Синополи. В 2000-2004 годах оркестр возглавлял Бернард Хайтинк, которого в дальнейшем сменил Фабио Луизи. С сезона 2012/2013 пост главного дирижера Капеллы занимает Кристиан Тилеманн, главного приглашенного дирижера - Мюнг-Вун Чунг.

Дрезденская государственная капелла активно гастролирует в странах Старого и Нового Света, а также в азиатском регионе. С 2013 года каждую весну оркестр принимают на Зальцбургском Пасхальном фестивале, который также возглавляет Кристиан Тилеманн.
Возвращение с концертами в Россию для маэстро Тилеманна вдвойне приятно.

Кристиан Тилеманн: "Мы очень рады снова присутствовать в России с немецким оркестром после большой паузы. Последний раз я был здесь на гастролях с Венским филармоническим оркестром. Мы прекрасно знаем, насколько тесными были культурные связи между нашими странами. Последние века показали это - царская семья имела немецкие корни, династические браки существовали. Ну а если вспомнить о музыкальных связях, о Чайковском и других композиторах, которые были в Берлине или учились в Лейпциге, оркестровый звук связан очень сильно с российским музыкальным прошлым. Я прекрасно себя здесь чувствую, великолепная публика, которая необычайно концентрирована, и как внимательно люди слушают и ценят классическую музыку. Ну а если говорить о контактах между Россией и Германией с представителями искусства - певцами, композиторами, музыкантами, то здесь политика отступает на последний план. Как говорят в Германии, если двое ссорятся, то радуется третий. Для нас музыка, которую мы несем, является неким посланием миру. Я очень рад сотрудничеству с Денисом Мацуевым. Мы с ним вслепую друг друга понимаем, не договариваемся на репетициях ни о чем, а просто начинаем играть вместе и прекрасно получается наше взаимодействие. Мы с большой радостью ждем наших концертов в России".
В свою очередь Денис Мацуев отметил, что сотрудничать с маэстро Кристианом Тилеманном и его дрезденским оркестром - это огромное счастье. Пианист искренне верит, что чудес на свете так просто не бывает, и, может быть, в будущем Кристиана Тилеманна удастся пригласить в Сибирь на свой фестиваль "Звезды на Байкале".
В сезоне 2017/2018 Денис Мацуев был выбран приглашенным солистом-виртуозом Дрезденской государственной капеллы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052304
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Ольга Волкова
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Прима с перцем
Белорусская оперная звезда Оксана Волкова о себе и профессии
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| https://rg.ru/2018/05/23/reg-szfo/belorusskaia-opernaia-zvezda-oksana-volkova-rasskazala-o-sebe-i-professii.html
Аннотация| Интервью

В субботу, 26 мая, на самой знаменитой площади Санкт-Петербурга состоится ставший уже традиционным гала-концерт "Классика на Дворцовой", посвященный дню рождения Северной столицы. В этот раз в честь 315-летия города на Неве соберется ареопаг звезд мировой оперы.

Ожидается прибытие знаменитого тенора Роберто Аланьи с супругой - сопрано Александрой Куржак, а также участие любимцев искушенной венской публики - молдаванки Валентины Нафорница и россиянина Павла Колгатина. Среди десятка певцов будут и сопрано Венера Гимадиева, баритон Алексей Марков и бас Алексей Тихомиров. Беларусь в высшем оперном обществе представит роскошная меццо-сопрано Оксана Волкова: она пела на сцене в Минске вместе с Дмитрием Хворостовским в его концерте "Хворостовский и друзья". Накануне выступления в Петербурге певица дала интервью "СОЮЗу".

Сегодня, когда в вашей биографии уже есть выступления в лучших театрах мира - "Метрополитен" в Нью-Йорке, "Ковент-Гарден" в Лондоне и "Ла Скала" в Милане, а нынешнем летом еще и запланирован ваш дебют на легендарном летнем фестивале в Зальцбурге, где вы будете Полиной в премьерной постановке "Пиковой дамы", вы можете сказать, что все желания сбываются?

Оксана Волкова: В этих театрах пока еще я не пела крупные партии, поэтому мне есть еще к чему стремиться и о чем мечтать. Я никогда не пела в Париже, Сиднее или Берлине. Хочу где-нибудь спеть Шарлотту в "Вертере", Принцессу де Буйон в "Адриенне Лекуврер", Адальджизу в "Норме". И этот список продолжать можно бесконечно. И еще мне бы очень хотелось иметь больше возможностей выезжать на гастроли вместе с семьей и показывать мир детям. Но, к сожалению, школа диктует свои правила жизни и пока часто нас разлучает.

Трудно быть и примадонной, и многодетной матерью?

Оксана Волкова: Во-первых, у меня всего двое детей - дочь Рената и сын Арсен, разве это многодетность? Я стараюсь максимум внимания уделять и детям, и карьере. И у меня получается. Конечно, без помощи бабушек и моего мужа это было бы невозможно. Но все близкие меня поддерживают, и дети тоже понимают сложность моей работы, поэтому я и могу заниматься любимым делом. Во-вторых, хочу заметить, что быть примадонной для меня неестественно. Я терпеть не могу, когда кто-то демонстрирует свое превосходство только из-за каких-то успехов на сцене. Я общаюсь со многими из оперных звезд и вижу, что большинство - дружелюбные и легкие люди в общении.
В детстве я хотела стать мультипликатором. Мне казалось, что это необычная, редкая профессия, и у меня будет больше шансов блеснуть

Когда-то вы хотели представлять Беларусь на "Евровидении". Как возникла такая идея и почему она до сих пор не реализована?

Оксана Волкова: Да, мне это было очень интересно. Но это конкурс песни, и ее кто-то должен написать. Пока не сложилось. И я уже не думаю, что смогу это сделать. Я почти всегда угадываю победителя. Думаю, что наша музыкальная индустрия очень сильно позади планеты всей, и эта ситуация еще долго не изменится.

Вы победительница многих конкурсов - это свидетельство того, что вы очень долго шли к признанию?

Оксана Волкова: В конкурсах мне особо не везло. Я победила всего в нескольких и участвовала в них совсем не ради признания. Когда я была студенткой, мне очень нравилась конкурсная атмосфера: волнение, подготовка программы, соревновательный дух, да и школа это всегда была огромная. Плюс общение и новые контакты. Нужно было анализировать, что ценится в мире, как поют победители, и чего не хватает мне. Но когда я наконец почувствовала, что что-то умею, конкурсный возраст уже прошел.
Пришлось ездить на прослушивания к постановкам, чего я очень не люблю.

Почему?

Оксана Волкова: Потому что за короткое время нужно выдать все, на что способен, а что не получится, то реабилитироваться возможности уже не будет. Однажды я допустила ошибку, которую буду помнить всегда: я пела прослушивание нездоровой и прямо с самолета, к тому же ошиблась с заявленной программой. Но надеялась, что самую сложную арию не надо будет исполнять, но, конечно, спросили именно ее. Я выдавливала из себя звук как пасту из тюбика пока в самый неподходящий момент мой голос дал такого петуха, которого этот театр, думаю, еще не слыхивал... И в этом театре я так ничего и не спела. Зато получила урок на всю жизнь!

Вы с детства хотели быть певицей?

Оксана Волкова: Нет, в детстве я хотела стать мультипликатором. Придумала себе профессию, как мне казалось, очень нетривиальную. Мне казалось, что это необычная профессия, которой хотят заниматься совсем мало людей, и у меня будет больше шансов блеснуть. Но на самом деле уже в сознательном возрасте у меня не было четкого плана, кем стать. Мне всегда нравился музыкальный театр, но мне казалось, что это для других, каких-то более совершенных людей, чем я. И я не верила, что можно так легко стать поющей актрисой. Поэтому готовилась в серьезный вуз - Технологический университет, факультет сертификации. Я даже почти закончила подготовительные курсы, только химию немного недотянула. Моя мама всегда напоминает, что я должна ей миллион: именно столько стоили занятия на тех курсах. А еще я параллельно вынашивала идею поступить в Академию музыки на вокал. Я очень полюбила театр, меня завораживал красивый мир кальмановских оперетт, и так постепенно сформировалось желание тоже быть причастной к этому прекрасному миру.

Однако судьба распорядилась так, что ваши героини, как правило, фатальные соблазнительницы...

Оксана Волкова: Если в женщине есть загадка и энергия, что притягивают людей, это прекрасно. Таких женщин очень интересно воплощать на сцене, они всегда с характером и "перчинкой". Мне было бы сложно быть, например, убедительной Джульеттой или Джильдой, если бы я была сопрано. У меня совсем иной характер и темперамент. Хорошо, что природа правильно распределяет амплуа.

Ваша главная партия - Кармен? Или вы ломаете шаблоны?

Оксана Волкова: Конечно, Кармен! На все триста процентов - это моя партия и по голосу, и по темпераменту. Я получаю огромное наслаждение от этой оперы, все время ищу новые краски, оттенки в голосе и черты, детали характера. Эту оперу сложно испортить режиссурой, потому что главное в ней - история Кармен и Хозе. Я обожаю современные постановки "Кармен", потому что они не только актуальны сегодня, но и очень выразительны. И я просто счастлива, что меня наконец позвали в Большой театр России спеть в июне Кармен.

Вы на один год присоединялись к первому призыву Молодежной оперной программы. Вы вспоминаете это время с ностальгией?

Оксана Волкова: Это было прекрасное время. Мои любимые девочки из Молодежной программы Большого театра России - Венера Гимадиева, Светлана Касьян, Ульяна Алексюк, которых я просто обожаю. Вообще у меня очень много друзей в Москве, и я всякий раз при первой возможности приезжаю. С коллегами обычно у меня складываются прекрасные отношения, часто переходящие в дружбу. Все мы постоянно пересекаемся на каких-то проектах и всегда очень рады друг другу.

Визитная карточка
Оксана Волкова родилась в Минске. Окончила Белорусскую академию музыки по классу вокала. В 2002 году была приглашена в Большой театр оперы и балета Беларуси. С 2009-10 годах являлась артисткой Молодежной оперной программы Большого театра России. Оперная певица Оксана Волкова стала первой белоруской, которая за последние 100 лет открыла сезон в нью-йоркской "Метрополитен-опера". Певица исполнила партию Ольги в "Евгения Онегина". Оксана Волкова удостоена наград Беларуси - Гранд-премии Специального фонда Президента Республики Беларусь по поддержке талантливой молодежи; Медали имени Франциска Скорины "за выдающиеся творческие достижения, высокое профессиональное мастерство и заслуги в развитии национальной культуры и искусства" и других.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052305
Тема| Музыка, Госоркестр Татарстана, Персоналии, А. Сладковский
Автор| Александр Матусевич
Заголовок| Александр Сладковский продолжает убеждать
Госоркестр Татарстана подвел черту своему московскому абонементу
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-05-23/100_sladovsky.html
Аннотация|

Много ли региональных симфонических коллективов в нашей стране на регулярной основе играют в обеих ее столицах, ездят с гастролями по России и за рубеж, представляют ту творческую единицу, выступление которой в Москве становится незаурядным событием? Ответ очевиден: таких практически нет. В отличие от США или Германии, где знаменитые и высококлассные оркестры прописаны отнюдь не только в столицах, российская симфоническая элита предельно сконцентрирована в Москве и Петербурге.

Причины (социальные и культурологические), секрет полишинеля: моноцентричность - в данном случае дуоцентричность - российской действительности безжалостно стягивает все лучшее в два великих города, оставляя другим лишь возможность гордиться успехами отечественной академической музыки на почтительном расстоянии.
Ситуация крайне несправедливая. И эту несправедливость давно пора исправить. Пока этим заниматься некому, музыканты ситуацию пытаются скорректировать на местах. Не без столичных инъекций, конечно же. Наиболее удачно эту проблему в последние годы решают в Казани.

Приход Александра Сладковского на пост худрука Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан можно вполне интерпретировать как своего рода чудо: именно с этого момента жизнь коллектива пошла в гору. Хотя у оркестра славное прошлое (этот бриллиант ограняли такие корифеи как Натан Рахлин и Фуат Мансуров), появление за дирижерским пультом Сладковского, безусловно, дало коллективу новый импульс.

Сегодня этот оркестр – не только музыкальный бренд Татарии и ньюсмейкер культурной жизни республики, его имя звучит по всей России. У коллектива в российской столице случаются не просто гастрольные выступлении– у него в Москве собственный абонемент, который пользуется среди столичных меломанов бешеной популярностью: встречи с казанскими музыкантами по-настоящему ждут, у них в искушенной, избалованной всяческими музыкальными впечатлениями столице появилась своя публика!

Концертом, финализирующим абонемент этого сезона, стало исполнение в Большом зале Московской филармонии Шестой симфонии Густава Малера. Уже сам факт выбора такого опуса говорит сам за себя. Малер обязывает. Впервые у нас обратился к Малеру на регулярной основе Кирилл Кондрашин, после него великие опусы венского чародея стали даже модными (их исполняли все значительные отечественные дирижеры), а в столице в последние годы «своего» Малера показывали и другие региональные коллективы – например, Уральский филармонический и пермский «МusicAeterna».
Но зная достижения казанских музыкантов, их сегодняшней амбициозной претензии не удивляешься: они проработали уже всего Шостаковича, из Малера играли и даже записали уже Первую, Пятую и Девятую симфонии. И даже на этом фоне взяться за «Трагическую» (такое название, приросшее к ней самостийно, без явного указания автора, имеет Шестая симфония) – дело очень ответственное и рискованное. Полуторачасовое сочинение с гигантским составом исполнителей и гигантскими музыкантскими задачами требует мощных ресурсов, незаурядного мастерства и смелости.
Все это у маэстро Сладковского и его подопечных есть. Симфония была исполнена качественно и вдохновенно: можно обсуждать особенности интерпретации, не соглашаться с какими-то акцентами, но невозможно не увидеть высочайшей планки профессионализма – циклопическая форма опуса собрана и драматургически выстроена, музыканты вышколены до блеска, наиболее рисковые группы звучат феерично.
Особенно впечатлили духовики и ударные, на которых у Малера вообще, а в этой симфонии в частности, держится очень многое – такую точность и слаженность не всегда удается услышать и от столичных коллективов, и от зарубежных гастролеров. Впрочем, и струнная группа, и всевозможные экзотические вкрапления (челеста или контрафагот) звучали идеально, расцвечивая малеровскую глыбу необыкновенными тембральными красками.

Интерпретация маэстро четко свидетельствует о том, насколько для него органичен мир позднего романтизма: в этой стихии он буквально купается, вытягивая из партитуры максимум экспрессии. Прочерчена четкая линия от Бетховена. С его неумолимым вектором от фатализма к просветлению ведется убедительный спор-диалог: у Малера движение, в общем-то, идет в обратную сторону, предчувствуя и прозревая апокалиптические катастрофы надвигающегося 20 века. Сладковский вскрывает эту логику бесстрашно, обрушивая на публику всю мощь туттийного катарсиса, чем напоминает такого титана русского симфонизма как Евгений Светланов.

Но неверно было бы говорить лишь о впечатляющей экспрессивности исполнения: ему не чужда и нежная лирика, и романтическая меланхолия и отстраненность, и переклички то болотных огоньков, то далеких звездочек – все это зримо слышится в безбрежном океане многомерного малеговского мира.

Невероятный успех у московской публики – более, чем заслужен. Слушатель получил абсолютно то, за чем шел: высочайшее качество и яркие эмоции, глубокие мысли и по-театральному зримый музыкальный рассказ о титанической борьбе и неумолимости фатума.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 12:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052406
Тема| Музыка, Оркестр Баварского радио, Гастроли в России, Персоналии, М. Янсонс
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| Соло для Дон Жуана
В Москве выступил Марис Янсонс с оркестром Баварского радио
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| https://rg.ru/2018/05/21/reg-cfo/v-moskve-vystupil-maris-iansons-s-orkestrom-bavarskogo-radio.html
Аннотация| Гастроли

Выступление мюнхенцев на сцене Концертного зала Чайковского завершало турне оркестра, приуроченное к 15-летию сотрудничества с Марисом Янсонсом, возглавляющим Симфонический оркестр Баварского радио с 2003 года. В маршрут гастролей вошли Гамбург, Франкфурт, Нью-Йорк, Рига, Хельсинки, Петербург.
Об уровне баварского оркестра, входящего в элиту лучших десяти оркестров мира, московская публика уже имела впечатление по их выступлению с Марисом Янсонсом в Большом зале консерватории в 2013 году. Именно поэтому в зале Чайковского был аншлаг и та редкая атмосфера всеобщего воодушевления, которая случается только на исключительных по своей значимости событиях. И действительно, искусство оркестра не могло не восхищать - красота и точность оркестрового звука, безупречные соло, никакой аффектации в трактовках - логика, ясность, лаконизм. Программу открыла Третья ("Героическая") симфония Бетховена - два мощных аккорда вступления прозвучали, как удар судьбы, как рок героя.

Звуковая картина первой части отделана со всеми подробностями: героический настрой, твердые линии фразировки, активно меняющаяся динамика, выпуклые инструментальные соло - яростный бетховенский мир. В траурном марше второй части героический дух музыки стал мрачным, но не скорбным, а в середине ее полифоническая фактура разрослась у Янсонса в такое мощное фортиссимо, что звучал уже траур по всему миру, по конечности человеческой жизни. Скерцо, наоборот, поразило воздушным пианиссимо, мягкостью контрабасов и породистым, "альпийским" звучанием фанфар. Финал Героической симфонии, по сути, звучал как бетховенское послание - с героическими интонациями, напором марша и поразительным соло гобоя, парящим над оркестром, словно вечная душа человека, которую победить ничем, даже смертью, нельзя.

Восхитил оркестр и в "Дон Жуане" Рихарда Штрауса, мюнхенца по происхождению, традиционно считающегося фирменной частью репертуара мюнхенских оркестров. Здесь оркестр продемонстрировал совершенное мастерство: грандиозные ликующие тутти, сверкающий звук и стремительные темпы, закручивающие в своем вихре "тематику" Жуана. Абсолютно завораживающими были соло скрипки и гобоя. Финал "Жуана" обернулся у Янсонса строгим тремоло скрипок и короткими, как предсмертное дыхание, аккордами.

Смертоносной энергией оказался наполненным у баварцев "Вальс" Равеля, написанный композитором в 1920 году и пронизанный ужасом Первой мировой войны. У Янсонса этот "Вальс" начался с жутковатого даже не гула, а пульса вибрато контрабасов, с механически мерно пробегающих по оркестру коротких вальсовых волн. Поначалу безмятежно разворачивающийся под всплески арф Венский вальс постепенно менял свои очертания, прерывался устрашающим пульсом контрабасов, искажался, превращаясь в машину с жестким механическим ритмом, ускорявшим вращение, пока "героя" не перемалывало в воющем глиссандо меди и ударах тамтама. Это факт, но баварский оркестр с Янсонсом играл в этом концерте самые сегодня актуальные смыслы не только музыки.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 1:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052406
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Денис Мацуев
Автор| Денис Бочаров
Заголовок| Денис Мацуев: «Мой график расписан до 2023 года»
Где опубликовано| Портал «Культура»
Дата публикации| 2018-05-17
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/music/200505-denis-matsuev-moy-grafik-raspisan-do-2023-goda/
Аннотация| Интервью

23 мая на сцене Концертного зала имени Чайковского состоится выступление Дрезденской капеллы. Солист — пианист Денис Мацуев. Корреспондент «Культуры» пообщался с выдающимся музыкантом

культура: Широкая известность пришла к Вам 20 лет назад, когда Вы стали лауреатом XI Международного конкурса имени Чайковского. Победа на форуме действительно явилась поворотным моментом в творческой судьбе?

Мацуев: А разве могло быть иначе? Бренд «победитель конкурса Чайковского» следует за тобой на протяжении всей жизни. По большому счету моя карьера закрутилась именно после триумфа двадцатилетней давности. Тогда-то антрепренеры и начали выходить на меня. Я играю 256 концертов в год, от Нью-Йорка до Токио. Мой график расписан до 2023 года, и я этим очень горжусь, зачем скрывать?

культура: Вы музыкант не в первом поколении. Означает ли это, что жизненный путь был предопределен еще до Вашего рождения? Или какие-то варианты, связанные с выбором профессии, рассматривались?

Мацуев: Родители были очень мудрыми людьми, и если бы поняли, что у меня нет ни толики таланта, то ни в коем случае не направили бы по этому пути. Но однажды, будучи трехлетним ребенком, я подошел к пианино и повторил тему, которой сопровождался прогноз погоды в программе «Время». Тогда-то, видимо, мама с папой и смекнули, что из ребенка выйдет толк. Вообще, роль родителей в воспитании таланта — ключевая.
Мой отец, когда его спрашивают о сыне, отвечает обычно словами Людовика XIV: «Я для искусства сделал все, что мог, — я просто ему не мешал». Папа с мамой — это своего рода учебное пособие для тех, кто не знает, как и что лепить из своего отпрыска. А вообще, для того чтобы человек состоялся в той или иной профессии, всегда необходим грамотно выстроенный триумвират: ребенок, родители, педагог. Если что-то из этой триады на каком-то уровне или этапе дает сбой, удачи не видать.

культура: Вы принимаете активное участие в благотворительной деятельности, проводите детские и юношеские музыкальные конкурсы, фестивали «Звезды на Байкале» и «Crescendo». Как оцениваете состояние детско-юношеского пианизма? Есть уверенность в том, что великие традиции отечественного фортепианного искусства никуда не исчезнут и наследники Рихтера, Гилельса, Нейгауза, Кисина, Плетнева, Мацуева будут в нашей стране всегда?

Мацуев: Как показывают упомянутые вами смотры, наша фортепианная школа остается на недосягаемой высоте. Дети играют концерты Прокофьева, Рахманинова, Чайковского на таком уровне, который даже сложно себе представить. Если не видишь, кто за роялем, ни за что не догадаешься, что выступают не матерые мастера, а начинающие таланты. Это настоящая сенсация. Многие профильные мировые издания восторгались: как можно в таком возрасте столь восхитительно играть? Причем это абсолютно нормальные дети, не какие-нибудь там «ботаники»: помимо занятий музыкой, они успевают и в кино ходить, и театр посещать, и книжки умные читать, и спортом заниматься. Владеют несколькими иностранными языками, компьютерными технологиями — словом, чудо, а не дети. У членов жюри волосы дыбом вставали и челюсти отвисали.
С другой стороны, при всех подобных восторгах есть и резонные опасения: что же будет с юными дарованиями дальше? Ведь мы знаем массу примеров, когда резво взявшие старт музыканты по жизни теряются. Ребята уже готовы к большим концертам, но к каждому нужен индивидуальный подход. И здесь взрослым необходимо, что называется, держать руку на пульсе, следить за тем, чтобы талант не израсходовался. Также нельзя допустить головокружения от успехов, ведь сегодня ты «на коне», а завтра приходится начинать с чистого листа. И об этом молодым музыкантам следует помнить постоянно.

культура: Вы филармонический музыкант с мировым именем. А как относитесь к иным жанрам: джаз, блюз, рок-н-ролл в какой-либо мере Вам близки?

Мацуев: Несомненно. В частности, без джаза я вообще жить не могу, это моя давняя, глубинная страсть. К классическому року тоже питаю большое уважение — причем к тому самому, корневому, когда все эти парни появились примерно одновременно: The Beatles, The Rolling Stones, Pink Floyd и так далее. Лучших артистов этого направления следует поставить на одну планку с исполнителями так называемой «серьезной» музыки.
Да и многие представители советской эстрады — возьмем, хотя бы, гениальный триумвират Бабаджанян — Рождественский — Магомаев — чем не классика? Это большое искусство. Например, Андрей Яковлевич Эшпай, который был председателем жюри на упомянутом вами конкурсе Чайковского, написал «Сережку с Малой Бронной» — это же невозможно без слез как слушать, так и играть.

культура: Ваше отношение к возвращению Крыма в состав России хорошо известно. Однако далеко не все, в особенности на Украине, его разделяют. Как Вы думаете, скоро утихнут споры о полуострове? Или должно смениться несколько поколений, а мы на нашем веку полной нормализации отношений между двумя странами уже не дождемся?

Мацуев: Об этом сложно судить, но скажу следующее: мне кажется, классическая музыка на сегодняшний день является чуть ли не последним терапевтом в человеческих взаимоотношениях. Потому что язык музыки — самый гениальный и абсолютный. Каждый раз, выступая в Тель-Авиве, наблюдаю следующую картину: и евреи, и арабы оставляют все свои противоречия за стенами концертного зала. Что может быть более показательно? Классика — некий островок независимости, способный примирить людей.
Я думаю, что рано или поздно все восстановится, устаканится. Говорю об этом не с романтических позиций, а просто потому что сибиряк. А сибиряки всегда за дружбу. У нас в семье, да и в Сибири в целом, есть два негласных лозунга: «Не обижай» и «Помогай». Исходя из этих нехитрых постулатов, уверен: все у нас будет хорошо.
культура: Пианино — по большому счету единственный универсальный инструмент. В том смысле, что дает возможность не только являть себя миру, но и погружаться в глубины собственной души. Часто ли Вы играете просто для удовольствия?

Мацуев: Совершенно верно, рояль — король музыкальных инструментов. Его возможности безграничны. Я неоднократно отмечал, что люди, выучившие хотя бы несколько аккордов, садятся за фортепиано, и если уж ничего не сочиняют, то точно находят утешение в музыке.

Задача любого пианиста — заставить рояль петь. А для этого с инструментом необходимо договориться. От этого контакта зависит успех любого действа — будь то концерт, работа в студии или обыкновенная репетиция.

культура: Вы посол предстоящего чемпионата мира по футболу. Каковы Ваши прогнозы относительно шансов сборной на мундиале-2018?

Мацуев: Настроение «всех порвем!» мне близко: в противном случае незачем вообще выходить на поле. А если серьезно, очень переживаю за сборную Черчесова, поскольку со Станиславом Саламовичем хорошо знаком. Что бы ни говорили скептики, искренне верю как в его тренерский талант, так и в игроков. Конечно, у нас нет Месси и Роналду, но мы всегда славились тем, что можем в последний момент собраться и как следует вдарить. Тем более в родных-то стенах?!

Настоящий болельщик проявляется не тогда, когда у команды все в порядке, а, напротив, когда ей приходится не слишком здорово. Посмотрите: мы в преддверии чемпионата мира по футболу, главного спортивного действа, сопоставимого по уровню разве что с Олимпиадой, и он пройдет в России — ну когда еще такое будет? Давайте поддержим наших, вместо того чтобы скептически пожимать плечами.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 1:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052407
Тема| Музыка, МАМТ, Опера, Персоналии, Д. Ульянов
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| «По-русски нужно уметь петь»
Оперный певец Дмитрий Ульянов — о вокальных школах, театре-доме, праве на ошибку и лидерских качествах
Где опубликовано| Известия
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| https://iz.ru/746329/svetlana-naborshchikova/po-russki-nuzhno-umet-pet
Аннотация| Интервью

23 мая в Московском академическом музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко состоится сольный вечер Дмитрия Ульянова. В программе с участием известного баса — фрагменты из оперы «Борис Годунов» Модеста Мусоргского, вокально-симфоническая поэма «Казнь Степана Разина» и Первая симфония Дмитрия Шостаковича. Накануне концерта певец встретился с обозревателем «Известий».

— Для сольного вечера вы выбрали серьезную программу. Обычно на подобных концертах предпочитают петь популярные арии.

— Это была наша идея с Феликсом Павловичем Коробовым (главный дирижер МАМТа. — «Известия»). Решили придать программе театральность, серьезность и просветительский посыл. Конечно, самый простой вариант — сделать попурри, но интереснее было показать вещи, которые для нас важны — Мусоргского и Шостаковича, причем Мусоргского в оркестровке Шостаковича, чтобы получился тематический вечер: от Бориса к Степану Разину.

Симфоническая поэма Шостаковича в своей стилистике наследует творчеству Мусоргского и достаточно редко исполняется. В ней много красок можно попробовать, так как там только один солист. Остальные действующие лица — хор и оркестр. И, конечно, для меня важна роль Бориса, как и для любого баса. Это некая точка достижения. Хотелось бы поделиться со зрителями своими поисками в этой области.

— Кто для вас Борис? Герой, жертва, злодей?

— Человек. В любом персонаже мне прежде всего интересны его человеческие качества. Всегда пытаюсь покопаться в психологии, задать вопросы: кем был мой герой, что делал, почему? Для меня «Борис Годунов» — это трагедия человека, облеченного властью, обуреваемого страстями. Он ходит по тонкой грани и в какой-то момент с нее соскальзывает… Работа над таким образом — всегда поиск внутри героя. Какой он хотел бы видеть страну, чего он хочет, почему у него не получается?
Важно играть не портрет, не статую. Надо попытаться найти человеческие грани героя, показать, что хорошего в нем было. Плохое и так будет понятно из контекста. Вот Степан Разин. Кем он был? Для кого — злодей, для кого — герой. Люди вставали, шли за ним, значит, он чем-то их поднимал, какой-то идеей привлекал. Вешал бояр не потому, что он хотел их вешать, а потому что не видел другого выхода — думал, что только так можно что-то изменить...

— Если композитор не дает персонажу оправдания, всё равно будете его искать?

— Буду. Конечно, следуя за композитором, он дает характеристику. Но у нас всегда есть право на поиск. Мы можем, даже следуя по заданной колее, найти какие-то неожиданные грани.

— Вы поете на ведущих оперных сценах мира, но тем не менее возвращаетесь в родную гавань. Что дает артисту принадлежность к одному театру?

— Может быть, ощущение, что тебя здесь ждут, будут тебе рады. Сложно сказать. Для меня наш театр — место, где есть свобода, отдохновение, зритель, который всегда тебя любит и ждет. Важно иметь базу, где ты можешь спеть такой концерт, попытаться выразить что-то свое. Мы люди подневольные, на Западе подписываем контракты. Иной раз есть вещи, которые ты бы не хотел петь, но в силу некоторых причин соглашаешься. Понимаешь, что если тебе Парижская опера предложила контракт, не имеет смысла отказываться, потом не позовут. У нас век короткий, конкуренция высокая. Здесь, в театре, есть возможность спеть, что тебе хочется, спокойно себя чувствовать, поработать.
Иногда возникает мысль: «Может быть, уехать, стать фрилансером?» Но меня что-то держит. Возможно, ощущение долгого пройденного пути, замечательные друзья, партнеры. Выходишь на сцену и радуешься, что есть такие коллеги, такой коллектив-дом, театр-дом. Сколько бы я ни ездил, всегда хочется домой. Дом — место, где можно выдохнуть, расслабиться.

— В родном театре вы имеете право на ошибку?

— Не имею нигде. Наоборот, сложнее становится, с каждым годом от тебя всё большего ждут. Ты уже прыгнул на 6 м, как Бубка, и ниже опускать планку не имеешь права. Когда раз в полгода появляешься в родном театре, это притягивает зрителей, возникает дополнительный интерес, и тем более нельзя ошибаться. Большинство людей видят тебя первый раз. Есть завсегдатаи, но это довольно малый процент. Но все знают, что это твой домашний театр, твоя фамилия становится гарантом качества. Ты должен это качество обеспечить.

— Груз ответственности, творческая гонка влияют на артистическое самочувствие?

— Никак не влияют, должен быть всегда готов выйти на сцену. День-два прийти в себя немножко, и вперед. У меня бывают и более длительные перерывы, где я могу выдохнуть, что-то новое подучить. Но я всегда готов в бой, мне это нравится.

— Есть ли такое понятие, как русская вокальная школа, и как ее можно охарактеризовать?

— Мне кажется, это некая смесь итальянской школы и русской души. Я из Екатеринбурга. Мой педагог, царствие ему небесное, Валерий Юрьевич Писарев, был учеником итальянца. Он преподавал, уже присоединяя чисто русские моменты, но базой все равно было бельканто, основа итальянского вокала. Русская школа — в некой компиляции итальянской базы и русской словесности. По-русски нужно уметь петь. У нас мало людей это умеют, как это ни парадоксально звучит, не уделяют внимания слову. Переходят к правильной вокализации, но за ней порой теряется смысл. Не у каждого певца можно разобрать, что он поет.

Мне кажется, что русская вокальная школа должна быть основана на хорошем слове, хорошей подаче, хорошей артикуляции. Я всегда работаю над тем, чтобы подача слова была четкой, не превращалась в кашу, особенно если это Мусоргский и Шостакович. Там очень важно слово, речевая интонация, смысловые текстовые акценты, их нельзя пропускать.

— Другая проблема сегодняшней оперы — режиссер. Ваш коллега Юсиф Эйвазов сказал «Известиям», что не одобряет классические оперы в современном варианте, потому что зритель идет на классику, а не на режиссерские изыски.

— Зрители везде разные. Есть те, кто хочет красивых костюмов, им подавай оперу как написано. Есть молодежь современная, которой нравятся все эти новые тенденции. Что касается меня, то я открыт к эксперименту. В том случае, если новая версия оправдана, логична, интересна, если история меня затронет и затянет, если я работаю с режиссером в одном ключе.
С Александром Тителем у нас давняя творческая история, огромная дружба и взаимопонимание. Его стиль всегда ближе к классическому прочтению. При этом я много сотрудничал и с Дмитрием Черняковым. Последняя работа была в Амстердаме, «Князь Игорь» Бородина. Его идеей было, чтобы я спел Галицкого и Кончака в одном спектакле. Я с удовольствием согласился.
С Тимой Кулябиным мы хорошо работали. Он прогрессивный молодой режиссер с интересными идеями, в частности, в том же пресловутом «Тангейзере». Я участвовал в этой постановке. Для меня это была абсолютно четкая история. Все его предсказания внутри нее воплотились в жизнь, настолько он оказался прозорливым художником. Стиль всех режиссеров совершенно разный, и это прекрасно, это только обогащает.
Бывает сложно, когда режиссер сам не знает, чего хочет. Тогда не очень понятно, что делать. Но даже в таких случаях пытаешься что-то свое предложить. Может быть, есть совершенно катастрофические постановки, но в них пока мне не доводилось участвовать. В голом виде вроде не выходил, и выходить не буду в любом случае.

— Есть ли режиссеры, с которыми вам бы хотелось поработать, но пока не получается?

— Мне было бы интересно с Тарковским поработать, он ставил в свое время «Бориса Годунова», но это уже невозможно. Может быть, интересно будет с Кончаловским. Он должен у нас ставить. Если бы Михалков взялся за оперу, тоже, мне кажется, было бы интересно.

— Какой вы представляете оперу, поставленную Никитой Сергеевичем?

— Не знаю, но сам факт был бы интересен.

— У вас огромнейший репертуар, по-моему, всё перепели. Что-то осталось?

— Нет, еще не всё, куда там! Можно сказать, что я только выхожу на какой-то пласт опер. Подошел возраст, когда можно браться за большие партии. Аттилу спел, но пока только в концертном варианте. Вердиевские партии постепенно выходят на первый план. Вагнера очень много неспетого. Непаханое поле, все только начинается. Может быть, в русском репертуаре больше ролей спето, чем не спето. Бориса пою, Пимена, Хованского, Досифея, Додона и так далее. Но всё равно еще есть вещи, к которым можно и нужно прикоснуться. Например, Мельник в «Русалке», или Кочубей в «Мазепе».

— Обычно басовые партии принадлежат героям, наделенным властью, авторитарным лидерам. Это накладывает отпечаток на ваш характер?

— Не знаю, надо у моих родных спрашивать, сильно ли я там: «Чур, дитя!» (смеется). Мне кажется, нет. Я в жизни достаточно легкий человек, общительный. Конечно, нужно обладать лидерскими качествами, чтобы постоянно играть лидеров, но, мне кажется, они у меня были с юности. Я был активный, подвижный, всегда занимался десятью параллельными проектами. Не могу сказать, что я властный, хотя, говорят, меня многие боятся. Может быть, в связи с моими ролями. Может, я с не очень знакомыми людьми достаточно закрыт, как и мы все.

После спектакля я обычно уставший, опустошенный, перед спектаклем всегда сосредоточен. Возможно, люди это воспринимают, будто я строгий и хмурый. На самом деле это специфика. В день спектакля мои близкие уже знают, что трогать меня не надо — если у меня вечером Борис, я уже с утра Борис. Надеваю образ как костюм, примеряю, каким буду вечером. Это мой способ погружения. Когда у меня спектакля нет, я достаточно веселый, позитивный человек.

— У вас были великие предшественники в роли Бориса. Создавая образ, вы ориентируетесь на предыдущие достижения, либо целиком на себя?

— Не ориентироваться невозможно, эти вещи на слуху. Но на начальном этапе нужно остаться наедине с композитором, с нотами. Это мой принцип, идея фикс. Мне кажется, что, если мы первым делом начнем слушать, невольно будем пытаться что-то повторить, автоматически эти крючочки начнут где-то срабатывать. Важно на первом этапе идти от первоисточника, от текста, самому выяснить, что и как хочет сказать композитор, что и как хочу сказать я.

Готовя «Бориса Годунова», я могу фильмы пересматривать, спектакли. Вопросы задавать себе, что-то читать. Если я надену наушники и начну слушать, Пирогов, Христов или Нестеренко подскажут какие-то вещи, сделают за тебя всю работу. Это история, класс, мастерство, но я пытаюсь сначала сам. Только на последнем этапе могу что-то послушать и то очень аккуратно, чтобы не сбить себя. Когда выучиваю партию, уже сам пою, могу специально для себя какие-то вещи проверять и сказать: «Вот это здорово! Тут мне еще есть над чем подумать».

Но всё равно спеть спектакль — это не конец, а начало процесса. Когда в первый раз поешь, это шок и трепет. Всё на нерве, на адреналине. Внимание расслаивается на палочку дирижера, на пометки режиссера, на свои ощущения. Потом поезд-спектакль начинает идти по своим рельсам, ты постепенно разгоняешься, встаешь в колею. Появляется свобода, начинаешь краски добавлять, убавлять, придумывать что-то. Это очень живой процесс. Недаром первые 10 спектаклей считаются премьерными — так они постепенно набирают форму.

Приходит время, когда оперные артисты, в том числе и великие, Галина Павловна Вишневская, например, хотят уйти в другой жанр: в драматический театр, в кино. Вас такое желание не посещало?

— В принципе возможный вариант, почему нет? Но опера более сложный жанр. Драматическому артисту легче. В его распоряжении есть такое понятие, как время, а у нас нет его — мы всё время находимся под счетом, под контролем дирижера и руководством композитора. В этом плане нам гораздо сложнее, и интереснее. Но если предложат роль в театре или кино, я не откажусь, думаю.
Вспомню молодость, когда был ярым поклонником театра драматического, занимался с педагогами из Свердловской драмы, которые приходили в наш студенческий театр. Там роли и главные, и всякие переиграл, в местных театральных фестивалях мы принимали участие, занимали места на областном слете театров. 20 лет оперной деятельности, а если еще вспомнить, чем я там занимался, можно еще лет пять накинуть.

— Всего получается четверть века непрерывного творчества. Что бы вы пожелали себе на следующие 25 лет?

— Не останавливаться. Идти дальше, учить, петь новые роли. Объездить еще массу театров. Но прежде всего — здоровья. И ощущения, что всё только начинается.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 1:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052708
Тема| Музыка, Опера, «Кольцо нибелунга», Софийская опера, Гастроли, Персоналии
Автор| Юлия Бедерова
Заголовок| Коническая опера
«Кольцо нибелунга» в постановке Софийской оперы в Большом театре
Где опубликовано| Коммерсант
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3635552
Аннотация|



На Исторической сцене Большого театра продолжаются гастроли Софийской оперы. Главный номер программы — «Кольцо нибелунга» Вагнера — напомнил Юлии Бедеровой новогоднее ледовое представление.

Тетралогия завершится 23 мая оперой «Гибель богов», а пока интерес к постановке Пламена Карталова 2013 года обеспечен прежде всего тем, что никакого другого «Кольца» в Москве живьем услышать невозможно. Так же было, когда Гергиев привозил спектакль художника Георгия Цыпина, сделанный без режиссера вовсе. Но Софийский театр по этому пути не пошел, тем более что он располагает опытным режиссером, а по совместительству — художественным руководителем. И все же софийский Вагнер — отчетливо дизайнерская продукция. Но если цыпинской концепции в сочетании с гергиевской в свое время хватило на то, чтобы заполнить сцену и монументальное вагнеровское время, то болгарский результат скромнее.

«Не осовременивать, а рассказывать как сказку»,— объясняет Карталов, хотя между тем, что он называет «осовремениванием», и тем, что можно понимать под «сказкой»,— тысячи подходов. Из них выбран один — шоу в духе новогодних ледовых представлений. Поэтому в спектакле, хотя и не сразу, появляются елочки. Но сначала над сценой нависает загадочная конструкция из трех конусов. Что именно они означают, публика узнает позже, когда эти конусы целиком спустятся из-под колосников. Тут и окажется, что они символизируют Валгаллу. Как в хорошем спектакле, конструкция многозначительна: конусы изображают то лес, то горы, то пламя. То, в конце концов, служат экраном для видеопроекции, в том числе для смешных змея и жабы, в которых превращается гном Альберих в шапке-невидимке. Ну и что, скажете вы, что смешных: еще Патрис Шеро заложил традицию комического изображения вагнеровских чудищ. Все верно, но он не закладывал традиций актерского изображения трагических героев так, что выглядят они удручающе комично.

Здесь все шагают, подволакивая ногу, сидят подбоченясь, падают раскинув руки, потрясают то копьем, то мечом, то гривой, вращают многочисленными глазами и делают прочие па из ассортимента детского театра, дополняя картину мизансценами 18+.
Пожалуй, никто бы не удивился, если бы они делали все это на коньках. Но нет. Артисты поют и прыгают на батуте, причем втроем, причем показывая в воздухе шпагат. И, между прочим, он выглядит увереннее, чем верхние ноты. Так режиссер решает сцену русалок в прологе, чего только не видавшую, включая настоящие заплывы в настоящей воде. В этом смысле акробатические номера на батуте с пением — новация. Дальше их меньше, но характерный задорный холодок ледовой елки все время ощущается.
Заедая и дребезжа над сценой в воздухе, появляется пластмассовый летучий кораблик — это Логе. Великанов выкатывает складская подъемная тачка. Без старого доброго принципа deus ex machina не обходится и дальше, когда на движущейся ленте, как на конвейере (вряд ли задуманный режиссером эффект), проезжают мимо героя его мысли и воспоминания — буквально. Режиссер вообще часто стремится оживить действие. Так, на словах Зиглинды «Как он неподвижен», он просит раненого Зигмунда проворно перевернуться с живота на спину. Ну чтобы никто не заскучал.

И никто не скучает. Если бы не музыка. Возможно, оркестр отчасти стал жертвой сложной акустики Большого театра (правда, не там, где сам обессиливал и нестройно гудел), но певцов здесь было слышно довольно хорошо. У многих из них были удачные фрагменты, хотя в целом ни к вагнеровскому, ни к какому-либо другому стилистически определенному вокалу они отношения не имели.

Гастроли Софийской оперы в Москве (пока Большой театр гостит в Китае) — часть большого турне, в которое входят еще Китай и Япония. Тут вспоминается «Мишень» Сорокина-Зельдовича, в которой Москва оказывается транспортным хабом между Западом и Востоком. И если политика Большого уже хорошо согласуется с сорокинским сценарием, то Запад в этом смысле еще отстает. Надо немножко подождать, пока Байрейт или Баварская опера, да хоть бы и Метрополитен-опера с ее смешным Лепажем, сдвинутся, как Бирнамский лес, в сторону Дальнего Востока, и нам повезет: мы увидим наконец-то взрослые версии «Кольца». А пока так.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 1:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052409
Тема| Музыка, Опера, «Кольцо нибелунга», Софийская опера, Гастроли, Персоналии
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| «Давайте дружить странами». Театр из Софии приехал на гастроли в Москву
Где опубликовано| Вечерняя Москва
Дата публикации| 2018-05-2
Ссылка| http://vm.ru/news/493264.html
Аннотация| Гастроли

В пятницу, 18 мая, на Исторической сцене Большого театра Софийский театр оперы и балета начнет представление грандиозной тетралогии Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунга», которую болгарские артисты привезли на гастроли в Москву – самые масштабные за всю историю отношений между двумя странами.

В Москву приехали три сотни человек и привезли шесть спектаклей. И прежде чем стартовал вагнеровский марафон, болгарские артисты на Новой сцене Большого театра показали балет «Корсар», который посвятили 200-летнему юбилею Мариуса Петипа, и оперу классика болгарской музыки Любомира Пипкова «Девять братьев Яны» – значительная и очень мрачная, без любви и даже намека на счастье опера в этническом стиле, в сюжете которой отображено реальное историческое событие – взятие турками древнего болгарского города Самокова, богатого железной рудой и славящегося своими мастерами-резчиками. Это сочинение национальным хитом не стало, но оказалось очень важным в истории болгарской музыки первой половины ХХ века.

Болгары очень ответственно подошли к данной постановке и к визиту в Москву в целом. Нельзя не заметить: они тяжело переживают, что теперь отношения между нашими народами не такие, какими были в эпоху «социалистического братства», и очень хотят вернуть «дружбу странами». До сих пор с абсолютным большинством болгарских артистов можно общаться по-русски, без каких-либо трудностей перевода. И эти гастроли не обменные, как обычно бывает, а состоялись они исключительно по инициативе болгарской стороны.

Постановку вагнеровского «Кольца», как и «Братьев Яны», осуществил главный человек в Софийском театре оперы и балета Пламен Карталов – единый во многих лицах: генеральный директор и главный режиссер. «Кольцо нибелунга» – цикл из четырех эпических опер – «Золото Рейна», «Валькирия», «Зигфрид» и «Гибель богов», основанных на реконструкциях германской мифологии, исландских сагах и средневековой поэме «Песнь о Нибелунгах».

«Кстати, сейчас в репертуаре Большого театра Вагнера нет, тем интереснее будет увидеть и услышать его шедевры в исполнении болгарских коллег, которым мы желаем большого успеха», – отметил гендиректор Большого Владимир Урин.
Вагнеровское «Кольцо» Пламен Карталов сделал вместе со сценографом Николаем Панайотовым. За дирижерский пульт встанет немец Эрих Вехтер, в настоящее время – главный дирижер Софийского театра оперы и балета, а все партии исполнят только солисты театра без всякой гостевой, звездной помощи: никто из болгарских знаменитостей мировой оперы – Красимира Стоянова, Васелина Казарова, Александрина Пендачанска, Надя Крастева, Кирилл Манолов, Владимир Стоянов, Камен Чанев или Соня Йончева в Москву, к сожалению, не приехал. Это, конечно, обидно, но и хорошая причина ждать новой встречи с болгарскими друзьями уже без пауз в десятилетия, как ныне произошло. А сам факт подобного исполнения «Кольца нибелунга» Вагнера – поступок, сравнимый с мифологическим подвигом.

ПРЯМАЯ РЕЧЬ

Академик Пламен Карталов, художественный руководитель Софийского театра оперы и балета:
– Выступать на сцене Большого театра – особая честь, событие огромного значения. Взыскательной московской публике мы представим свои лучшие постановки. Постановку «Девяти братьев Яны» мы сделали специально для этих гастролей, а над вагнеровской тетралогией мы работали восемь лет. Чтобы увидеть «болгарского Вагнера», зрители со всего мира специально приезжали в Софию на наши представления, а также на наши гастроли в Германии. Очень надеюсь, что наша титаническая работа не оставит равнодушной и московскую публику.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 1:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052710
Тема| Музыка, Опера, Мариинский театр, Премьера, «Фальстаф», Персоналии,
Автор| Олег Сердобольский
Заголовок| В Мариинском театре открылся фестиваль "Звезды белых ночей" Фестиваль открылся премьерой оперы "Фальстаф" Джузеппе Верди
Где опубликовано| ТАСС
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5226319
Аннотация| Премьера

Премьера оперы Джузеппе Верди "Фальстаф" открыла в среду в Петербурге самый продолжительный летний праздник - XXVI музыкальный фестиваль "Звезды белых ночей". Спектакль прошел на Новой сцене Мариинского театра под управлением музыкального руководителя постановки, народного артиста России Валерия Гергиева.

Маэстро пригласил для создания спектакля итальянскую команду - режиссера Андреа Де Роза и художника по костюмам Алессандро Лаи, которые знакомы петербургской публике по постановке другой оперы Верди "Симон Бокканегра". Сценографом выступил Симоне Маннино, оформлявший спектакли в палермском театре Массимо, а художником по свету - Паскуале Мари, который сотрудничает с крупнейшими европейскими театральными фестивалями. Спектакль поставлен в рамках масштабного культурного проекта "Русские сезоны", страной проведения которого в 2018 году стала Италия.
"В первых двух действиях оперы чередуются сцены, происходящие в таверне и в доме Форда, проще говоря, - в мире бедных и богатых. В моем спектакле эти два мира разделены стеной, через которую они будут взаимодействовать и сообщаться. Богатых привлекает опасный, смрадный, но полный жизни мир "дна", которым заправляет Фальстаф, а бедняки, в свою очередь, должны пробираться во владения богатых господ, чтобы поживиться. В третьем акте преграда исчезает и уступает место карнавалу: здесь впервые все смешается благодаря волшебству, музыке и театру", - представил журналистам свой замысел Андреа Де Роза.

Для участия в опере подготовили шесть составов исполнителей, среди которых ведущие солисты труппы и Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, стипендиаты Программы Аткинс. В первый состав исполнителей вошли Вадим Кравец (Сэр Джон Фальстаф), Татьяна Сержан (Миссис Алиса Форд), Ефим Завальный (Форд), Илья Селиванов (Фентон), Андрей Зорин (Доктор Кайюс), Дмитрий Григорьев (Пистола), Олег Балашов (Бардольфо), Анна Денисова (Наннетта), Анна Кикнадзе (Миссис Квикли), Екатерина Сергеева (Миссис Мэг Пейдж).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18378
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 5:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052411
Тема| Музыка, Опера, МТ, Персоналии, Владислав Сулимский
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Italiano vero. Как развить итальянскую манеру пения?
Где опубликовано| "Санкт-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2018-05-24
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/za_chto_verdi_lyubil_baritonov/
Аннотация| Интервью


Сцена из оперы «Макбет». (c) Мариинский театр/Фотограф Наташа РАЗИНА/2016 г.

Баритона Владислава Сулимского называют вердиевским певцом. За свои многочисленные достижения на оперной сцене он стал лауреатом российской оперной премии Casta diva.

Вскоре Владиславу предстоит дебютировать в партии Фальстафа в одноименной опере Верди на фестивале «Звезды белых ночей». Певец рассказал музыковеду «СПб ведомостей» о том, что выучить язык итальянской оперы можно только в Италии.

- Баритоны, наверное, благодарны композитору Верди?

- Не знаю, что скажут сопрано, меццо, теноры и басы, но для баритона Верди написал гениальную музыку. Уж не знаю, за что он так любил баритонов. Я никогда не устану петь Верди. Надеюсь, что до старости он меня не оставит.

- Вашей первой серьезной партией в Мариинском театре стал Евгений Онегин в одноименной опере Чайковского. Но сегодня вы ассоциируетесь почти исключительно с итальянским репертуаром, считаетесь лучшим вердиевским баритоном. Помню, как в один прекрасный момент вы вдруг зазвучали как истинно итальянский баритон. С вашим голосом произошла очевидная метаморфоза.

- И я помню момент, когда запел по-другому, но, правда, осознал это не сразу. Я выступил на исторической сцене Мариинского театра на концерте из арий Верди, где исполнил сцену смерти Родриго из «Дон Карлоса» с Валерием Абисаловичем за пультом. Незадолго до этого я вернулся из Флоренции, где был на мастер-классе Паоло ди Наполи, с которым занимался три года. По возвращении я пришел на урок к концертмейстеру Елене Константиновне Матусовской, и после первых спетых мной звуков она сказала, что я стал «по-другому петь». И тут в моей голове что-то переключилось: я вдруг понял, чего от меня добивался Паоло...

- Вы приехали в Петербург из Белоруссии. Там чему-то успели научиться?

- В Молодечно со мной занимался педагог Георгий Илларионович Юревич, педагог от Бога, поставивший на ноги не одного певца, которые сегодня разъезжают по всему свету. Он открыл мне дорогу в пение и подготовил к Петербургу. В Минске в консерватории, куда я поступил на первый курс, я не получил никаких дивидендов от учебы, быстро почувствовал, что пора уезжать. А в петербургской Консерватории Николай Николаевич Алексеев вложил в меня и душу, и нервы. В Академию молодых певцов Мариинского театра я поступил в 2000 году без какого-либо сценического опыта. Там, готовя даже маленькие роли, я рос, учась у старших коллег, прежде всего у Георгия Заставного. А в петербургской Консерватории я учился лишь до четвертого курса, с которого меня попросили, потому что я не успевал выучивать по 20 романсов за ночь в академии и еще в Консерватории сдавать все эти философии. Это было выше моих сил. Так что диплома Консерватории у меня нет.

- То есть вся исполнительская школа пришлась на Мариинский театр?

- Да, всю силу театрального искусства, театральное закулисье я впитывал там. Потом был период жизни в Италии, куда я уехал, решив все поменять и начать учиться сначала. Около полутора лет я жил в Милане, Риме, занимался с разными педагогами. Когда вернулся, Валерий Абисалович сразу взял меня в штат. Мне повезло. Я уж думал, что он забыл обо мне больше чем за два года моего отсутствия.

- Ваша итальянская «модуляция» произошла как-то незаметно. Видимо, времени зря не теряли.

- Меня там всего «переломали», заставив начать с азов, со школы. Итальянская школа немного другая. Это стиль. Мне пришлось выучить язык, я не знал толком ни английского, ни итальянского. Мы общались с педагогом на «языке попугаев». Я понял, что это тупик, купил два словаря - итальянско-английский, англо-русский и с одного на другой переводил, писал на стикерах, развешивал на стенах, смотрел футбол и слушал, что они говорят, неизвестные слова переписывал. Где-то через неделю я уже говорил с педагогом на простейшем итальянском.

- Какие были педагоги в Италии?

- С моим первым педагогом и первым агентом меня познакомил Бужор Методие. Агентом был Вальтер Белох - знаменитейший итальянский агент, работавший с Тебальди, Паваротти. Педагогом - его близкий друг Раймундо Меттре, который много пел, но не титульные партии. Нередко бывает, что люди, сидевшие на маленьких партиях, могут дать в педагогическом плане больше, чем певцы первого ряда. Около месяца мы с ним занимались. Я уехал, ничего не поняв, в голове была каша - языки, техника... Лишь где-то с третьего приезда я начал что-то осознавать. Потом мы с Меттре расстались, я начал ездить к Ренате Скотто, заниматься с ее коллегами, которых она приглашала на мастер-классы.

- А с самой Ренатой Скотто занимались?

- Занимались, но не техникой вокала, а интерпретацией. Она так могла поставить сценическое движение, что и петь уже не надо было. Пластика тела, соединенная с текстом, имеет очень большую выразительную силу. Я это активно использовал в «Симоне Бокканегре», используя много ее советов. Образ состоит из мелочей.

В Мариинском театре работают потрясающие пианисты: что ни пианист, то кладезь знаний. Елена Константиновна Матусовская, которая меня приняла и из ничего слепила тем, кто я есть. Мы с ней долго сражались за каждый звук. Алла Давидовна Бростерман - незаменимый коуч для итальянской музыки, она может подсказать больше, чем многие итальянские педагоги, поскольку работала с великим певцами. Ирина Юрьевна Соболева, Наталья Васильевна Мордашева - к каждому пианисту можно смело идти, доверяя свою судьбу, голос.

- И, как только вы приобрели итальянскую манеру пения, партии Верди посыпались одна за другой?

- Да, у меня уже 13 опер Верди. В 2020 году добавятся «Разбойники» в Мюнхене. Тоже будет вызов серьезнейший.

- Какие гастрольные маршруты ждут вас в обозримом будущем?

- Сейчас появился новый агент, с которым мы обсудили много интересного. На Зальцбургском фестивале этим летом я исполню партию Томского в «Пиковой даме» под управлением Мариса Янсонса. В Венской штаатсопер меня ждет Яго в «Отелло». В Глайндборне на фестивале - «Луиза Миллер» Верди, а осенью - «Трубадур» в Берлинской штаатсопер. Надеюсь, что успею выучить и Фальстафа к премьере в Мариинском. А 28 мая в рамках фестиваля «Звезды белых ночей» должен петь партию Риголетто.

Материал был опубликован в газете под № 091 (6200) от 24.05.2018 под заголовком «За что Верди любил баритонов?».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Пт Май 25, 2018 5:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052501
Тема| Музыка, Фестивали, Фестиваль СК России
Автор| Сергей Бирюков, музыковед, член Союза композиторов с 1981 года
Заголовок| Получи, композитор, гранату
Где опубликовано| "Труд"
Дата публикации| 2018-05-25
Ссылка| http://www.trud.ru/article/25-05-2018/1362771_poluchi_kompozitor_granatu.html
Аннотация| Об уроках Фестиваля СК России – добрых и всяких


Алексей Рыбников (слева) и Александр Сладковский получают поздравления после концерта. Фото автора

20 мая концертом Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан в зале имени Чайковского завершился Всероссийский фестиваль Союза композиторов России. Эта первая за много лет крупная публичная акция знаменитой в прошлом творческой организации вызвала смешанные чувства. Конечно, прежде всего радость, но не только.

Само по себе проведение фестиваля можно назвать актом реанимации Союза. Слово «реанимация» употребляю без всякого преувеличения. Последние несколько лет СК ничем не напоминал ту мощную организацию, которая некогда объединяла более тысячи профессионалов, регулярно устраивала крупные смотры новой музыки, располагала сетью домов творчества, собственным издательством... С развалом СССР закончилась эпоха, когда Союз возглавляли крупнейшие композиторы страны — Шостакович (который и основал его в 1960 году), Свиридов, Щедрин. До какого-то момента те традиции пытался, сколько можно, поддерживать председатель правления СК Владислав Казенин. Но уже ему пришлось столкнуться с маргиналами, для кого СК представлял интерес не как оплот музыкального творчества, а как ресурс для распила. Кто-то считал, что и на самом Казенине лежит ответственность за проникновение в руководство СК случайных людей. На одном из этапов борьбы за отчуждение у СК недвижимости, связанной с издательством «Композитор», Владиславу Игоревичу подбросили в машину боевую гранату...

В 2014 году Владислава Казенина не стало. И по сути не стало единого Союза композиторов как организации, занимающейся своим профильным делом — поддержкой профессиональных сочинителей музыки в столицах и многочисленных регионах страны. Накопился 9-миллионный долг. В мае 2017 внеочередной съезд принял решение об ассоциации с недавно созданной организацией — Российским музыкальным союзом, который, в свою очередь, поддерживается Российским союзом правообладателей. Новый патрон взял на себя долги, юридическое обслуживание СК. И вот — первая заметная всем ласточка перемен: Всероссийский фестиваль.

Праздник действительно вышел не только столичным: нынешней весной в своих городах показали сочинения композиторы Самары, Воронежа, Саратова, Смоленска, Белгорода, Калининградской области, Татарстана... В Москве открылась фотовыставка об истории СК, один из патриархов Союза Алексей Рыбников провел публичный диспут с лидером его молодежного крыла Ярославом Судзиловским, известный композитор и критик Петр Поспелов дал старт дискуссионному клубу «Петя и волки»...

Собственно концертная акция, доступная автору этих строк как москвичу, была только одна — финальный вечер в зале Чайковского. Но, думалось, уж к ее-то организации устроители подойдут с особым тщанием, чтобы столичная публика могла составить себе впечатление об уровне работы новой команды.

Взгляд на афишу обнадежил прежде всего заявленными исполнительскими силами: Симфонический оркестр Республики Татарстан на восьмом году работы в нем Александра Сладковского в качестве худрука и главного дирижера вырос в один из лучших коллективов не только России, но, по убеждению многих, Европы. Не вызвали никаких сомнений и главные композиторские имена — помимо живого классика Родиона Щедрина, это международно известные Эдуард Артемьев, Александр Чайковский, Алексей Рыбников, авторитетный татарский композитор Рашид Калимуллин, привлекающий все больше внимания к своему творчеству 37-летний Кузьма Бодров...
Например, у Александра Чайковского были сыграны виртуозные, полные парадоксального юмора «Шесть вариаций на застольную тему» со звездным солистом-кларнетистом Игорем Федоровым. У Кузьмы Бодрова — многокрасочный, глубокий, эмоциональный Альтовый концерт, который стал поводом для выхода на сцену легендарного Юрия Башмета. У Алексея Рыбникова — интересный опыт музыкальной реконструкции образа исчезнувшего народа: пьеса «Музыка Ликии».

Но уже выбор сочинения Эдуарда Артемьева удивил — почему у активно работающего автора взяли прикладную композицию «Сюрприз на балу» из фильма 20-летней давности «Сибирский цирюльник»? У прекрасного профессионала Александра Клевицкого, известного не только по давнему лидерству в популярной группе «Добры молодцы», но и по нынешнему руководству оркестром имени Силантьева, по многим другим успешным проектам, — выбрали еще более древний и тоже явно прикладной «Гимн музыке» для хора (хор Московской консерватории плюс Тульский камерный хор) с оркестром, тогда как сегодня композитор, по его собственному признанию, пишет в совершенно другой манере. У Рашида Калимуллина исполнили оркестровые фрагменты из оперы «Крик кукушки», появившейся на свет ажв 1989 году.
Наконец, кто такой Антон Тананов, чья Первая симфония, как он сам объявил со сцены, писалась больше 10 лет? Во-первых, по-моему, крайне самонадеянно сюиту из иллюстративных кусков, годных скорее для сопровождения видового фильма или циркового представления, называть симфонией. Во-вторых — не ослышался ли я, когда этого человека представили как заведующего кафедрой композиции Санкт-Петербургской консерватории?

Ну и еще об одной, с моей точки зрения, ошибке устроителей: зачем у Родиона Щедрина, о чьей феноменальной творческой активности свидетельствовал хотя бы недавний фестиваль к его 85-летию, было брать «Озорные частушки»? Уж не говорю об их супер-заигранности, но по смелости музыкального языка они, пожалуй, превосходили всю остальную программу. Неужели организаторы хотели зародить у публики мысль, что российская музыка последние 60 лет топчется на месте?

Конечно, не топчется, если мы вспомним, что в одной только Москве продолжают работать композиторы самых разных поколений и направлений — Ефрем Подгайц, Виктор Екимовский, Сергей Жуков, Владимир Тарнопольский, Антон Батагов, Алексей Сюмак, Александр Маноцков, Дмитрий Курляндский... Мощную обойму имен могут выставить и Санкт-Петербург (вспомним хотя бы Леонида Десятникова или Илью Демуцкого, чьи партитуры заказывает Большой театр), Урал, Татарстан... А какую яркую музыку пишет сейчас, допустим, София Губайдулина, живущая в Германии, но душой остающаяся нашей, что доказала недавняя ее мировая премьера в Новосибирске!

Но впечатление, будто составители нынешней программы забыли обо всем этом разнообразии. Нужно было соорудить что-то поскорее, попроще, и акцент сделали на том, что лет тридцать назад называлось "третьим направлением"— музыка, интонационно близкая к популярной, но пользующаяся симфоническими средствами. Спору нет, тут есть свои замечательные мастера — тот же Рыбников, но это же лишь одна грань бесконечно многообразного стилевого мира современной музыки. Думали так привлечь больше публики?

Вышло по-иному. Не допускаю мысли, что от чьих-то недобрых намерений. Просто, похоже, очень спешили. Но где гарантия, что и в следующий раз так же повезет с исполнителями — с элитным оркестром, со звездными солистами? И разве не обидно тому же Сладковскому, на чьи концерты в Париже ломится публика, наблюдать зияющие пустотами амфитеатры родного КЗЧ?

Надеюсь, следующий фестиваль СК России будет именно фестивалем, т.е.смотром широкого спектра. А для этого председателю правления Рашиду Калимуллину, председателю Совета СК Алексею Рыбникову, почетному председателю Александру Чайковскому и всем-всем надо готовить праздник уже сегодня — даже если он состоится только будущей весной.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Пт Май 25, 2018 5:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052502
Тема| Музыка, Оратория, МАМТ, «Триумф Времени и Бесчувствия», Премьера, Персоналии
Автор| Екатерина Кретова
Заголовок| Режиссер Богомолов потренировался на убитых детях
Где опубликовано| "Московский комсомолец"
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/05/24/rezhisser-bogomolov-potrenirovalsya-na-ubitykh-detyakh.html
Аннотация| В МАМТе прошла премьера оратории Генделя

Константин Богомолов дебютировал в опере, избрав для своего старта раннюю ораторию Георга Фридриха Генделя «Триумф Времени и Бесчувствия», которую он поставил на Малой сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. Старт по всем параметрам вышел низким. А финиш оказался вполне соответствующим авторскому названию — триумф бесчувствия состоялся в полной мере.

Оперная режиссура давно стала надежной путевкой в мировую известность. Так что неудивительно, что Константин Богомолов встал на этот путь. Выбор оратории Генделя — грамотный: прежде всего он свидетельствует об осторожности режиссера (за Генделя никто особенно не вступится — чай не Чайковский). Кроме того, музыку Генделя любит использовать в качестве саундтрека Ларс фон Триер — достаточно вспомнить «Антихриста». А Триер — серьезный объект ревнивого подражания для современного художника, претендующего на лидерство в формировании передовых эстетических принципов актуального искусства: массовый исход зрителя с последнего триеровского фильма, где детально показана деятельность маньяка Джека. Конечно, спектакль на Малой сцене МАМТа не Канны. Но тоже неплохо. Как Эллочка Людоедка вступила в незримое соперничество с миллионершей Вандербильдихой, Богомолов в рифму Триеру создает свой проект об убийствах детей с участием нашего национального Потрошителя — Чикатило.

Для решения этой непростой (если вспомнить, что речь идет о философско-теологической оратории Генделя) задачи был приглашен писатель Владимир Сорокин, написавший «кавертекст» поверх рассудительного и вполне абстрактного либретто кардинала Бенедетто Памфили. Причем в двух уровнях: собственно рерайт русского перевода со смелой корректировкой слов и фраз (вроде «морда» и «челюсти Времени», «сперма, изливаемая миллионами», «гниющая плоть» и пр.), который транслируется в виде бегущей строки над зеркалом сцены, и присочиненные Сорокиным и Богомоловым сюжеты, кои можно прочесть на боковых экранах. Именно в этих сюжетах смачно рассказывается про разные варианты убиения детей, вкус их свежего мозга и другие занятные подробности. Словесные «изыски» типа: «Шел 1984 год. По улице шел Чикатило» — вполне симметричны режиссерским приемам, почерпнутым из передовых технологий КВНа. С одним нюансом: КВН на этот раз вышел уж очень черный. Мальчики, одетые девочками, жеманятся и хлопочут лицами (шоу Регины Дубовицкой нервно курит в сторонке), приглашенные драматические артисты долго трясутся в конвульсиях, а также завывают, старательно изображая психически больных, милая живая собачка жрет кусок мяса, который мать убитой маньяком девочки отрывает от ее растерзанного трупа, лежащего на каталке в морге. При этом мать, если верить строчке перевода, поет следующую фразу: «Стоит только заветриться прелестному плоду Красоты, как он теряет свою привлекательность», — с чем, конечно, трудно не согласиться. А на экране долго висит проекция весьма оригинальной иконы (вниманию православных активистов!) — Мадонна с лицом симпатичного азиата с бородкой держит на руках младенца с отрубленной головой. Понятно, что делается все это из самых добрых намерений: с педофилией Богомолов уже разобрался, теперь вот взялся за детоубийство. В смысле за борьбу с ним. Кто, если не он?

Не обошлось без цитат. Пионеры на экране исполнили фрагмент песни «Крылатые качели». С одной стороны, ее автору Евгению Крылатову, пожалуй, лестно оказаться внедренным в партитуру Генделя, с другой — хочется быть уверенным, что он получил за это авторские. Во всяком случае, упоминание Крылатова в программке отсутствует (вниманию авторского агентства!).

Исчерпав тему детоубийств, спектакль прервался на антракт, предъявив в качестве финала первого акта искрометную пародию на квартет АББА (на музыку Генделя, натурально), которая могла бы принести минимум второе место студентам провинциального вуза на конкурсе самодеятельных капустников.

Во втором акте зрителю предложили не менее забавные истории — теперь уже гомосексуального характера. Они были поданы более изысканно и продемонстрировали, что авторы все-таки способны подняться над штампами масскультуры. Милые мальчики в элегантных костюмах гладили друг другу коленки, кидали нежные взоры на ланиты и чресла, что, впрочем, не спасло и их от впадения в трясучку и конвульсии. Все кончилось плохо. Красоту с хрустом сожрали «челюсти Времени». Бесчувствие восторжествовало, к общей радости создателей спектакля и продвинутых зрителей.
Все эти удивительные события, а также необходимость все время что-то читать отвлекали от музыки Генделя и ее исполнения. К счастью, предсказуемость и однообразность сценического действия позволяла иногда отключаться от него и фокусироваться на слуховых впечатлениях. Тем более что в них было гораздо больше Красоты, нежели Бесчувствия. Ансамбль Questa Musica под управлением Филиппа Чижевского с высочайшим мастерством и вдохновением передал те качества барочной музыки, которые сегодня мы считаем аутентичными: здесь были и прекрасная лирика мелодий, и драйв остинатных ритмических фигур в аккомпанементе, и чистота интонации у скрипок, играющих нон вибрато, и яркие динамические контрасты, и интереснейшие импровизационные соло исторических щипковых инструментов, и безупречный тембровый баланс. Четыре солиста — три контратенора: немец Филипп Матман, два американца корейского происхождения Винс И и Дэвид ЛиКью Ли (Гендель, естественно, писал эти партии для кастратов) и испанский тенор Хуан Санчо, увы, слишком интегрировались в сценическое действие, старательно изображая то дебиловатых девочек, то голубоватых мальчиков. Конечно, было бы заманчиво услышать их вне безудержного режиссерского гарнира. Во втором акте, который поначалу был менее навязчиво обременен капустными приколами, наконец-то обнаружились певческие качества исполнителей. Особенно хорош был Винс И — красивейший голос, длинное дыхание, завораживающая кантилена. Филипп Матман часто грешил недостатками, увы, почти неизбежными при пении фальцетом и микстом: безопорность, неустойчивость интонации, фальшивые ноты и рваное дыхание в юбиляциях. Но все это, конечно, не столь значимо в горящих глазах истинных ценителей его харизматичной женственности. У Ли проскочило несколько киксов при смене регистров — опять-таки нередкое событие при фальцетном пении. Все-таки контратеноры не кастраты, как ни крути. А вот тенор Хуан Санчо, певший своим природным голосом, был замечателен.
Когда-то на обсуждении постановки мейерхольдовской «Пиковой дамы» молодой Шостакович запальчиво заявил, что музыка Чайковского ему не особенно нравится, а потому ему ее не жалко. По большому счету партитуры Генделя тоже не так уж жалко — хотя есть и в ней немало прекрасной музыки, красивой и по-барочному «попсовой». Однако остановится ли дебютант на этом опыте? Или, потренировавшись на убийствах детей под золотые секвенции, он перейдет к более знаковым оперным шедеврам? А вдруг и Сорокину придется по вкусу создание каверов на оперные либретто? И не замахнется ли он, к примеру, на «Евгения» нашего «Онегина»?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Вт Май 29, 2018 3:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052901
Тема| Музыка, Опера, Мариинский театр, Премьера, «Фальстаф», Персоналии,
Автор| Варвара Свинцова
Заголовок| «Фальстаф» белых ночей
Где опубликовано| «Известия»
Дата публикации| 2018-05- 28
Ссылка| https://iz.ru/748474/varvara-svintcova/falstaf-belykh-nochei
Аннотация Открытие ежегодного летнего фестиваля Мариинский театр совместил с премьерой оперы Джузеппе Верди

В Санкт-Петербурге состоялся премьерный показ «Фальстафа» Джузеппе Верди. Спектакль прошел под управлением Валерия Гергиева и собрал многочисленных любителей творчества маэстро, итальянской оперы и форума под поэтичным названием «Звезды белых ночей». В музыкальном отношении постановка удалась. Что касается режиссуры, то она часто противоречила вердиевской драматургии.
«Фальстаф» занимает в наследии Верди особое место. Последняя, 26-я по счету его опера, написанная на сюжет из пьес Шекспира, — это шаг итальянского гения в новую музыкальную эпоху, в XX век. Напрашивается аналогия с поздними работами Тициана, когда титан Возрождения обрел недостижимую для современников свободу письма. Сейчас искусствоведы называют эту манеру «магическим импрессионизмом». Так и поздний Верди — музыкальная ткань со сложным узором, с массой оттенков, полутонов, свободных мазков и мозаичных вкраплений. Этой магии и полноты ощущений на премьере явно не доставало.

В центре оперы весьма неоднозначный персонаж. Сэр Джон Фальстаф — сластолюбец, обжора, пьяница, пройдоха, авантюрист. По мнению одних — это отвратительное животное, другие уважают в нем человека, свободного в своих желаниях и выборе пути к ним. А еще он — легковерный, не чувствующий опасности, наступающий «два раза на одни и те же грабли» — заслуживает жалости и сочувствия. В главной роли на сцену вышел Вадим Кравец, у которого, казалось бы, есть все данные — голос звучит, физические кондиции образу не противоречат. Но роль ему не далась.
В премьерном спектакле были заняты Татьяна Сержан — Алиса, Анна Кикнадзе — Квинкли, Анна Денисова — Наннетта, Екатерина Сергеева — Мэг, Ефим Завальный — Форд, Илья Селиванов — Фентон. Качественный вокал, никаких затруднений в сценическом поведении — и ощущение, что их герои — не живые люди, полные страстей, а манекены, вырезанные из картона. Отсутствие в спектакле рельефных, нешаблонных актерских работ — это упрек, который справедливо адресовать режиссеру.
Итальянец Андреа де Роза два года назад ставил в Мариинском театре «Симона Бокканегру» — тот спектакль получился элегантным и лаконичным. Режиссер не стремится накинуть на действие сеть «новых смыслов» и «сверхсмыслов», он скорее традиционалист, который старается проникнуть в авторскую логику. Но в «Фальстафе» эта логика нелинейная, действие складывается из россыпи эпизодов, на которые стоит смотреть с ироническим прищуром. Опорой режиссеру не могут служить ни эпический размах событий, ни резко проявленные драматические коллизии — и он оснащает мизансцены бытовыми подробностями, второстепенными деталями, частностями, не всегда соотносящимися с музыкальной драматургией.

Некоторые придумки откровенно выпадают из «тела» спектакля. Это, например, безымянные спутницы Фальстафа, полуголые длинноногие девушки, как будто только что с подиума, — с ними толстяк уединяется в нише за занавеской, напоминающей изобретенный японцами «капсульный отель». Сценография и костюмы тоже не могут служить постановщику достойной опорой. Спектакль до обидного лишен стиля. В первую очередь это относится к работе художника по костюмам Алессандро Лаи: эклектично, без отсылок к какому-либо времени, удобно для тех, кто в опере привык различать героев по цвету костюма.

Художник-постановщик Симоне Маннино не стремится привязать действие к конкретной эпохе, его приоритет — использовать технические возможности новой сцены. Задействован поворотный круг, декорации дают возможность выстраивать действие на разных уровнях, но эмоционально они остаются в нейтральной зоне. Исключение — финальная сцена в Виндзорском парке. Здесь впервые появляется импрессионистская магия. Стилизованные листья легендарного дуба плотно упакованы в мобильные конструкции из металлического профиля, огромная объемная луна — надувной бумажный фонарь — освещает сказочный металлический лес неярким желтым светом. На всех участниках лесного маскарада — очки, которые прорезают ночной мрак огнями красных диодов.

Умиротворяющий финал, который завершается знаменитой девятиголосной фугой, сделан так, что не приходится сомневаться: постановщики, наши ироничные современники, попали под обаяние прелестной, почти буколической сцены. Но они делают всё возможное, чтобы их не заподозрили в сентиментальности или вере в существование фей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
Страница 2 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика