Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2007-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6 ... 10, 11, 12  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18941
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 11, 2007 8:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071110
Тема| Балет, "Балетная компания Астаны" (Astana ballet company), Персоналии, Сауле Рахметова
Авторы| Кульпаш КОНЫРОВА, Астана
Заголовок| Вот билет на балет
Где опубликовано| газета "Экспресс-К" (Алматы) № 121
Дата публикации| 20070706
Ссылка|
Аннотация|

"Магия любви" - именно так называется балетная постановка, которая станет презентацией новой столичной компании "Балет Астаны". В ней примут участие лучшие танцоры Казахстана, России и Америки. Идейным и творческим организатором этого международного проекта стала первая мисс Казахстана, а также известная не только в республике, но и за океаном балерина Сауле Рахметова (на фото).
Премьера казахстанско-российско-американского проекта "Магия любви" состоялась 5 июля на сцене столичного Конгресс-холла. Можно сказать, что это будет своеобразным подарком астанчанам к Дню города от столичных властей, решивших обогатить культурную жизнь Астаны, создав в ней собственную балетную компанию.
Более подробно об этом проекте и о новой труппе в эксклюзивном интервью "ЭК" рассказала Сауле Рахметова.
- Наша труппа будет называться просто "Балетная компания Астаны" (Astana ballet company). Так принято везде. Например, труппа, в которой я работала в Америке, так и называлась: "Нью-Джерси балет компани". Есть также "Американ балет компани". То есть ничего лишнего, никаких аналогий и образных слов.
- Сауле, а почему вы выбрали для презентации новой компании малоизвестную постановку "Магия любви"?
- Нам не было смысла открываться уже избитыми классическими вещами, такими как "Корсар" или "Дон Кихот", по двум причинам. Во-первых, наша труппа еще небольшая, пока 12 человек, и ставить большие спектакли мы вряд ли сможем. Во-вторых, мне хотелось сделать то, что было бы интересно и зрителям, и самим танцорам, то есть что-то новое, оригинальное. Я выбрала постановку в стиле модерн. Ничего подобного в Казахстане до этого не было. Это будет, как глоток свежего воздуха!
Но в будущем я хочу, чтобы труппа могла танцевать все: и классику, и современные постановки. До конца года мы намерены поставить на столичной сцене балет "Щелкунчик" и еще один казахско-американский проект - новый спектакль "Тлеп и Сары-кыз".
- "Магию любви" называют международным проектом. Это тоже ваше желание удивить?
- Я изначально стараюсь ставить высокую планку, приглашая в труппу хоть и молодых, но уже именитых артистов балета. Причем не только казахстанских, но и российских, и американских, и даже болгарских. Это будет настоящий интернационал.
Из Америки в Астану для участия в спектакле прилетели солистка "Нью-Джерси балет" Мари Сугава и солист "Комплекшн балет" Уильямс Клиффорд. Из России - заслуженные артисты Елена Кузьмина и Юрий Ананян. Из Болгарии - известная в этой стране балерина Виолетта Ангелова. Остальные ребята все из Алматы, в том числе ведущий солист Государственного академического театра оперы и балета имени Абая Досжан Табылды.
- Если основной состав новой компании из Алматы, то для того, чтобы удержать такие талантливые кадры, нужно решить и квартирный вопрос:
- Столичные власти обещали решить эту проблему. На первых порах ребятам дают общежитие, а потом, надеюсь, если хотят сохранить собственный столичный балет, то обеспечат и собственным жильем. Если это будет так, то я уверена, что вслед за первыми ласточками в нашу труппу потянутся и другие талантливые танцоры.
Я надеюсь, что финансовая поддержка со стороны акимата станет первым шагом к созданию балетной школы и традиций в нашей новой столице.
- А как ваша квартира в жилом комплексе "Москва", ключи от которой вам лично вручил президент страны?
- Если честно, то я еще не видела ее, хотя знаю, что многие жильцы уже заселяются и приступают к ремонту. У меня же просто не хватает времени, чтобы заняться своим обустройством, сейчас все силы и время уходят на мой новый проект "Балетная компания Астаны".
- Каким образом вы намерены совмещать свою нынешнюю работу с обязанностями в Америке, в "Нью Джерси балет"?
- Моя основная работа теперь будет связана с Астаной, с новой компанией. Можно сказать, что "Магия любви" станет и своеобразной презентацией моего возвращения на родину.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25221
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 9:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071201
Тема| Балет, БТ, планы
Авторы| Майя Крылова
Заголовок| Разговоры в опере и маньяки в балете
Где опубликовано| Московская правда
Дата публикации| 20070711
Ссылка|
Аннотация|

В былые времена билеты в Большой театр всем были по карману, но достать их оказывалось почти невозможно. Посмотреть спектакль вы могли, только если у вас был знакомый директор гастронома или родственник среди номенклатурных работников. Теперь билеты в кассе ГАБТа есть почти всегда, только стоят они внушительно, и, чтобы потенциальный зритель решил раскошелиться на поход в театр, его надо убедить в такой необходимости.

В последние годы Большой театр проводит активную зрительскую политику. Не в последнюю очередь это заслуга художественного руководителя балета Алексея Ратманского, который привнес новые «правила игры», заимствованные из европейской практики. Среди таких «игр» - публичная презентация будущих премьер, которая проводится бесплатно и для всех желающих. В конце театрального сезона ГАБТ пригласил критиков и зрителей на знакомство со спектаклем «Класс-концерт», премьера которого состоится 14 июня.

Как явствует из названия, «Класс-концерт» - это театрализованный показ ежедневного класса (упражнений, которые танцовщики делают каждый день для поддержания профессиональной формы). Бессюжетный балет во славу балетного мастерства поставлен в 60-е годы прошлого века Асафом Мессерером, знаменитым советским танцовщиком и балетным педагогом. Его племянник, тоже педагог балета, Михаил Мессерер, восстанавливает постановку дяди. Сценографом спектакля приглашен модельер Игорь Чапурин, который нарядил сцену в черно–коричневое с зеркалами, а артистов – в ликующие ярко-синее и зеленое. В спектакле участвуют многие звезды Большого балета: для них «Класс-концерт» – возможность продемонстрировать особо виртуозные трюки.

«Класс-концерт» - последняя премьера Большого театра в этом сезоне. Но уже объявлены следующие постановки - две оперных и три балетных премьеры. В октябре ГАБт дает новую «Пиковую даму». Музыкальным руководителем оперы Чайковского приглашен глава Российского национального оркестра Михаил Плетнев, режиссером – постановщик драмы Валерий Фокин. Не менее знаменитые художники к апрелю создадут оригинальную версию «Кармен». Над историей свободолюбивой цыганки размышляют дирижер Юрий Темирканов и британский оперный режиссер Дэвид Паунтни. (Темирканов не ограничится одной постановкой в ГАБТе: с нового сезона он станет главным приглашенным дирижером Большого театра). Из уважения к сценической истории «Кармен» опера пойдет в оригинальном виде, с разговорными диалогами, как было на парижской премьере в 19-ом веке. Паунтни, который поставил несколько десятков опер в Европе и в Америке, намерен корректно приблизить действие спектакля к современности. По его мнению, Проспер Мериме и композитор Жорж Бизе написали не столько биографию женщины, сколько историю борьбы за свободу.

Балетная афиша обновится в октябре, когда в Москве стартует проект «Короли танца». Сменяя друг друга в одной и той же роли, в Большом театре выступят самые знаменитые танцовщики мира: Итан Стифел и Анхель Коррейя из США, премьер Королевского балета Великобритании Йохан Кобборг, звезды ГАБТа Николай Цискаридзе и Сергей Филин. Для посменного выступления «королей» выбран одноактный спектакль «Урок» - нетипичная для балета смесь черного юмора с триллером. «Урок» поставлен по пьесе европейского абсурдиста Эжена Ионеско и повествует не много ни мало …о маньяке, убивающем своих учениц на уроке танца. За последние годы это один из самых дерзких проектов Большого театра. Спектакль наверняка вызовет споры и, возможно, даже протесты части публики. Но такие проекты обновляют театральную «кровь». Нельзя же всю жизнь смотреть только старинные балетные сказки! Впрочем, для любителей сказок Большой тоже припас подарок. В новом сезоне театр покажет обновленную версию «Сильфиды». Спектакль с таким названием, когда-то поставленный в Дании, давно стал международным «хитом» и много лет идет в ГАБТе, но теперь балет предстанет в подлинном виде, очищенный от многовековых наслоений и редакций, во всем великолепии романтической традиции.

Большой проявляет уважение не только к наследию далеких стран. ГАБТ обратился к собственной истории и нашел забытые временем радости в недрах советской хореографии. Алексей Ратманский намерен восстановить исторический балет «Пламя Парижа», впервые поставленный в 1933 году как попытка привить старому классическому балету новую революционную идеологию. «Пламя» посвящено Великой французской революции и выглядит чрезвычайно масштабно. Именно это качество, не считая, конечно, сохранившихся танцев, привлекает худрука. Он считает, что Большому особенно подходят проекты, в которых занята почти вся труппа. И это правильно: как однажды сказал директор ГАБТаАнатолий Иксанов, «больше работы - меньше интриг». «Пламя Парижа» ценно и тем, что нигде в мире такого балета нет, и исторический эксклюзив наверняка будет иметь успех у зарубежных продюсеров, организующих гастрольные турне.

Возможно, самый главный проект будущего сезона – конкурс на лучший музыкальный спектакль для детей и юношества, объявленный театром совместно с Союзом театральных деятелей. Шаг более чем своевременный, учитывая вопиющую ситуацию с детскими спектаклями на российских подмостках - не только в опере и балете, но и в драме. Подать творческие заявки смогут композиторы, драматурги, режиссеры, сценографы и балетмейстеры. Победителям (их определит экспертный совет) дадут денежный грант и возможность поставить спектакль на сцене Большого театра. А если подумать о перспективе, то поддержка детского театра сегодня – гарантия того, что нынешние мальчики и девочки, если их приучить к искусству, обязательно придут в Большой театр через несколько лет. Вместе со своими детьми.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071102
Тема| Балет, Итоги сезона, БТ, МТ, "Кремлевский балет", теарт балета Б. ЭЙфмана, Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко,
Авторы| Майя Крылова
Заголовок| Эволюция на пуантах
Итоги сезона
Где опубликовано| Русский журнал
Дата публикации| 20070711
Ссылка| http://www.russ.ru//culture/teksty/evolyuciya_na_puantah
Аннотация|

Уходящий театральный сезон обострил главную проблему российского балета - почти полное отсутствие способных хореографов. В этой ситуации каждая труппа выкручивается как может. В так называемых авторских театрах худруки ставят сами и не пускают в свои коллективы посторонних лиц. Так обстоят дела в "Кремлевском балете" Андрея Петрова и в Театре Классического балета Натальи Касаткиной и Владимира Василева. Какого качества получаются опусы у ветеранов советского балета - другой вопрос. Но главное зло не в этом. В российской хореографии нет притока свежей крови и новых идей. Собственный застой царит и у Бориса Эйфмана, много лет развлекающего публику экстатической акробатикой с "философскими" претензиями. Его новый спектакль "Чайка" позволяет определить автора с первого мгновения.
В ведущих коллективах, судя по названиям премьер, наиболее перспективным репертуарным направлением признан принцип "с миру по нитке". Московский музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко восстановил советскую "Золушку" 1964 года и пригласил на постановку европейского мастера Джона Ноймайера, который перенес в Москву собственную "Чайку". "Золушка" показалась устаревшей, а танцующие герои Чехова - резонерствующими, хотя недюжинный комбинационный талант Ноймайера и его умение вытаскивать из исполнителей артистизм держат балет на плаву.
Приглашение на постановку престижного европейца - знак времени. В последние годы иностранцы негласно признаны спасителями балетного отечества. Даже московская Академия хореографии была вынуждена обратиться к итальянскому хореографу, когда искала постановщика выпускного спектакля.



Мариинский театр в этой ситуации не уповает только на знаменитых гостей, а пытается искать молодые российские дарования. Однако ни один из балетов прошлогодней программы "Новые имена", показанной питерцами в Москве на гастролях, не может считаться серьезным достижением - даже выдвинутая на "Золотую маску" одноактная "Шинель" по Гоголю, которую спасал не столько талант постановщика, сколько качественное исполнение главной роли солистом Мариинки Андреем Ивановым, призером "Маски" за лучшую мужскую роль в балете. Не вывез афишу питерского сезона и Михаил Шемякин, друг худрука Мариинки Валерия Гергиева. С недавних пор художник подался в балетные режиссеры. Недавняя Шемякинская "тройчатка" одноактных балетов была "расстреляна" критиками двух столиц.



В Большом театре поиски дарований тоже ведутся (ежегодные Мастерские молодых хореографов), но пока без успеха. Остается ворошить закрома родины. В ГАБТе только что прошла премьера "Корсара", старинного балета, впервые поставленного в середине XIX века. Это очередная попытка российских балетных театров привить спектаклям классического наследия ростки аутентизма, очистить от налипшей грязи веков то, что сохранилось от танцевальных шедевров российского классика хореографии - Мариуса Петипа. Авторы премьеры - Алексей Ратманский и Юрий Бурлака - максимально приблизили спектакль если не к оригиналу (это практически невозможно), то к сохранившимся записям балета, сделанным в конце XIX века. Новый старый "Корсар", с его приключенческим сюжетом, богатыми костюмами, восточной экзотикой и подробной мимической игрой, - не только кассовый шлягер со спецэффектами. Рисунок и логика хореографии Петипа, тактичные танцевальные дополнения Ратманского, подробности частично возрожденной старинной пантомимы, множество больших и маленьких танцевальных партий вкупе с развернутыми хореографическими ансамблями дают труппе возможность усовершенствовать уровень владения профессией. Кроме того, это полезный для искусствоведения опыт, позволяющий понять, как выглядит в глазах наших современников балет-феерия XIX века. Историки балетного театра добавят новую "реконструкцию по мотивам" к прочим проектам такого рода, уже осуществленным в Мариинском театре.
Вечер американской хореографии в ГАБТе (Баланчин, Уилдон, Тарп) благодаря именам хореографов получился как минимум добротным, несмотря на то, что проблемы стиля трудно даются исполнителям, воспитанным главным образом на классике в советских редакциях. Эти трудности - тоже серьезная проблема. Привычка к определенной манере танца, не предполагающей тщательной отделки мелких деталей или проработки незнакомого типа координации, часто подводит российских танцовщиков. Поэтому упомянутый выше итальянский проект Академии хореографии - умный и правильный ход, а для консервативной в принципе Академии - прямо революционный. Гость школы поставил балет, в котором к классическим па активно примешиваются приемы "модерн-данса". Впервые в истории этого учебного заведения, культивирующего классические традиции, выпускной концерт не был покрыт одной лишь пылью веков, пусть и бесконечно благородной. Танцовщики на деле вникли в новую пластическую систему, которая, надо думать, раскрепостит не только их тела, но и (что гораздо важнее) мозги. Ведь, несмотря на возможности видео и поездки за границу, на то, что в мире полно отличных спектаклей, интересных хореографов и замечательных исполнителей, многие артисты, педагоги и директора трупп в России обуреваемы фанаберией "лучшего в мире балета" - нашего. А если ты лучше всех, зачем что-то менять?
Еще одна головная боль российского театра - однообразие балетного репертуара. Более всего в стране любят "Жизель", "Дон Кихот" и "Лебединое озеро". Плюс "Щелкунчик", особенно под Новый год. Подсчитано, что до 75% проката балетов в России - четыре названия классики. Так диктует касса: если показывать популярные балетные шлягеры, с продажей билетов проблем будет меньше. В ту же сторону гнет и проблема технологии: чтобы готовить новые названия, театру нужно чувствовать себя спокойно в ежедневном прокате, а классический спектакль, идущий десятилетиями, легко собрать без долгих репетиций. В итоге "Лебединое озеро" в Петербурге дает примерно 50% совокупного проката. Спектакль с таким названием идет в Мариинском театре, Малом оперном театре, труппе "Хореографические миниатюры" и в труппе Константина Тачкина. Летом, в разгар туристского сезона, это уже не балет, а приспособление для заработка. На втором месте по частоте показов стоит "Жизель". Такая афиша (разумеется, с дополнениями и вариациями) характерна для российских балетных театров в последние пятьдесят лет.
В постоянстве есть и прикладное удобство: если артист внезапно заболел, можно занять танцовщика у соседа. Репертуар-то одинаковый. Кроме того, театры, располагающие большими деньгами, используют балетную глобализацию и приглашают звезд из-за границы. Звездам, от многократного употребления танцующим Одетту-Одиллию и принцев уже с закрытыми глазами, остается выучить особенности местной редакции балета. Так, кстати, сделала гостья из Мариинки Диана Вишнева, станцевавшая в спектаклях Большого театра "Жизель" и "Лебединое озеро". "Лебединое" важно и тем, что этот балет - знак качества труппы, ее товарности: "мы можем и это". Если в репертуаре такого балета нет, то вроде и труппа не первоклассная. Поэтому балеты наследия стараются иметь в афише во что бы то ни стало. Даже если в компании некому танцевать многочисленных персонажей "Спящей красавицы", не наберется кордебалета на горстку лебедей в "Лебедином озере" и нет испанской толпы в "Дон Кихоте". Сокращенные и скверно исполненные версии балетов наследия - бич провинциальных театров и мелких гастрольных коллективов.


Но не все так просто. С одной стороны - да, российский балет погряз в программном консерватизме. Ultuma Ratio консерваторов - "у нас свои традиции, и нам не надо никаких западных новомодных штучек". Даже в Москве многие артисты мечтают о том, чтобы никто никогда не заставлял их танцевать хоть что-нибудь, выходящее за рамки классики. Публика, воспитанная на той же классике, тем более желает почивать на лаврах чувства узнавания, чтобы не было душевного дискомфорта, возникающего при изучении новых форм.
С другой стороны, театры терзает жажда новых постановок. Это тоже перманентное для российского балета чувство. Даже Большой не может позволить себе роскошь все время играть одно и то же. Здесь пробовали играть балеты несколько раз подряд, т.е. внедрить принцип проката, приближенный к западной системе "старджионе" (спектакль играется месяц подряд каждый день, а потом к нему не возвращаются года два). И не прошло. Уже на третьем показе в зрительном зале ГАБТа зияют дыры. Кроме того, худрук балета Большого театра Алексей Ратманский мечтает обновить возрастной состав публики (нынче в ней преобладают люди пожилого возраста). Считается, что молодежь скорее придет на современный спектакль, чем на "Лебединое озеро". Хотя, если взять статистику посещений в целом, именно "Озеро" и "Спартак" - самые известные в массах балеты ГАБТа - пользуются наибольшим спросом публики.
Особенно важны премьеры для небольших трупп. Не все же им гонять усеченные версии старых балетов в надежде, что наследие в который раз позволит заработать на хлеб. Во-первых, зритель, хоть и любит классику, все же перекормлен однообразием репертуара. Во-вторых, танцевать новое легче. Ведь приглашенный хореограф создаст текст, который придется "по ногам" танцовщикам данной компании, каковы бы ни были эти ноги. Им не придется мучительно изображать чистоту классических па, созданных для других, более совершенных и лучше выученных нижних конечностей... Опять-таки и касса не дремлет, ожидая публику, которую, как искренне полагают многие директора трупп, легче заманить, если спектакль не будет "грузить". Так что московские новинки (развесело-пошлый "Ходжа Насреддин" в Русском камерном балете "Москва" или псевдостаринная, слегка попсовая "Эсмеральда" в "Кремлевском балете") совсем не "грузят". Они драматургически наивны, лексически вторичны и напоминают детский сад для взрослых.
...Жизнь музыкальных театров Москвы активно освещается СМИ. Казалось бы, все отлично: налицо масштабная бесплатная реклама. Но в результате долгое сражение ГАБТа с Анастасией Волочковой или проблемы реконструкции того же театра, прежде всего денежная составляющая процесса, интересуют людей гораздо больше, чем спектакли. Речь идет о большой власти и о больших деньгах. И не факт, что те же люди, что читают о Германе Грефе и миллиардах, выделенных им на ремонт Большого, проявят интерес к собственно театральной продукции.
Впрочем, не стоит отчаиваться. И реклама может принести пользу. Висят же в метро слоганы "сходи в музей". Пусть появятся растяжки "побывай в балете". И пусть на них будет написано, что в процессе эволюции выживают не самые генетически совершенные виды, а те, у которых генотип способен быстро и резко меняться при необходимости.

В качестве иллюстраций к статье использованы фотографии сцен из балетов (сверху вниз):
1. "Метафизика. Кроткая. Весна священная. Три одноактных балета". Фото Наташи Разиной. Источник: Государственный академический Мариинский театр.
2. "Корсар". Фото Андрея Меланьина. Источник: Большой театр.
3. "В комнате наверху". Фото Дамира Юсупова. Источник: Большой театр.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18941
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 11:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071103
Тема| Балет, БТ, «Корсар», Персоналии,
Авторы| Борис Тарасов Фото: Андрей Меланьин/Большой театр
Заголовок| Оживленный «Корсар»
Где опубликовано| Общенациональная газета Россiя № 025(1026)
Дата публикации| 20070705
Ссылка| http://www.rgz.ru/index.php?option=com_content&task=view&id=7283&Itemid=75
Аннотация|

Долгожданная премьера балета «Корсар» Адольфа Адана в Большом театре полностью оправдала все чаяния и ожидания, с ней связанные. Не появлявшийся в репертуаре с 1995 года балет засверкал новыми красками и раскрыл некоторые свои секреты. Постановщики «Корсара» Алексей Ратманский и Юрий Бурлака бережно восстановили старинный шедевр, а в тех фрагментах, где хореография была утрачена, Ратманский дополнил ее собственными сочинениями - изысканными фантазиями на тему Мариуса Петипа.

Алексей Ратманский был крайне деликатен по отношению к первоисточнику. Дотошно восстановленные и очищенные от позднейших наслоений танцы Петипа поражают простотой, изяществом и логикой построения. «Оживленный сад» на музыку Лео Делиба, например, воспринимавшийся в советских редакциях абстрактной выхолощенной классикой, в новой постановке обрел первоначальную гармонию, свойственную зрелому таланту балетмейстера Петипа. То, что мы увидели на сцене в 2007 году, - это более простая, чем мы привыкли видеть, хореография, основанная всего на шести-семи движениях, но гораздо более сложная композиция. Множество мелких деталей-слагаемых и нюансов, ранее пропускаемых балетмейстерами-реставраторами или считавшихся утерянными, восстановлены в правах и заняли свое тщательно продуманное гением Петипа место.

Использовав все сохранившиеся номера Петипа, постановщики тактично дополнили недостающие фрагменты. Сочиненные Алексеем Ратманским танцы изысканны, остроумны, точны по стилю и не выпадают из общего рисунка «гран-балета». Лучший пример тому - Gran pas des eventailles на музыку Риккардо Дриго, перенесенное из второго в третий акт, внешне легкое и изящное, но весьма изощренное технически.
Интересно, что Алексей Ратманский и Юрий Бурлака сохранили и знаменитое Pas d'action, впервые появившееся в «Корсаре» в 1915 году в постановке Самуила Андрианова. Со временем это Pas d'action превратилось в па-де-де и прочно утвердилось на концертных подмостках. Решение постановщиков более чем оправданно - это единственный серьезный танец Конрада, и без него образ был бы неполным. Представить в наше время главного героя балета без эффектного адажио с балериной и сильной трюковой вариации просто невозможно.
Пиршеством для глаз нашей утомленной минимализмом публики стали декорации Бориса Каминского, вдохновленные академическими образцами конца XIX века. А в основу ярких и красочных костюмов положены эскизы Евгения Пономарева для последней редакции Мариуса Петипа 1899 года в Мариинском театре, которые были изготовлены под руководством талантливого художника Большого театра Елены Зайцевой.
Премьеру танцевала Светлана Захарова, она сделала сказочный подарок зрителям, представ в образе гречанки Медоры. Партия, отсутствовавшая в ее репертуаре со времен работы в Мариинке, раскрыла Захарову с новой стороны и добавила в ее актерскую палитру нежные краски балетного романтизма. Она искренне любила своего Конрада, трогательно заботилась о подругах, очаровательно кокетничала и шаловливо защищалась от домогательств. Ее кристальная техника и игривые пуанты как нельзя лучше передавали романтический аромат «Корсара». Особенный восторг публики вызвала вариация «Маленький корсар», которой Медора Захаровой развлекала своего возлюбленного Конрада. В мужском костюме балерина выглядела соблазнительно и стильно, а ее возглас «На абордаж!» в конце вариации буквально утонул в восторженных овациях зрительного зала.
Конрад Дениса Матвиенко разочаровал - вместо благородного и гордого корсара по сцене метался суетливый и самовлюбленный гасконец, напрочь лишенный обаяния. Виртуозные трюки в вариации и идеально выполненные пируэты не покрывали неестественности пантомимы и нарочитости актерской игры. Облик нового Конрада также не вызывал симпатии - гримерный и пастижерский цеха явно перестарались. Это относится, кстати, ко всем пиратам - обилие усов и бород выглядит комично на юных лицах танцовщиков.
Усилия гримеров были удачны в случае с персонажами пантомимными - Геннадий Янин в роли Исаака Ланкедема совершенно неузнаваем. Образ хозяина базара в его исполнении ярок и точен, правда, порой артист чуть-чуть пережимал в характерности. А вот Ринату Арифулину в партии Бирбанто характерности, напротив, не хватало. Танцевавший эту партию во втором составе Андрей Меркурьев, на мой взгляд, гораздо ближе подошел к сущности коварного предателя Бирбанто.
Бесподобна была Ирина Зиброва в роли Зюльмы - ее роскошная султанша чувственна, красива и сексапильна, лишь по воле либреттиста она не волнует кровь престарелого сластолюбца Сеид-паши в исполнении Алексея Лопаревича. Об исполнителях пантомимных партий следует сказать особо - традиции актерской игры в Большом театре сильны и не исчезли с годами. Постановщики «Корсара», стремившиеся вернуть в балет действенную пантомиму, преуспели в этом во многом благодаря великолепным мимическим актерам Большого - уже упоминавшемуся Алексею Лопаревичу, Андрею Ситникову (Смотритель гарема) и, конечно, уморительному Александру Петухову (Главный евнух).
Несочетаемой парой явились в Pas des esclaves Нина Капцова и Иван Васильев. Из-за неуверенности партнера в поддержках в адажио Капцова осторожно, но нервно дремала, лихорадочно оживившись лишь на вариации. В сольной вариации Васильев поразил грандиозными прыжками и кошачьи-мягкими плие. В па-де-труа одалисок бриллиантом среди поделочных камней блистала обаятельная и техничная Анна Леонова. Gran pas des eventailles порадовал слаженностью танца корифеек. Огорчила только неуверенность идеального кавалера Артема Шпилевского в сольной вариации и коде.
Екатерина Шипулина в партии Гюльнары, соперницы-подруги Медоры, слишком увлеклась характерностью, у нее всего было в избытке - волосы чересчур темные, актерская игра чересчур утрирована, техника акцентированно тяжеловесна. Особенно это ощущалось в «Оживленном саду», где аффектированность Шипулиной казалась шаржем, вступая в конфликт с ликующим обаянием красоты и грациозным изяществом танца Светланы Захаровой.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25221
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 3:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071104
Тема| Балет, БТ, «Класс-концерт», Персоналии, Асаф, Михаил Мессерер, М.Александрова, М.Аллаш, С.Захарова, Н.Цискаридзе, С.Филин
Авторы| Катя Нечаусова
Заголовок| Снова в класс
Легендарный балет Асафа Мессерера «Класс-концерт» вернулся в Большой
Где опубликовано| Огонек № 28 (5004)
Дата публикации| 20070709
Ссылка| http://www.ogoniok.com/5004/28/
Аннотация|



Впервые «Класс-концерт» поставили в 1963 году на сцене Большого театра. Но в России жизнь его была недолгой — за три года он шел 19 раз. Идея показать на сцене балетный класс была заимствована Асафом Мессерером из «Этюдов» Ландера, которые в свое время привезла в Москву Парижская опера. Спектакль представлял собой полный урок с соблюдением порядка движений, как у станка: гран-плие, батманы, пуантовая техника, различные виды прыжков — все, чем заполнены будни танцоров, только в несколько романтизированной форме. Музыка к спектаклю — сборная (композиции Лядова, Ляпунова, Рубинштейна, Глазунова, Шостаковича). Компоновка и аранжировка была создана Александром Цейтлиным, в то время музыкальным руководителем Московского хореографического училища и дирижером Большого. И вот теперь племянник Асафа, танцовщик Михаил Мессерер, решил вернуть балет на сцену Большого. Мессерер обещает сохранить все элементы прошлого балета, вплоть до поливки пола. Сегодня в большинстве танцзалов — линолеум, а раньше полы были деревянные, и их постоянно поливали водой из леек — на сухом полу заниматься скользко. В спектакле будут заняты известные мастера балета — Александрова, Аллаш, Захарова, Цискаридзе, Филин, а также около 20 учеников МГАХ. Премьера «Класс-концерта» состоится 14 июля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 4:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071205
Тема| Современный танец, Персоналии, П. Бауш
Авторы| Евгения ФРАНЦЕВА
Заголовок| ПИНА БАУШ:
"Вообще я против конкретики"
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 20070712
Ссылка| http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=720&rubric_id=200&crubric_id=1002077&pub_id=856157
Аннотация| АКТУАЛЬНОЕ ИНТЕРВЬЮ

Великая Пина БАУШ, гранд-дама танцевального модерна, вновь приехала в Москву. На Чеховском фестивале ее Театр танца, который называют "самым ценным экспортным товаром Германии", показал спектакль "Мазурка Фого". Предваряла гастроли пресс-конференция немецкого хореографа, которая была, как всегда, в черном брючном костюме, мужских ботинках, а лицо без тени косметики украшали лишь необыкновенно молодые светлые глаза. Охотно и подробно она отвечала на все вопросы и окончательно опровергла бытующие легенды о ее замкнутом характере, мрачном нраве и неразговорчивости. Все это - не более чем россказни энтузиастов, стремящихся разгадать тайну ее таланта. "Мазурка Фого" - спектакль сериальный, продолжающий цикл танцпьес, которые Пина Бауш посвящает тем городам, с которыми ее театр связала гастрольная судьба. Она уже поставила спектакли о многих столицах мира, теперь москвичи увидели посвящение Португалии, впервые "опубликованное" девять лет назад на Лиссабонской всемирной выставке. Оказалось, что Пину Бауш теперь не интересуют ни этническая достоверность, ни протест против существующих несправедливостей, ни внутренние противоречия. Она воспевает частную жизнь, и ее героями движут порывы любви и страсти. И счастье, и переживания, и надежды людей очень похожи, вне зависимости от того, где им выпало жить... Ее хореографическими фантазиями теперь управляют опыт и мудрость, отчего эмоциональная палитра увиденного спектакля кажется еще более зрелой и совершенной.

- Ваш театр в Москве уже в четвертый раз. Не собираетесь ли пополнить свою серию танцевальных портретов городов российской столицей?

- Благодарна вашему городу и рада встречи с московской публикой, которая всегда меня радовала и даже восхищала. Но никогда я не приезжала в тот или иной город с конкретным желанием: "Об этом городе я буду ставить". Подготовка каждого спектакля - длительный и сложный процесс воплощения впечатлений, причем не только моих, но и опыта всех участников труппы.

- Как "пишется" портрет мегаполиса?

- В несколько этапов. Сначала - идеи, связанные со страной, которую увидела. Для меня приезд в незнакомый город - всегда стимул для работы. Так было и с Португалией. Мы впервые приехали туда на гастроли, показывали спектакли, и, естественно, возникли какие-то контакты. Позже связи расширялись - мы, например, познакомились с Гете-институтом.
Потом - возвращение в эту страну. В Португалии мы вновь были не туристами и не путешествовали в автобусах, а жили как артисты: репетировали, показывали спектакли. Люди, с которыми мы познакомились в первый приезд, нас опекали и показывали нам не только красоты своей страны, но и с максимальной степенью открытости рассказывали о проблемах, о том, что их интересует, волнует, раздражает. Они проявляли по отношению к нам массу великолепных эмоций, доброжелательности и доверия. А рождался спектакль, как всегда, уже дома - в Германии.

- Ваши танцевальные страны похожи друг на друга, и многие вас за это упрекают...

- Никогда своими спектаклями не говорю ничего конкретного, и на сцене, конечно, - не Португалия. Просто то, что живет во мне и моих танцовщиках во время поездок, начинает накладываться на новую "кухню", новых людей, новую одежду. Потом дополняется эмоциональными воспоминаниями, все перерабатывается и становится спектаклем. Португалия была особенно богата разнообразными впечатлениями, ведь это удивительная страна, во многом состоящая из колоний, что дает колоритный сгусток островных культур.
Что касается похожести, наши спектакли - не рассказы о каком-то конкретном месте, а танцпьесы о времени, которое проживают люди в этом городе, о нашем счастье и горе, о страхах и переживаниях. Мне всегда бывает жаль, что из множества того, что ты впитал в себя и познал, спектакль вбирает лишь малую толику. Но все, что было пережито, пережито не зря, потому что в какой-то, может быть, измененной форме находит выход в следующем спектакле.

- Ваш театр сопровождает уникальная мировая популярность. Не было ли желания уехать из провинциального промышленного Вупперталя?

- Да, Вупперталь - не самый потрясающий город Германии. И на сей счет периодически возникала мысль - может, уехать в театральный центр, куда-нибудь в Париж или Берлин - туда, где больше жизни. Когда я первый раз заговорила об этом с танцовщиками, то сама испугалась.
Мне показалось, что сейчас все как один скажут: "Поехали скорее, собираем чемоданы". Оказалось, что это не так и каждый по-своему привязан к Вупперталю, мы хотим жить и работать здесь. За 35 лет уже вросли в этот город, стали его частью и благодарны ему за то, что здесь когда-то нам дали возможность жить и работать.

- Как артисты попадают в вашу труппу?

- У нас всегда 30 исполнителей, и я могу брать кого-то только тогда, когда уходит один из бывших участников труппы. После предыдущих гастролей в Москве пришли четверо. Те, кто ушел, остаются членами нашего театра и периодически возвращаются, играя в спектаклях. Они покинули театр по вполне понятной для меня причине - хотят попробовать себя в качестве хореографов, но не в силах совмещать эту деятельность с исполнительской, потому что у нас очень непростой график работы и в самом театре, и на гастролях.
Каждый новый танцовщик приходит на показ своим путем, единого "маршрута" нет - через встречи, знакомства, разговоры. У нас большой репертуар и много ролей, связанных с конкретным исполнителем и его характером. Поэтому чаще мы ищем артистов целенаправленно.

- В труппе есть артисты солидного по танцевальным нормам возраста.

- Это - особенность нашего театра, как и то, что у нас нет важных танцовщиков и неважных, солистов и кордебалета. В труппе есть актер, Доминик Мерси, который работает со мной более трех десятилетий, есть исполнители, которые уже несколько лет с нами, но есть и те, кто пришел буквально вчера. Так что коллектив - непростой организм, в котором представлены все возрастные категории. Работать с людьми разных поколений и практически разных эпох очень интересно. К тому же наш театр интернациональный. В труппе всегда танцевали представители разных стран, разных континентов. Поэтому мы имеем возможность ежедневно обогащаться с другими культурами, иными ментальностями, что чрезвычайно полезно и продуктивно. В танцовщике для меня важно не только, как он танцует, а почему он это делает. Мне хочется это разгадать. Если разгадываю сразу, то начинаю скучать. Я должна удивляться творческим возможностям, новым граням исполнителей. Вот и Доминик танцует не потому, что мне его жалко. Просто его возможности еще не исчерпаны, он интересен для меня как актер и как человек.
С художником театра Петером Пабстом мы работаем вместе 27 лет. С ним связана еще одна особенность, характерная для нашего театра. Мы осваиваем разные стихии: работаем то на настоящей Земле, то танцуем на лепестках цветов, иногда на сцене лежат камни. Для нас это не просто предметы, которые надо освоить, а новое пространство.

- На какие средства существует ваш коллектив? Величина актерских гонораров удерживает театр от текучки?

- Источников несколько. Первый - городской, муниципальный уровень, второй - земля, где мы находимся, и третий - продажа билетов и - шире - наша собственная хозяйственная деятельность. Актеры в театре работают, конечно, не из-за денег. Тем более что театр по уровню оплаты - среднестатистический для Германии. Огромных гонораров у актеров нет, и, конечно же, их держит в театре желание танцевать. Не сама сцена или здание, а та форма творчества, которая принята и на протяжении всех лет удерживается: когда исполнитель втянут в процесс работы, интегрирован в него и является как бы составляющей самого процесса рождения спектакля и уже готового "продукта". Когда исполнитель чувствует, что может выразить самого себя, высказать то, что его интересует, он не ищет дивидендов на стороне.

- Означает это, что актер на сцене по-особому свободен и может, скажем, импровизировать?

- В готовом спектакле, в том, что вы видите на сцене, импровизации нет. При подготовке спектакля - много свободы, но с какого-то момента все становится четко, ясно и уже не меняется. Хотя каждый спектакль - живой, его невозможно играть одинаково. Всякий раз возникают особые контакты между исполнителями, актеров со зрительным залом. И даже тогда, когда спектакль прошел хорошо, очень хорошо и актеры уходят домой с ощущением радости, то все равно им не хочется успокаиваться. А хочется повторить это ощущение счастья, потому что пережитое - уже было и возможность начать все заново манит вновь и вновь.

- Вы не устали жить в напряженном режиме - руководить театром и постоянно выпускать новые спектакли?

- Во-первых, у меня широкое дыхание. Я стайер, типичный бегун на длинные дистанции. Во-вторых, так получилось, что мы, участники труппы, стали единым целым, срослись. Быть может, потому, что много ездили и каждая поездка нас обогащала. В принципе могло бы получиться иначе. Мы могли бы растеряться, но, к счастью, этого не случилось. Я не думаю и даже не могу думать о каком-либо финале. У меня всегда громадье планов, на осуществление которых не хватает времени.

- Ваши спектакли, в основном ранние, называли провокациями.

- Нет, мои спектакли не провокация. Я вообще никогда не использую провокацию как художественное средство. У меня нет никакого концепта, которому следую, тем более провокационного. Есть желание что-то показать, поделиться своими раздумьями, а далее находятся средства, которыми я могу выразить то, что меня волнует, что происходит во мне. Находится музыка, находятся танцы - и получается спектакль - то, что мне хотелось сказать.

- Почему такое странное название - "Мазурка Фого" или "Мазурка Огня"?

- Не могу ответить на этот вопрос. Это абсолютно мои вымыслы, как и любое название. Оно должно будить фантазию, а не объяснять содержание. Действительно, есть танец, который так и называется - мазурка фого, происхождение его мне неизвестно. Когда я видела этот танец, то меня захлестывали вселенские ассоциации, думала о том, что у многих - почти всех - народов есть танец, связанный с прыжками через огонь. Конкретнее объяснить не могу. Я вообще против конкретики.

В "Мазурке" и сюжета нет, а есть образы, многие - открытые, в них можно погружаться, что-то чувствовать. У вас могут появиться одни ассоциации, у сидящего рядом - иные. Есть целый ряд мини-историй, не связанных друг с другом, и вас они - все или одна из них - могут захватить во время спектакля, могут "догнать" после. Я вообще против того, чтобы рассказывать фабулу. У зрителя, пришедшего в театр, должны рождаться собственные чувства и ассоциации.
У меня есть интересный опыт диалогов со зрителями, теми, кто видел один из наших ранних спектаклей. Прошли годы, мы его восстановили, и они попали на него вновь. Самое интересное, что все утверждали, будто спектакль полностью изменился. Но я-то знаю, что мы ничего не меняли - все осталось прежним. А вот сам зритель изменился. Изменились его так называемые визуальные предпочтения. Он стал видеть другое, воспринимать по-другому.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 4:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071206
Тема| Современный танец, Чеховский фестиваль, «Мазурка Фого», Персоналии, П. Бауш
Авторы| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| "Кому - Москва, кому - Париж"
"Мазурка Фого" Пины Бауш
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 20070712
Ссылка| http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=720&rubric_id=204
Аннотация|

Тем зрителям, кто только слышал о Пине Бауш и ее Театре танца, прописанном в немецком городке Вуппертале, "Мазурка Фого", приехавшая по приглашению Чеховского фестиваля и исполняемая в изматывающем ежевечернем расписании на сцене Театра Моссовета, просто не могла не понравиться. Экзотической негой, томной красотой и, конечно, остроумием.
Те же, кто уже видел "городские портреты" Пины Бауш, или, как она сама называет свою танцевальную серию - "города, пропущенные сквозь сердце", имели все основания остаться несколько разочарованными. "Мойщик окон", который три года назад привозила в Москву труппа, - образ Гонконга, оказался очень похожим на Лиссабон, представленный в "Мазурке". Это все тот же парад аттракционов из реприз со словами, обращенными в зал (перед поездкой артисты учат язык той страны, которую собираются посетить, и их милый акцент - отдельный повод для улыбок), безупречно красивых, страстных танцев и впечатляющих видеоинсталляций. "Мазурка", бесспорно, цитатна по отношению к более ранним работам Бауш (спектакль поставлен в 1998 году для Лиссабонской всемирной выставки). Но можно (и нужно) посмотреть на нее по-иному: легендарная основоположница своего эксклюзивного жанра, Пина Бауш творит в обозначенных для себя же рамках. С талантом и мастерством создает в своих произведениях и совершенно уникальную энергетику, и поразительную атмосферу. Спектакли Пины Бауш - всегда высокий уровень.
И почему, собственно, города не должны быть похожи друг на друга (а в "коллекции" коллектива их без малого десяток: Рим и Вена, Мадрид и Лос-Анджелес, Будапешт и Рио-де-Жанейро, Гонконг и Лиссабон), если сама Пина декларирует: "Мои спектакли не о городе, а о нас самих в этом городе"? Так что никаких этнографических подробностей и деталей. Участников труппы, если встретить вне сцены, трудно отнести к разряду танцовщиков. Более разношерстной труппы и представить себе невозможно: дюймовочки и дылды, крепыши и худосочные. Да и внешность танцовщиков, особенно женщин, далека от совершенства, совершенными их делают танец и игра, на равных сосуществующие в пространстве спектаклей Бауш. Спектакли же Пина Бауш называет танцпьесами. Над определением ее феномена бьются теоретики, облекая их в замысловатые выводы: "форма художественной рефлексии", "стык культурных парадигм: модернистской и постмодернистской", "абсорбированность методов постмодернизма с его иронией, деконструкцией и нарушением всяческих границ". Самое точное - про иронию. Любой эпизод подвергается остроумному взгляду со стороны.
Почему же именно мазурка вынесена в название спектакля? Уж никак не потому, что есть тут польские мотивы. Скорее оттого, что в сочетании со словом "фого" звучит красиво. А объяснить всегда можно: польские эмигранты привезли этот танец в Португалию, и он, как все ввозимое, быстро скрестился с местными традициями. Фого же имеет два значения - "пламя" и "праздник", и оба, что называется, в тему: пламя - культ огня, истома на берегу океана, бразильская жара, солнечная испарина; праздник - сама дарованная жизнь.
Под мелодии фадо, танго, блюзов, вальсов, джаза проходит непрерывный коллаж сцен. Вот женщина прижалась к мужчине, а он, лениво обнимая ее, читает книжку. Дама с пышной гривой непослушных волос вынесла на авансцену живую курицу, которая неторопливо выклевывает семечки из спелого арбуза. Вдруг раскинут вдоль сцены рулон целлофана, плеснут в него несколько ведер воды и устроят визгливые аквагорки. Или выскочат - все 20 человек - на сцену с досками и палками и соорудят хижину, где и устроят дискотеку-вечеринку.
Есть некоторое количество лейтмотивов - они тоже приметы изобретенного Бауш стиля. Например, полет: дама впрыгивает на руки партнера и, как чайка к замеченной в воде рыбе, падает вниз, на подставленные руки танцовщиков. Или: парень, выпрыгивая в горизонтальном полете, тоже оказывается подхваченным десятком крепких рук. Как всегда, обыгрывается маленький рост одного из танцовщиков - он вновь встречается с самой высокой танцовщицей, и друг поднимает его ввысь для долгого поцелуя.
Многое было придумано ранее. Веселая семейка обменивается вставной челюстью, чтобы откусывать яблочко. А в "Мойщике окон" перед рамками металлоискателя послушно сбрасывал одежды юноша, пока не выяснилось, что пройти ему мешает вставной металлический зуб. Там же стареющая дива заставляла рассматривать фотоснимки: "Вот я, а это - моя кузина, а вот и моя бабушка...". Бабушка возникает и в "Мазурке": "Когда моя бабушка выходила на улицу, все мужчины прятались за деревья и говорили: "О-о!". И со зрителями беседует та же артистка, которая стыдила в "Мойщике" зайца-безбилетника. Есть, конечно же, и воспоминания стареющей, бурно пожившей женщины. Похоже, что темы сохраняются и за каждым танцовщиком закреплена своя, определенная, свойственная его манере и кочующая из спектакля в спектакль. Персонажи-характеры едят, смеются, любят, рассуждают о сексе, мизансцены тоже кочуют из спектакля в спектакль: дефилируют женщины в легких платьях на высоченных каблуках-шпильках, вскрикивают в любовном азарте юные и не очень пары. Все это перемешано в узнаваемых формах: танцев, пластических интермедий, незамысловатых скетчей. И эти этюды беззаботной жизни гипнотизируют.
Волшебник Петер Пабст в "Мазурке" отменил эксперимент с землей, снегом, лепестками цветов, травами (вода, правда, в спектакле осталась: моют голову, нежатся в ванне, умываются), сосредоточившись на космических размерах пространства, чего добился видеоэффектами. В глубине сцены - скала (на ней загорают дамы в ярких купальниках, по ней спускаются и убегают), все остальное - задник и кулисы - белоснежный экран, на который проецируются красочные пейзажи. Народные праздники, бескрайние зеленые поля, бегущие буйволы, страусы, фламинго, и кульминация - магический метроном волн. Актеры плывут в беспредельном океане, кружатся на тропическом острове, каким представляется скала, окруженная водами. Как вдруг умиротворение и счастье окрашивается лирической печалью. Полулениво цепочка пар медленным танцевальным шагом, покачивая бедрами, пересекает сцену, потом - рассыпается по ней и... растворяется в огромном пространстве и мощи мироздания, когда сцену захлестывает океанический прибой и распускаются экзотические цветы. В этом есть и грусть, и неизбежность прощания. Что-то почти трагическое. И это - привет от ранней Пины Бауш. Которая в пору своего "дерзкого десятилетия", отмеченного спектаклями "Весна священная", "Контактхофф", "Кафе Мюллер", боролась, тосковала, билась в пластических пароксизмах. Теперь отчаяние и нервные срывы сменились полным любованием жизнью, которая течет ласково, но протекает слишком быстро. Есть ли еще хореограф, который так радикально изменил свой взгляд на мир?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 4:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071207
Тема| Балет, МТ, «Ромео и Джульетта», Персоналии, Е. Осмолкина
Авторы| Ирина ГУБСКАЯ
Заголовок| Обычная девушка в трагических обстоятельствах
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 20070712
Ссылка| http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=720&rubric_id=207&crubric_id=1002065&pub_id=855564
Аннотация|


В балете "Ромео и Джульетта" партию Джульетты станцевала Екатерина Осмолкина.

Эта Джульетта не нарушала канонов, не изобретала новых трактовок и подтекстов, не ломала экспрессией рамки сюжета и не бравировала танцем. Она была обычной девушкой в трагических обстоятельствах. Обычной танцовщицей, которая уважительно относится к хореографии, понимает и умеет передать ее стиль. Необычным было отношение к роли. Ничего о себе - все о спектакле. У Осмолкиной Джульетта - именно роль, не покорение себе главной балеринской партии. На сцене не умная исполнительница, а просто артистка - дополнительные эпитеты ограничивают это определение.

Чуть стушевалась Осмолкина, пожалуй, лишь в первой сцене, с кормилицей. Дальше спектакль шел по нарастающей. Джульетта-девочка на балу с Парисом - просто танец, просто улыбка. Встреча с Ромео - расцвет, когда лицо светится, а в танце звучит ликующая музыка (партнером был главный мариинский Ромео - Андриан Фадеев, но без шероховатостей в дуэте не обошлось - похоже, сказался вечный мариинский репетиционный цейтнот). Осмолкина умеет не переигрывать. Когда Джульетта умоляет, чтобы родители отменили свадьбу с нелюбимым, это не бунт, кулак не стучит по столу. Просто поступать она будет так, как считает правильным. И смерть для нее - не потусторонний ужас и не декадентский соблазн. Только она понимает, что обманывать ею нельзя. Когда Джульетта решает выпить снотворное, сцена получается такой чистой и трагической, что после нее выход сверстницы выглядит пошло. Потому и на кладбище эта Джульетта держит кинжал спокойно, как должное - расплата за нарушение табу.

Для балерины, которая уже восьмой сезон в труппе, список ведущих партий у Осмолкиной небольшой. Начинала она по нынешним временам скромно. Главные партии мелькали, но без громкого успеха. Случались сбои технического порядка, терялась рядом с более яркими неофитками. Ей не хватало броской подачи "молодежной" роли Китри, она зачислена в Гамзатти, где требуются все балеринские качества, однако в нынешней иерархии этой партии отведено положение "второй". Но получилось так, что артистка в труппе всегда на втором плане, "между тем росла, росла, поднялась - и расцвела". Назвать ее звездой и сейчас сложно. Зато ей впору титул мастера. Мастерство постепенно наработано до того состояния, когда движение не просто осилено, но осмысленно. И еще она владеет тем, что тиражируется в баланчинских постановках из Петипа: изящество в балете - вещь самоигральная, пластика эмоциональна сама по себе. Ее характеру подходит Аврора. Или Зоя в "Клопе" Якобсона. У Осмолкиной редкое качество актерского таланта, когда положительные героини не то чтобы ярче, но не менее интересны, чем трагические или отрицательные. Ее Ширин сейчас лучшая, и, кажется, не только в Мариинском балете. В "Легенде о любви" у Осмолкиной потрясающий дуэт с Ульяной Лопаткиной: здесь не возникает вопросов, почему Ферхад полюбил именно Ширин, а должность царицы занимает Мехмене Бану.

Екатерина Осмолкина - нетипичная сегодня балерина. У нее нет абсолютно четкого амплуа. Техника не железобетонная - внятный танец, легкий, полетный прыжок и красивая пластика. Нет выхода за рамки классического рисунка. Нет яркой эмоциональности и аффектированных трюков. В общем, почти ничего из того, что сразу бросается в глаза. Она не бриллиант. Но владеет бриллиантовой огранкой: в ее партиях и ролях проявляется их основной смысл, главное качество. Может, потому у Осмолкиной нет толпы фанатов. Но есть ценители.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 5:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071208
Тема| Балет
Авторы| Людмила ЦЫГАНОВА
Заголовок| Искусство требует жертв, но не таких
По мнению специалистов, повреждения при некоторых наиболее травматичных видах деятельности можно предотвратить
-Где опубликовано| Вечерний Новосибирск
Дата публикации| 20070712
Ссылка| http://vn.ru/12.07.2007/home/87055/
Аннотация|

Оказывается, 95 процентов молодых танцоров, работающих первый сезон после окончания балетной школы, отмечают, что первую травму они получили еще во время обучения. Танцоры-юноши чаще всего — повреждения колена и спины. Девушки обычно жалуются на перегрузку и боли в районе стопы и голеностопа. Конечно, многое зависит от сценической нагрузки, методики репетиционного процесса, техники исполнения движения, ну и, конечно, от анатомических особенностей человека.

Эту проблему специалист ОГУЗ медицинского информационно-аналитического центра Анна Сазонова обсудила с солистом Новосибирского государственного академического театра оперы и балета Олегом Бондарчуком. Вот что он сказал:
— К типичным для танцора повреждениям относятся: травмы стопы, голеностопа, колена, тазобедренных суставов, спины (чаще страдают пояснично-крестцовый отдел позвоночника, шея, верхний плечевой пояс). Кстати, похожие травмы бывают и у спортсменов.
— А у вас были травмы?
— Я в балете семнадцать лет, но серьёзную травму получил два года назад, когда был поставлен диагноз «усталостный (стресс) перелом нижней трети диафиза левой большеберцовой кости». Мне была предложена операция с последующим уходом из балета. После того как испробовал все возможные консервативные методы лечения (кроме операции, что меня не устраивало), начал изучать проблему травмы. И с помощью медицины преодолел болезнь без операции — используя нетрадиционные методы, гомеопатию, диету, компенсирующие методики, йогу, акупрессуру, психотренинг. В настоящий момент практически полностью восстановился и продолжаю танцевать.

— Как же предупредить травматизм у людей вашей профессии?
— Можно выделить несколько способов профилактики. Это, прежде всего, грамотный отбор детей на вступительных экзаменах. А затем — продуманное построение преподавания классического танца, рациональная физическая нагрузка. Если травма получена, необходимо проанализировать возможные ее причины, чтобы избежать подобных случаев в будущем. Имеют значение и специальные физические упражнения (компенсирующие техники, растяжки, устранение дисбалансов в опорно-двигательном аппарате). Другие меры профилактики — это грамотная постановка дыхания, устранение очагов хронической инфекции, применение специальных методов, в том числе — функциональных пластырных повязок. Полезна также своевременная психологическая и физическая разгрузка.
А вот что советует начинающим танцорам заведующая отделением ЛФК, врач высшей категории областного врачебно-физкультурного диспансера Светлана Старовойтова:
— При каждом виде спорта задействованы одни группы мышц в гораздо большей степени, чем другие. Это со временем приводит к более или менее выраженным телесным деформациям. Если, конечно, не противопоставлять им специально подобранные упражнения. Дисбаланс в распределении усилий приводит к неравномерному развитию и самого тела, и способности самоконтроля. У некоторых спортсменов сильно развита верхняя часть корпуса, ноги же сравнительно слабые. А у артистов балета верхняя часть тела слабо развита по сравнению с нижней. Поэтому необходимо соответствие выполняемой нагрузки функциональным возможностям опорно-двигательного аппарата, совершенствование техники движения.
Для того чтобы тот же учащийся хореографического училища или спортсмен успешно действовали, необходимо уделять внимание восстановительным процессам. К ним относятся: педагогические — рациональное составление урока, сочетание комбинаций (более сложные чередуются с простыми); медико-биологические — физиобальнеотерапия, включая массаж и электростимуляцию мышц, медикаментозные средства, психологические приёмы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18941
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2007 8:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071301
Тема| Балет, БТ
Авторы| Алла Михалёва
Заголовок| "Класс-концерт" для двух столиц//
Мессерер возвращается с помощью... Мессерера

Где опубликовано| "МОСКОВСКИЕ НОВОСТИ"
Дата публикации| 20070713
Ссылка| http://www.mn.ru/issue.php?2007-27-86
Аннотация|

В Большом театре 14 июля - премьера "Класс-концерта", балетного шлягера 60-х. Мини-шедевр знаменитого Асафа Мессерера возвращает к жизни его племянник - Михаил Мессерер. В одноактном спектакле-дивертисменте блистали несколько поколений солистов Большого. В новой версии традиция не будет нарушена: на сцену выйдут практически все звезды труппы. Спектакль в новом оформлении и костюмах от кутюрье Игоря Чапурина пойдет в один вечер с Misericordes Уилдона и "В комнате наверху" Твайлы Тарп.

В балетной классике не так уж много названий, и Большой театр все чаще обращается к золотому фонду советского периода, возрождая ушедшие спектакли. Одна такая "инъекция" имела место 8 июля, когда партию Спартака исполнил приглашенный премьер Королевского балета Ковент-Гарден кубинец Карлос Акоста. Международная звезда, исполнитель Баланчина, Аштона, Мак-Миллана, Килиана, Форсайта, Дуато, он легко вошел в спектакль Григоровича-Хачатуряна, один из самых "мужественных" в балетном мире. Акоста - артист фантастической техники и яркого темперамента. Его Спартак выписан одним мощным мазком, без акцентов и нюансировок. Он - бунтарь, пассионарий, способный повести за собой.

Следующий "Спартак" предстоит Акосте уже на гастролях Большого балета в Лондоне (они пройдут с 30 июля по 18 августа) в театре с подходящим названием - "Колизеум", где будут также показаны "Баядерка", "Дон Кихот", "Светлый ручей", "Корсар" и программа одноактных балетов в том самом варианте, в каком ее увидят москвичи 14 и 15 июля.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18941
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2007 9:40 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071302
Тема| Балет, БТ “Класс-концерт”, Персоналии, Михаил Мессерер
Авторы| Анна Галайда
Заголовок| Пиршество класса//
Михаил Мессерер возвращает Москве московский балет
Где опубликовано| "Ведомости"
Дата публикации| 20070713
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/newspaper/article.shtml?2007/07/13/129156
Аннотация|

Приглашенный педагог Королевского балета Великобритании, Мариинского театра, Opera National de Paris, American Ballet Theatre, труппы Мориса Бежара, театра La Scala, Токио-балета и многих других прославленных компаний Михаил Мессерер работает сейчас в Большом театре. Младший представитель династии Мессереров-Плисецких готовит восстановление знаменитого “Класс-концерта” своего дяди Асафа Мессерера. Премьера состоится 14 июля.


— Где вам приходилось ставить этот спектакль до Большого?

— Не думаю, что я смог бы вспомнить все детали балета, если бы не занимался им все эти годы. Впервые я восстановил “Класс-концерт” буквально через два-три года после того, как остался на Западе. Это было году в 1984, в Лондоне, для школы Королевского балета на сцене театра Covent Garden. В первом составе у меня выступала Дарси Бассел, которая впоследствии стала выдающейся английской примой, а среди самых маленьких детей, которые выполняют простейшие движения у станка, был Кристофер Уилдон — теперь главное светило в английской хореографии. Потом я восстановил спектакль в Стокгольме. Еще через пару лет сделал “Класс-концерт” для Милана, где он потом шел в разных версиях.

— А вы сами танцевали в “Класс-концерте”?

— Я танцевал в этом спектакле с самой первой постановки, когда Асаф Михайлович Мессерер поставил его для школы Большого в 1960 г. Я еще учился, когда “Класс-концерт” переставили на труппу Большого театра. Зарубежные импресарио непременно требовали, чтобы его привозили на гастроли, так что из-за гастрольного графика нам часто приходилось подменять друг друга и исполнители знали все движения друг за друга. Это очень помогло мне в дальнейшем восстановить этот балет.

— Считается, что за последние сорок лет балетная техника достигла невероятного прогресса. Вам приходится что-то кардинально усложнять в спектакле?

— Я бы сказал, что во многом улучшилась чистота танца, линий, движения стали более острыми, резкими — в том смысле, как это слово употребляется в фотографии. Но техника не изменилась так сильно, как она шагнула вперед в спорте. Мне не приходится, скажем, вместо двойных туров в воздухе ставить тройные или четверные. Форма пируэта стала значительно лучше, но их количество отнюдь не увеличилось: Геннадий Ледях, премьер 1950-х гг., в “Пламени Парижа” делал пятнадцать пируэтов — я лично видел. Асаф Мессерер делал восемь двойных туров в воздухе в темпе вправо и сразу восемь влево. Сейчас мало кто может к этому приблизиться.

— “Класс-концерт” был уникальным балетом: в нем одновременно можно был увидеть Плисецкую, Фадеечева, Максимову и Васильева, Лиепу, Бессмертнову и Лавровского, Сорокину и Владимирова, Адырхаеву, Годунова. Как удавалось собрать в одном спектакле огромное количество звезд?

— Конечно, в этом балете много не натанцуешь, поскольку принцип — показать как можно больше солистов, поэтому приходится делить между ними комбинации. Но при этом ни Васильев, ни Фадеечев, ни другие выдающиеся танцовщики не стеснялись показаться в этом спектакле в одном-двух движениях, ибо считалось за честь явить себя частью великой труппы Большого театра. Для зрителя же здесь пиршество — увидеть в одном спектакле сразу столько любимых артистов.

— Когда вы возобновляли спектакль за границей, вы консультировались с Асафом Михайловичем?

— Нет, в то время еще существовал железный занавес… Честно говоря, убегая, я не думал, что на Асафе Михайловиче отыграются. Народный артист Советского Союза, лауреат нескольких государственных премий. Но ему за нас досталось. Когда во время гастролей Большого мы с мамой [Суламифью Мессерер, балериной и педагогом Большого театра. — “Ведомости”] остались в Японии, он тоже был там. Его сразу же забрали в посольство, продержали там больше полутора суток, забыли покормить — а ему было почти восемьдесят — и отправили в Москву, хотя гастроли продолжались. Уже позже, когда это стало возможно, я пригласил Асафа Михайловича в Америку на педагогические семинары и там с трепетом показывал ему видео своих возобновлений “Класс-концерта”, смотрел он и мои уроки. Тогда Асаф подарил мне свою книгу, надписав: “Моему племяннику, талантливейшему педагогу”. Это он, пожалуй, сильно хватил через край — ведь он всю жизнь старался избегать обвинений в семейственности…

— Сейчас различия между западной и российской школами уменьшаются или увеличиваются?

— Школы сближаются. К примеру, много замечательных российских педагогов работает на Западе и передает свои знания западным танцовщикам. В связи с тем, что больше нет железного занавеса, глобализация коснулась и балета, доступно видео, западные артисты видят сильные стороны своих российских коллег, а российские танцовщики перенимают кое-что с Запада. Не всегда самое лучшее, к сожалению.

— Почему за рубежом так любят русских педагогов?

— Русский балет все-таки находится — это мое мнение — на высшей ступени развития, нежели балет на Западе. Со мной многие не согласятся, но я продолжаю так считать, объездив мир и поработав практически во всех крупнейших труппах. Лучше, чем в Мариинском театре, классику сейчас не танцуют нигде, даже в Париже. При этом петербургские балерины могут исполнять любой репертуар. Большой театр пока не может похвастаться такими разносторонними возможностями, но за последнюю пару сезонов он значительно вырос. Мне довелось посмотреть в исполнении труппы American Ballet Theatre спектакль Твайлы Тарп, и буквально через неделю я видел его же в Большом театре. На мой взгляд, артисты Большого театра исполняли этот балет лучше американцев. Американцы танцевали очень хорошо, но как масса. А в постановке Большого театра каждый танцовщик был индивидуален. Совсем другой по стилю балет — “Дочь фараона”, он требует строгой классической школы. И в Москве его танцуют восхитительно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2007 10:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071303
Тема| Балет, БТ, Класс-концерт, Персоналии, М. Мессерер
Авторы| Светлана Наборщикова
Заголовок| Педагог и хореограф Михаил Мессерер: "Я аплодирую молодости моей кузины - Майи Плисецкой"
Где опубликовано| Известия
Дата публикации|
Ссылка| http://www.izvestia.ru/culture/article3106126/
Аннотация| Интервью

Фото: И. Захаркин

14 и 15 июля Большой театр покажет последнюю премьеру сезона — одноактный балет "Класс-концерт". Вообще-то спектакль, в котором ежедневный экзерсис артистов балета превращен в увлекательнейшее зрелище, появился в Большом еще в 1963 году. Поставил его выдающийся танцовщик и великий балетный педагог Асаф Мессерер. Сегодня над возобновлением утраченного балета работает его племянник Михаил. В годы первого "Класс-концерта" он был учеником хореографического училища. Затем стал артистом Большого театра. В начале 1980-х попросил убежища на Западе. Ныне Михаил Мессерер — один из самых востребованных педагогов мира. После урока, где в поте лица трудились все звезды Большого балета, с Михаилом Мессерером встретилась корреспондент "Известий" Светлана Наборщикова.

вопрос: Ведя класс в Большом, на что вы обращаете внимание в первую очередь?

ответ: На то, что было утрачено в 1970-е и 1980-е годы, когда, на мой взгляд, в московской школе произошли не лучшие изменения. Это музыкальность, выразительность, точность позиций.

в: Вы постоянно преподаете в Королевском балете Великобритании. Чем отличается класс в Лондоне от класса в Москве?

о: В Лондоне невозможно не сделать что-то в полную ногу. В Москве это всегда было обычным делом, хотя сейчас кое-что улучшилось. В бытность мою в БТ женщины занимались только в мягких туфлях. О том, чтобы в классе использовать пуанты, и речи не было. Сегодня, я смотрю, без разговоров надевают пуанты и работают. Ну, не на сто процентов, а почти на сто. В Лондоне "почти" не бывает. Так же, как если вы профессиональный адвокат, вы не будете давать клиенту совет в ползнания.

в: Вы закончили урок не в 12.00, как положено, а в десять минут первого. Британский профсоюз может оспорить этот излишек? Ну, скажем, заявить, что артисты переработали.

о: Но они же по своей воле остались! И зал свободный был. Танцовщики всегда растанцовываются к концу урока, и обидно было бы резко прекратить занятия. Поэтому, разрабатывая план урока, я помню, что в конце надо добавить пару минут для виртуозных трюков. Так всегда делал и Асаф Мессерер, и вы увидите это в "Класс-концерте".

в: Своей кузине — Майе Плисецкой — вы давали класс?
о: Не представилось такого случая. Мы встретились в прошлом году в Лондоне, когда в Ковент-Гарден шла репетиция ее юбилейного вечера. Я горячо аплодировал ее молодости. Выглядела она просто потрясающе.

в: Это, очевидно, семейное. Вам, к примеру, не дашь ваших 59 лет. Как поддерживаете форму?

о: С диетами, к сожалению, не получается, но я не пью и не курю. Многих людей старят не годы, а депрессия. Я считаю себя счастливым человеком и во всем — в людях, странах, городах — стараюсь видеть только хорошие стороны.

в: Ваша мама — балерина и педагог Суламифь Мессерер — замечательно выглядела и в 95. Помнится, когда ей вручали очередную премию, она с большим изяществом продемонстрировала несколько па.

о: Практически до последних дней мама была в прекрасной форме, почти ежедневно плавала в бассейне. В 95 лет одна садилась в самолет и отправлялась по миру преподавать. И никогда не боялась "все потерять и вновь начать сначала". Эта строчка из Киплинга в переводе Маршака была ее девизом.

в: Ходят слухи, что в недавно вышедших мемуарах Суламифи Мессерер купированы места, где говорится о сложных отношениях Майи Плисецкой с ней и с собственной матерью.

о: Это неправда. У книги есть подзаголовок: "Фрагменты воспоминаний". Мама сама выбрала то, что сочла наиболее значимым для себя и для читателя.

в: Вернемся к ее девизу — он и к вам имеет непосредственное отношение. Убежав из СССР, вы все потеряли и все начали сначала.

о: Именно так. Можно сказать, что я высадился на далекую планету и мой космический корабль разбился при приземлении. В начале 80-х не могло прийти в голову, что можно будет вернуться.

в: А когда выяснилось, что корабль еще рабочий?

о: В 1993 году. В Афинах на центральной площади я столкнулся с Димой Брянцевым (в 1985—2004 гг. — главный балетмейстер Музыкального театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко. — "Известия"). Он сказал: "Миша, а почему бы тебе не приехать дать классы и у меня?". Я рискнул и не жалею. В театре Станиславского я встретил свою будущую жену, балерину Олю Сабадош. Теперь у нас семилетняя дочка.

в: В каком состоянии вы нашли Большой театр?

о: В Большой я попал два года назад по приглашению Алексея Ратманского. Дело было еще в старом здании. Внешне там мало что изменилось, с тех пор как я убежал: та же мебель, те же ковры. Но люди стали другими. Администрация, во всяком случае, работала четко.

в: Пару лет назад вы сказали, что, хотя и являетесь патриотом Большого театра, считаете Мариинский балет лучшим в мире. Вы по-прежнему того же мнения?

о: Не хочу сравнивать. Это великие балетные театры, и обе труппы сильно выросли за последнее время. В обеих есть люди, которые трудятся — по крайней мере, такое создается впечатление — 23 часа в сутки, а это залог мирового успеха.

в: Как выглядит русский балет на фоне иностранных достижений?

о: На мой взгляд, он до сих пор впереди планеты всей, особенно в том, что касается классического репертуара. Мало кто из зарубежных танцовщиц может исполнить "Лебединое озеро" так, как его танцуют русские балерины. Я это точно знаю, поскольку преподавал в большинстве трупп мира. Чуть ли не единственный театр Запада, где я не работал, — Нью-Йорк Сити Балет. Зато там вел уроки Азарий Плисецкий, мой кузен.

в: Когда семья Мессереров—Плисецких в последний раз собиралась вместе?

о: Меньше года назад, на 90-летие моего дяди Александра Мессерера. По профессии он инженер, но очень любит театр. Все родные слетелись — кто из Австралии, кто из Америки, кто из Швейцарии. Я прилетел из Лондона. Были Азарий, Борис Мессерер, Белла Ахмадуллина... Вечер прошел замечательно. Если мы, сравнительно молодые, могли забыть кого-то из дальних родственников, то Александр Михайлович вспомнил всех. Он всех знает по именам, всем помогает. И всегда помогал. За Майю стоял во всех очередях, когда семья была в эвакуации в Свердловске.

в: Он придет на ваш спектакль?

о: Не придет, прибежит!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2007 11:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071304
Тема| Балет, БТ, Класс-концерт, Персоналии, М. Мессерер
Авторы| Kevin Ng
Заголовок| Lessons of a Ballet Great
Renowned ballet teacher Mikhail Messerer draws on his family history in his revival of "Class Concert" at the Bolshoi.
Где опубликовано| The Moscow Times
Дата публикации| 13.07.2007
Ссылка| http://context.themoscowtimes.com/story/178067/
Аннотация|

This Saturday, in the last premiere of the season, the Bolshoi Theater will revive "Class Concert," a plotless ballet based around dancers' movements as they warm up and practice steps during a daily class. The simple, yet technically challenging, ballet was first staged in 1960 by one of the theater's greatest teachers, Asaf Messerer. A former leading dancer, he passed on his skills to stars such as Galina Ulanova, Vladimir Vasiliev and his own niece Maya Plisetskaya.

Fifteen years after the choreographer's death, and nearly 40 years since the one-act ballet was last performed in Moscow, the Bolshoi commissioned a new staging. And who better to entrust with recreating the work than Messerer's nephew, Mikhail Messerer, a former Bolshoi dancer who defected in 1980 and is now one of the world's most prominent ballet teachers? Now aged 58, Mikhail Messerer -- whose mother, ballerina Sulamith Messerer, was Asaf's sister -- is based in London and works as a guest teacher for the Royal Ballet, as well as for many other ballet companies worldwide.
In a telephone interview from London, he talked of the history of the ballet, which was about to go into its final rehearsals in Moscow. "Asaf Messerer decided to recreate the actual complete sequence of the ballet class, both at the barre and on the floor," he said. "The audience can witness the daily routine of a ballet class, albeit in an expanded, poeticized form. The idea is to show the class as a performance, but to keep as much of the order of the steps as possible."

After joining the Bolshoi in 1921, Asaf Messerer became a leading dancer, known for his phenomenal technical mastery. He continued to perform for 33 years in virtually all the company's repertory, but also started a parallel career as a teacher, and during World War II became the troupe's artistic director. He developed his own methods, which he documented in a textbook titled "Classes in Classical Ballet."

The idea to create a ballet based around a dance class did not come from him, however. In 1948, the Danish choreographer Harald Lander created a one-act ballet called "Etudes" that showed exercises at the barre and on the floor. Mikhail Messerer saw it performed in Moscow by the Paris Opera Ballet, and was commissioned to create a Russian version. Originally titled "Dance Lesson," his ballet was first performed in May 1960 by students at the Moscow Ballet School. In 1962, he created a new version, titled "Class Concert," which was performed by the Bolshoi Ballet while on tour in New York. It finally reached the Moscow stage the following year.

"'Class Concert' had a bright but short life on the Bolshoi stage," Mikhail Messerer said. It was performed 19 times in three years, but then axed for local audiences following a change of leadership at the theater. However, it continued to be performed when the Bolshoi went on tour over the next 15 years. "The foreign promoters inevitably asked for the ballet," the ballet's reviver said. It was usually performed by a troupe led by the choreographer's niece Plisetskaya.

Messerer's nephew remembers taking part in the ballet as a member of the Bolshoi troupe. "I saw the ballet hundreds of times from the side-stage while waiting for my entrance," he said. "We toured America, Japan and Australia [with the ballet] until the late 1970s. My uncle would select the young students beforehand, and teach them the simple steps."

When Mikhail Messerer defected to the West along with his mother in 1980, during a tour of Japan, he took the ballet's choreography with him. "By 1983 or 1984, I revived it at Covent Garden for the Royal Ballet School, as it was still fresh in my memory," he recalled.
Courtesy of Mikhail Messerer Asaf Messerer beside Dmitry Shostakovich at a rehearsal of the ballet.

The British performances by ballet students showcased some future stars. "In the first cast of the Royal Ballet School's version, it was danced by [future prima ballerina] Darcey Bussell," Mikhail Messerer said. "The 'battement tendu,' the simplest of movements, was performed by the young Christopher Wheeldon, who I remember was an able and hard-working boy." Now a leading classical choreographer, Wheeldon staged the premiere of his ballet "Misericordes" at the Bolshoi in February. It will be danced again on Saturday, in the same program as "Class Concert."

Mikhail Messerer has since staged "Class Concert" for the Royal Swedish Ballet and La Scala in Milan. He said that the idea for the new Moscow staging came from the ballet troupe's artistic director, Alexei Ratmansky. "As I see it, Ratmansky considers it very important that the great traditions of the Bolshoi should survive. This idea of reviving 'Class Concert' is a testament to his respect of the Bolshoi traditions."

The Bolshoi dancers responded very well to the ballet at the rehearsals, Mikhail Messerer said. "They have shown a good deal of enthusiasm. I really felt that the troupe saw something close to their heart in this ballet. After all, this ballet's Moscow-style choreography is close to them. I didn't feel any resistance at all. On the contrary, a number of dancers who were busy in other rehearsals during the week would come to see me in their weekly day off, in order to have time to learn the steps."

But technical standards in ballet companies worldwide have improved hugely in the four decades since the premiere. Could it be that the exercises depicted in the ballet would no longer pose much of a challenge to today's Bolshoi dancers? "I would say that by and large what has improved is the cleanness of the dancing, and the lines," Mikhail Messerer said. "Movements have become sharper and more defined, with more contrasts. But still, the technique hasn't really changed as much as, say, in sports."

Giving specific examples, Mikhail Messerer said that, "The shape of the pirouettes has improved, and become more defined, but really the number of those which a dancer today can execute hasn't increased. On the contrary, I remember that a Bolshoi principal of the 1950s, Gennady Ledyakh, could do as many as 15 pirouettes in the ballet 'The Flames of Paris' -- I saw it myself. Asaf Messerer did eight air turns to the right, and immediately the same number to the left. Nowadays, not many a dancer can approach this level!"

The ballet has music by four different composers -- Anatoly Lyadov, Anton Rubinstein, Alexander Glazunov and Dmitry Shostakovich -- arranged by Alexander Tseitlin, who was the musical director of the Bolshoi School and conductor at the Bolshoi Theater. This revival adheres to the original music arrangement.

"By the way, Shostakovich was present at rehearsals when this ballet was remounted for the company in 1962," Mikhail Messerer said. "Asaf used Shostakovich's 'Romance' from the film 'Gadfly' in this production. At the time, 'Romance' was incredibly popular, as it was on the radio about five times a week. Shostakovich's music from 'Festive Overture' was used too, as well as 'Gallop' from his 'Ballet Suites.'"

There is an interesting moment in the ballet when the floor is watered from a watering can, which may look puzzling to some. Messerer explained, "In the 1960s, the floors were wooden, and one of the younger students would water the floor two or three times during a lesson because a dry floor would become slippery. Today, this doesn't happen very often, as most practice rooms have linoleum floors. I would like to preserve this moment. But let me confess to you a secret -- there won't be any water in the watering cans."

The new staging of "Class Concert" will involve 20 students from the Moscow Ballet School, emphasising the ongoing connection between the Bolshoi company and the school. Mikhail Messerer reminisced that, "At that time, the school was opposite the Bolshoi itself, behind the TsUM department store. As students, we knew the dancers, and they knew us. Recent graduates would go back and take lessons with their teachers at the school."

Above all, though, the ballet remains a work to show off the company's stars, including Svetlana Zakharova and Maria Alexandrova. "We'll try to get as many principal dancers in there as possible, as well as the Bolshoi's corps de ballet," Mikhail Messerer said. "There is some possibility that it will be difficult to get all of your favourite dancers together for the one performance. But once the premiere is over, we will have a second and third cast."

So all the more reason to take advantage of such rewarding cast changes and see this ballet more than once.

"Class Concert" plays Sat. and Sun. at 7 p.m. with Christopher Wheeldon's "Misericordes" and Twyla Tharp's "In the Upper Room" on the Bolshoi Theater New Stage, located at 1 Teatralnaya Ploshchad. Metro Teatralnaya. Tel. 250-7317.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2007 3:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071305
Тема| Балет, АБТ, «Сон в летнюю ночь», «Ромео и Джульетта», «Лебединое озеро», Персоналии, Д. Вишнева, А. Корелло, М. Гомес
Авторы| Нина Аловерт
Заголовок| ДИАНА ВИШНЁВА В ПРОШЕДШЕМ СЕЗОНЕ АБТ
Где опубликовано| Русский Базар №28(586)
Дата публикации| 12 - 18 июля, 2007
Ссылка| http://www.russian-bazaar.com/article.aspx?ArticleID=10682
Аннотация|

Закончился весенне-летний сезон Американского балетного театра на сцене Метрополитен-опера. Диана Вишнёва, балерина Мариинского театра, уже не первый год выступает с АБТ в Линкольн центре. По прошествии сезона можно только повторить, что мы, зрители, являемся свидетелями расцвета этой уникальной балерины нашего времени.
На сцене Метрополитен-опера балерина станцевала среди уже исполненных раньше ролей одну новую: Титанию в балете «Сон в летнюю ночь». И среди уже знакомого репертуара Вишнёва обрела в старых ролях новую высоту или раскрыла иные стороны своего причудливого таланта, словом, сюрпризы были почти в каждом спектакле.
Балет Фредерика Аштона по пьесе Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь» находится в репертуаре АБТ с 2002 года. Этот очаровательный, изящный одноактный балет был поставлен хореографом в 1964 году для лондонского Королевского балета на музыку Феликса Мендельсона.
Вишнёва впервые танцевала роль Титании, Королевы страны фей, и оказалась лучшей исполнительницей этой роли среди тех, кого я видела. Балерина счастливо соединила в Титании причуды земного женского характера и внеземную прелесть существа волшебного. Причём волшебная суть превалировала (далеко не все танцовщицы умеют создавать такую иллюзию). Подчиняясь колдовству, Титания влюблялась в осла, в которого Пэк превратил ремесленника Основу. Она обнимала и украшала цветами голову животного, как, по замыслу хореографа, делают все исполнительницы Королевы фей. И всё-таки влюблённость Титании у Вишнёвой оставалась забавой феи, нашедшей себе экзотическую игрушку. Совсем по-иному проявляла себя Вишнёва в любовном дуэте с Обероном. Вряд ли я смогу в словах определить, в чём было очарование её Титании. Пластичное тело балерины покорно изгибалось и трепетало в объятиях Оберона, как будто действительно было волшебным и сотканным из лунного света (а покорность – редкое качество героинь Вишнёвой). Движениями красивых, выразительных рук балерина ещё больше усиливала создаваемую ею иллюзию. Фея искала любви и слияния с себе подобным любовником. Надо отдать должное Анхелу Корелло, танцевавшему Оберона. Он тоже казался волшебным существом, и их дуэт в этом балете был на редкость гармоничным. Публика следила за танцовщиками затаив дыхание.
В балете МакМиллана/Прокофьева «Ромео и Джульетта», где Вишнёва и Корелла танцевали заглавные роли, такого дуэта, к сожалению, не сложилось. Корелла не просто невысок ростом, в нём нет актёрской глубины, он кажется ещё незначительнее рядом с балериной, которая обладает таким темпераментом, как Вишнёва. Зато Диана танцевала с полной отдачей, особенно хороша она была во второй части балета, где страстность её творческой натуры могла проявиться в полную силу.
Но наиболее интересным для меня стало выступление Вишнёвой в «Лебедином озере», этим спектаклем балерина заключила свои гастроли в Нью-Йорке. Вот уже несколько лет Вишнёва ищет свой подход к роли, которую в Мариинском театре изначально считали «не её». Я видела дебют балерины в «Лебедином озере», который состоялся в Берлине, видела Вишнёву в Москве в редакции Юрия Григоровича, на гастролях Мариинского театра в Америке в редакции Константина Сергеева, в Америке - в «вольном изложении» балета Кевиным МакКензи. Балерина искала себя в этом балете, меняя от спектакля к спектаклю то рисунок поз, то настроение целой картины, то вообще смысл своих отношений с Принцем. В последнем спектакле в конце июня Вишнёва, мне кажется, достигла наконец того уровня, к которому стремилась, почувствовала равновесие между устоявшимся зрительским представлением об исполнении Одетты/Одиллии (особенно это представление консервативно в отношении исполнения белого лебедя) и своей индивидуальностью. Балерина наконец нашла идеальную для своих данных красоту формы и ощутила свободу самовыражения. Сама она рассказывает так: «Мне очень повезло в этом сезоне: я готовила Аврору с Ириной Колпаковой (одной из лучших исполнительниц этой роли – Н.А.), а во время репетиций «Лебединого озера» мне помогла Наталья Макарова».
Маленькое отступление: в мае Наталья Макарова репетировала с Вишнёвой (как и с остальными балеринами АБТ) роль Никии, готовя её к выступлению в своей редакции балета «Баядерка». С тех пор на протяжении всего летнего сезона Макарова смотрела спектакли с участием Вишнёвой. Диана попросила Макарову (одну из лучших исполнительниц «Лебединого озера» в истории балета ХХ века) прийти к ней на репетицию. После репетиции Макарова сказала приблизительно следующее: «Ты оттого выдумываешь всякие лишние детали, что и вправду поверила, что эта роль – не твоя. Роль Одетты/ Одиллии – ТВОЯ роль, у тебя есть все данные для того, чтобы танцевать этот балет». «Этими словами, – говорит Диана, – она открыла мне дорогу к спектаклю».
Как я уже написала, Вишнёва нашла свой образ белого лебедя, образ идеальной красоты. В образе её Одетты мы видели прежде всего зачарованную принцессу. И веря и не веря в любовь Принца, Одетта Вишнёвой страстно жила надеждой на освобождение. Оттого так блестяще и станцевала балерина свою вариацию: рассекая воздух руками-крыльями, Одетта рвалась из своего птичьего обличия на свободу.
Я уже приводила в связи с танцем Вишнёвой цитату из А. А. Ахматовой «Красота страшна, Вам скажут...» Но когда балерина вышла во втором акте в роли Одиллии, вспомнить эту строчку было бы уместнее всего. Одиллия Вишнёвой была не просто красива, она была ослепительно красива, и это сияла страшная красота. Неудивительно, что Принц Гомеса почти сразу терял голову, увлечённый, околдованный этой красотой. Одиллия Вишнёвой завладела им раньше, чем он успел усомниться в её тождественности Одетте.
О Марселло Гомесе в роли принца Зигфрида в тот вечер надо рассказать отдельно.
Гомес на сцене всегда «благородный герой», у него прекрасные манеры, неисчерпаемое обаяние и экзотическая, южная красота. Его герои умеют любить, они одарены любовью от природы. У танцовщика к тому же на сцене в любом балете к Вишнёвой – особое отношение. В «Лебедином озере» любовь к Одетте заслонила Зигфриду Гомеса весь мир. Я с удовольствием следила за ним во втором акте, когда Зигфрид появляется на балу. Многие исполнители (во всех странах мира) выходят в зал, радостно улыбаясь, как будто не было у них прикосновения к таинственному ночному миру. Гомес свою любовь не предавал. Он вышел в зал, неся в душе образ Одетты. Он просто не мог улыбаться! Когда по велению матери Принц пошёл вдоль ряда невест, я чуть не засмеялась: он разве что только не отшатывался в ужасе от каждой из них, таких земных, таких непохожих на девушку-птицу. Думаю, что Одиллия так быстро завладела его душой прежде всего потому, что была волшебной (а уж колдовскую суть образов Вишнёва сотворять умеет) и волшебно-похожей и непохожей на ту, ночную, в белом оперенье... Тоскуя по миру лебедей, Принц Гомеса ХОТЕЛ увидеть в иной, но тоже волшебной деве ипостась Одетты. Таинственная «непохожесть» этих образов лишала его душу покоя и отдавала во власть злых чар. Гомес превосходно танцевал в тот вечер. Как будто окрылённый любовью к Одетте/Одиллии, явившейся к нему на бал невест, он просто летал вокруг сцены, бесшумно и мягко приземляясь.
Вишнёва-Одиллия очень тонко чертила в танце линии лебединых поз и рук Одетты, слегка искаженных и порою изломанных. Приведу в пример один из моментов. Принц и Одиллия повторяют конечную прощальную позу Зигфрида и Одетты: Принц стоит на колене, поддерживая танцовщицу в позе «арабеск» (одна нога высоко поднята вверх). В первом акте Одетта Вишнёвой низко склонялась к нему, вытянув лебединую шею, то ли отвечала на поцелуй Принца, то ли нежно клала головку на его плечо. Одиллия Вишнёвой также наклонялась к Принцу, но на поцелуй не отвечала. И шея Одиллии, и вытянутые назад руки-крылья были напряжёнными и жёсткими. Но Принц Гомеса уже ничего не осознавал.
Меня тронул еще один момент. Когда Принц, вновь опустившись на колено перед Одиллией, должен прижаться лицом к её рукам, Гомес медлил. Он всё смотрел и смотрел на Одиллию-Вишнёву, даже глаза зажмурил на мгновение и потряс головой и вновь всё глядел глядел и глаз не мог отвести: не бывает на свете такой сияющей красоты!
Последняя картина в американской редакции кончается тем, что Одетта бросается в озеро и Принц следует за ней. Ротбарт гибнет, лебеди тонут в тумане, а на небе в сияющем солнечном круге обнимаются счастливые Одетта и Принц.
Одетта Вишнёвой Принца не упрекала, но, обреченная теперь вечно оставаться в лебедином обличье (по условиям сказки), потеряв надежду обрести человеческий облик, жить дальше не могла. Принц бросался в воды озера следом за ней. У Гомеса, танцовщика эмоционального и импульсивного, это выходило убедительно и естественно.
В этом году я видела Диану Вишнёву в самом разном репертуаре - от Брунгильды в современном спектакле Бежара до Авроры в классическом балете Петипа. Могу только согласиться с американским критиком Робертом Готлибом, написавшим, что сегодня нет другой балерины в мире, которая могла бы, как Вишнёва, в одинаковой степени превосходно танцевать как классический танец, так и танец-модерн.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11068

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2007 3:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2007071306
Тема| Балет, БТ, Класс-концерт, Персоналии, А. Бурнонвиль, Х. Ландер, А.Мессерер, М. Мессерер
Авторы| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Балет наизнанку
Где опубликовано| Коммерсант-"Weekend"
Дата публикации| 13.07.2007
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc-y.aspx?DocsID=781210
Аннотация|



Запустить балетоманов за кулисы и показать публике изнанку сияющего спектакля, тяжкий труд балетного артиста, его ежедневный рутинный тренаж, первым догадался датский балетмейстер Август Бурнонвиль в 1848 году. В свой балет "Консерватория" -- забавную историю про то, как молодые проказники женили сластолюбивого директора театра на его собственной престарелой экономке,-- основатель датской школы танца включил гигантскую сцену балетного урока. Она имела такой успех, что и в ХХ веке кочевала по мировым театрам. В 1980-е оказалась даже на подмостках Большого, но долго не продержалась: слишком труден оказался датский класс XIX века.
Ровно 100 лет спустя другой датчанин, Харальд Ландер, поставил свой урок под названием "Этюды", показав не только тренаж, но и рождение балетных ансамблей. В этой мини-истории классического танца нашлось место и романтизму, и пришедшему ему на смену академизму, и техническим достижениям ХХ века. В Москве "Этюды" увидели в самом начале оттепели -- идеологически невинный спектакль привезла на гастроли Парижская опера. Простота гениальной идеи сразила москвичей, гордящихся собственной школой классического танца. Решено было "дать ответ Чемберлену" -- и лучший московский педагог, Асаф Мессерер, незамедлительно поставил свой "Класс-концерт", который несколько скромнее датских этюдов, вернее, реалистичнее.

Театрализацией урока автор не был озабочен, зато в его концерте нашлось место почти всем движениям балетного класса -- даже поливке сцены из специальных леек (в отличие от современного линолеума, деревянный пол приходилось смачивать водой, чтобы не скользили туфли). "Класс-концерт" пришелся как нельзя более кстати: как раз в это время театр наводнила поразительно талантливая молодежь -- Владимир Васильев, Екатерина Максимова, Михаил Лавровский, Наталья Бессмертнова, Нина Сорокина, Юрий Владимиров -- словом, те, кто обеспечил Большому "золотой век" на следующие два десятилетия. Эта молодежь жаждала подвигов и была готова к любым испытаниям. И мудрый Асаф Мессерер предоставил ей право высказаться: после традиционных движений у палки и на середине он представил каскад аттракционов с невиданными женскими вращениями и неслыханными мужскими прыжками. Запад был сражен -- ничего подобного там не только не делали, но и не представляли, что это вообще возможно. Героический атлетизм советского балета покорил Америку задолго до всяких "Спартаков".

Однако на родине "Класс-концерту" не повезло: Юрий Григорович не любил чужих балетов и понемногу эффектный тренаж исчез из репертуара Большого. Возродился он на Западе в начале 1980-х: невозвращенец Михаил Мессерер, солист Большого и племянник Асафа, поставил балет своего дяди сначала на сцене Королевского балета Великобритании, потом в Стокгольме, Милане и далее -- везде, где жаждали повторить этот триумф московской педагогической школы. И только сейчас, спустя 45 лет после премьеры, дошла очередь до родного Большого. Штурмовать рекорды предшественников московский балет будет практически в полном составе -- начиная с лауреата Госпремии Светланы Захаровой до второклашек из хореографической Академии. "Рабочую одежду" артистов и интерьер класса разработал модный дизайнер Игорь Чапурин.

Большой театр / 14-15 июля, 19.00



(увеличение по клику)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6 ... 10, 11, 12  След.
Страница 5 из 12

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика