Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

2013-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 29, 2013 11:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013112906
Тема| Балет, фестиваль "Дягилев P.S.", Персоналии, Анжелен ПРЕЛЬЖОКАЖ
Автор| Юлия БРОЙДО
Заголовок| Танцы Прельжокажа
Где опубликовано| Газета "С.-Петербургские ведомости" Выпуск № 230
Дата публикации| 2013-11-28
Ссылка| http://www.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10303913@SV_Articles
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Одним из самых ожидаемых событий IV международного фестиваля «Дягилев. P. S.» стали гастроли труппы знаменитого хореографа Анжелена Прельжокажа. На сцене Александринского театра французская труппа станцевала премьеру балета «Ночи». В позапрошлом году также в рамках дягилевского фестиваля труппа Прельжокажа произвела в нашем городе фурор своим спектаклем «Белоснежка».
Но роман Прельжокажа и Петербурга начался гораздо раньше – почти двадцать лет назад. Первой безусловной победой стал показ легендарной «Ромео и Джульетты» на сцене Малого оперного театра в 1999 году. В Мариинском театре его неоклассический «Парк» любят и зрители и танцовщики.
Анжелен ПРЕЛЬЖОКАЖ ответил на вопросы нашего корреспондента.


– Месье Прельжокаж, ваши балеты очень красивы. Для вас красота важная категория?

– В мире насилия и грубости нужна красота – она может внести что-то важное. Но просто красота в чистом виде была бы невыносима. Поэтому в балете помимо красоты содержатся отголоски нашего современного мира. Из современного искусства, и танца в том числе, невозможно исключить насилие, которое, увы, часть современного мира.

– Это ваш коронный прием – в классический сюжет внести диссонанс современного мира.

– Да, этот принцип действительно имеет место. По-моему, в сказках (в той же «Белоснежке, например) на самом деле очень много насилия и грубости.

– На мое личное отношение к современному танцу коренным образом повлиял балет «Ромео и Джульетта». Именно он являет собой такое сочетание, и «Парк»... Красота «Ночей» тоже неотделима от насилия?

– «Ночи» – это, с одной стороны, поиск глубокой чувственности, балет проникнут эротизмом. Но в то же время в сказках «Тысячи и одной ночи» очень много насилия, потому что Шахрияр каждую ночь убивает новую наложницу, чтобы отомстить за измену своей супруги...

– Ваши балеты-сказки предназначены только для взрослых?

– Как мне кажется, дети видят каждый день по телевизору гораздо больше насилия, чем в моих балетах.

– Как вы отбираете артистов?

– Когда я делаю просмотр, я ищу людей, которые очень хорошо танцуют, не хороших танцоров, а именно тех, кто хорошо танцует: личность танцора очень важна для меня, она важнее техники.

– Все ваши артисты обладают классической подготовкой?

– У них широкая палитра подготовки – от классики до современной хореографии и даже боевых искусств. Вообще любая балетная труппа – это как букет цветов. Есть труппы, которые похожи на букет тюльпанов, разных цветов и оттенков – но только тюльпанов. Есть труппы прекрасные, как букет роз. А в моем букете есть и тюльпаны, и розы, и ирисы... в ней маленькие и большие, худенькие и не очень, японцы, испанцы, французы – все очень разные.

– Вы много говорите о мультикультурализме, для вас это художественный метод?

– К сожалению, в России видели далеко не все мои работы, у меня много спектаклей – больше половины – это чистые абстракции, лабораторные опыты. И все открытия, которые я там делаю, я могу использовать и в работе над сюжетными балетами. Я сам мультикультурный человек – я сын албанских эмигрантов, я вырос в традициях албанской культуры, но в городе, в школе, я сталкивался с французской культурой. Во мне сочетаются эти две культуры: культура Декарта, культура Просвещения, и одновременно более темная, балканская культура с древними обычаями. И, безусловно, ориентализм балета «Ночи» мне очень близок, потому что в албанской культуре очень сильно влияние Востока.

– Ваш проект посвящен Марселю – культурной столице Европы-2014. Как вы считаете, можно ли говорить о мировых культурных столицах?

– Есть какие-то точки гравитации, точки притяжения, они перемещаются. Например, в конце 1970-х – начале 1980-х для хореографической жизни точка притяжения была в Нью-Йорке, потом она переместилась в сторону Европы, может быть, во Францию. Эта миграция связана с социальными и политическими процессами, с финансами: в какой стране вкладывают деньги в культуру, там потом и пожинают плоды, которые взрастили. Таким образом, культурные центры возникают в тех местах, где есть воля политиков и поддержка бизнеса. Сейчас странный период – переходный момент – и мы не понимаем, где эта точка притяжения выскочит.

– А для вас лично Петербург является точкой гравитации?

– Когда я приезжаю в какой-то город, я чувствую, есть ли в нем культурная вибрация или город спит. В Петербурге вибрация есть, мы ее чувствуем. Мне кажется, что русские люди имеют традицию и привычку ходить в театр, смотреть балеты, в них воспитано стремление к искусству. Это не от нынешней политики идет, все началось гораздо раньше. Мы можем во многом упрекать советскую власть, но привычка к культуре – именно оттуда.

Между тем балет «Ночи» оставил неоднозначное впечатление. Лишенный классического музыкального «саундтрека» и выстроенной сюжетной канвы, он, по сути, являл собой серию впечатляющих хореографических этюдов на главную тему искусства – тему любви. По задумке хореографа, литературной основой балета были сказки «Тысячи и одной ночи», восточный колорит которых подчеркнули костюмы Аззедина Алайа – всемирно известного кутюрье родом из Туниса – и песни певицы египетского происхождения Наташи Атлас. Востоком веяло и от томной неги дуэтных танцев (будь то классический дуэт мальчик-девочка или более провокационные мальчик-мальчик и девочка-девочка), и от сексистских деклараций This is a Man,s World (песня Джеймса Брауна «Это мужской мир» прозвучала в чувственном исполнении Наташи Атлас). Но одно качество осталось неизменным – этот балет Анжелена Прельжокажа, как и его предыдущие постановки, вызывающе красив.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 30, 2013 12:38 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113001
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Иржи Килиан
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Состояние невесомости выше напрасных прыжков
Еще один балет Килиана в репертуаре Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко

Где опубликовано| "Российская газета" - Федеральный выпуск №6244 (268)
Дата публикации| 2013-11-28
Ссылка| http://www.rg.ru/2013/11/28/balet.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Идею " Восковых крыльев" Килиан почерпнул из брейгелевского "Пейзажа с падением Икара". Фото: Олег Черноус

"Восковые крылья" - спектакль, настолько растиражированный по всему миру, что кажется, будто он существовал всегда. Или как минимум с того времени, как мы узнали имя Иржи Килиана. Это настоящий сон об идеальном современном балете, внезапно ставший реальностью - в нем воплощены гармония мысли и эмоции, строгости формы и неистощимости хореографической фантазии, единство музыки, танца и оформления. При этом спектакль безукоризненно прост и слово "шедевр" кажется в применении к нему трескуче-вульгарным, хотя только это определение может определить место "Восковых крыльев" в искусстве.

Таково вообще свойство Иржи Килиана, вероятно, самого влиятельного мастера в современном балетном мире. Воздействия его спектаклей не избежал ни один хореограф, кто-то вдохновившись уникальным умением хореографа чувствовать музыку, кто-то взяв мастер-класс математической стройности композиции. И, кажется, никто без исключения не смог удержаться от того, чтобы не воспользоваться лексикой Килиана - здесь фантазия хореографа не имеет аналогов.

"Восковые крылья", созданные в 1997 году, представляют "позднего" Килиана, к тому моменту почти 30 лет бесперебойно обеспечивавшего родной Нидерландский театр танца несколькими премьерами в сезон. По самым приблизительным подсчетам за спиной хореографа было больше сотни опусов. Однако в "Восковых крыльях" они отозвались не утомлением и исчерпанностью, а филигранным мастерством и, кажется, упоением от неисчерпаемости возможностей танца.

В то же время Килиан благороден по отношению к зрителю-неофиту: он подсказывает, что идея "Восковых крыльев" пришла под воздействием брейгелевского "Пейзажа с падением Икара". А дерево, свисающее из-под колосников кроной вниз (сценограф постановки Майкл Саймон), позволяет правильно определить наши координаты в пространстве. Четыре пары танцовщиков парят в нем, как боги или звезды, то рассыпаясь по сцене, то группируясь вокруг дерева, то оставляя кого-то в одиночестве, то объединяясь в пары.

Сюжет этого парения - чувство полета. Причем его чудо в том, что Килиан почти не использует очевидный для этого в балете способ - прыжки. Состояния невесомости можно добиться самыми банальными движениями, причем даже не поднимаясь на пальцы (Килиан почти не пользуется в своем творчестве пуантовой техникой, хотя и работает с классическим балетным словарем, лишь модернизируя его).

Но от исполнителей эта простота требует максимального напряжения сил и концентрации. На освоение нового балета Килиана, уже четвертого в репертуаре Театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, брошены лучшие силы труппы, танцовщики, отполированные исполнением разнообразного современного репертуара и уже три года последовательно осваивающие стиль Килиана (в репертуаре театра идут его "Шесть танцев", "Маленькая смерть" и "Бессонница"). Им удается воссоздать чувство беспрерывного полета.

Но в авторском вечере хореографа, который сформировался благодаря "Восковым крыльям", новинка пока не кажется самой захватывающей частью. Так выглядит обманчивая легкость Килиана.

Справка "РГ"

Чех Иржи Килиан, выученный в Праге педагогами вагановской школы, остался на Западе после Пражской весны, завершил профессиональное образование в Лондоне. Танцевал в Штутгарте, вместе с Ноймайером и Форсайтом был отмечен руководителем труппы Джоном Крэнко и получил шанс начать собственную карьеру хореографа. Тридцать лет возглавлял Нидерландский театр танца.

Килиан награжден нидерландским орденом Оранж-Нассау. Среди его наград - "Benois de la dance", премия Лоуренса Оливье, премия Нижинского, почётная медаль Нидерландов за достижения в искусстве и науке. Наиболее известные постановки Килиана - "Симфониетта", "Симфония псалмов", "Забытая земля" (по мотивам живописи Эдварда Мунка), "Падшие ангелы".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 30, 2013 12:51 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113002
Тема| Балет, Краснодар, Премьера, Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Нелли ТЕН-КОВИНА
Заголовок| Осенняя улыбка Мастера
Где опубликовано| газета «Вольная Кубань»
Дата публикации| 2013-11-27
Ссылка| http://gazetavk.ru/?d=2013-11-27&r=15&s=13333
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

ПРЕМЬЕРА. В Краснодаре состоялась премьера балета Л.Делиба «Коппелия». «Девушку с эмалевыми глазами» оживили артисты Театра балета Юрия Григоровича. Хореограф-постановщик — художественный руководитель театра народный артист СССР, лауреат Ленинской и Государственных премий, Герой Социалистического Труда, Герой труда Кубани академик Юрий Григорович. Это 19-я постановка Юрия Григоровича на краснодарской сцене.

По мнению опытных педагогов-хореографов, балет «Коппелия» — лучший балет, на который стоит в первый раз повести ребенка. Первыми зрителями, пришедшими на премьеру, были дети. Все утро к Музыкальному театру подъезжали нарядные оранжевые автобусы с надписью «Губернатор Кубани — детям». Талантливые дети из всех уголков Краснодарского края — учащиеся школ искусств и участники танцевальных ансамблей, воспитанники хореографического училища и Президентского кадетского училища — приехали в театр, чтобы своими глазами, вживую увидеть творение великого хореографа современности, встретиться с Юрием Григоровичем и даже задать ему заветный, записанный на бумажке вопрос.

…Первые такты партитуры. Мягкий, обволакивающий хор валторн. Вступление, полное света, словно прозрачное утро, вводит слушателей в образный мир спектакля, брызжущего отточенным изяществом и энергией юности. Как известно, музыкой «Коппелии» восхищались великие мастера балета П.И. Чайковский и А.К. Глазунов, видя в партитуре Делиба ростки собственных музыкальных новаций. Тройной состав оркестра Лео Делиб использует изобретательно, остроумно дифференцируя музыкальную ткань. Многочисленные соло, сквозные темы словно подчиняются прихотливой логике момента, оставляя ощущение сиюминутности происходящего на сцене. Оркестр под управлением заслуженного артиста России Александра Лавренюка не разочаровал. Партитура, неразрывно связанная со сценическим действием, прозвучала на одном дыхании.

«Коппелию» называют последним французским романтическим балетом, но если «Жизель» в истории танцевального жанра признана величайшей трагедией, то «Коппелия» — величайшая из хореографических комедий, как справедливо заметил Джордж Баланчин. Премьера балета в постановке Артура Сен-Леона состоялась в 1870 г. в Grand Opеra (на спектакле присутствовал император Наполеон III с супругой Евгенией). Либретто, созданное по мотивам сказки Гофмана, начисто лишено мрачной фантастики, присущей немецкому романтику. «Коппелия» — лебединая песня французского хореографа, его прощальная улыбка, которой величайший виртуоз хореографических иллюзий подводит черту целой эпохе в истории искусства. Улыбка, свет которой пролетел через века, продолжая согревать многие поколения служителей Терпсихоры.

Существует множество хореографических редакций произведения. Как постановщик Юрий Николаевич впервые обращается к этому материалу в Краснодаре, взяв за основу московскую версию 1905 года балетмейстера Александра Горского. В новой редакции Григорович сохраняет все лучшее, что в ней есть. Повинуясь воле Мастера, балет вновь заблистал мудрым смыслом, придавая старинному сюжету сказки Гофмана современную интонацию.

По словам ассистента хореографа заслуженного артиста России Олега Рачковского, Юрий Николаевич очень бережно работал с хореографическим текстом. Тем не менее многое в редакции Горского Григорович изменил. Перемены направлены на усиление логики событийного ряда. В итоге балет получился компактным и доступным для восприятия. Хореограф много работал над пантомимой, требующей от исполнителей большого мастерства, артикуляционной внятности и артистизма.

Веселый и добрый спектакль о недоразумениях влюбленной парочки, чудаковатого мастера-кукольника Коппелиуса и его механической «дочери» Коппелии смотрится легко, радует глаз декорациями и костюмами (художник Михаил Сапожников), разнообразными характерными танцами и живыми, яркими образами героев. Абсолютно органична в роли озорной, скорой на выдумку Сванильды заслуженная артистка Кубани Анна Жукова. Обаятелен Владимир Морозов в роли ветреного влюбленного Франца. Кажется, забавные выяснения отношений Сванильды и Франца доставляли удовольствие как самим артистам, так и зрительному залу. Убедителен в роли Коппелиуса заслуженный артист Кубани Михаил Медведев, чья пантомима, словно путеводная нить, прошивает весь сюжет. Замечательны танцевальные соло заслуженной артистки Кубани Екатерины Ярощук и Дмитрия Горлова, Галины Хозиной и Евгения Ланцуты (мазурка); Екатерины Ярощук и Дмитрия Горлова (чардаш). Не могут не радовать танцевальные номера в исполнении учащихся Краснодарского хореографического училища (педагоги-репетиторы Наталья Марчихина, заслуженная артистка Кубани Екатерина Ярощук).

Судя по овациям зала, зрители поставили спектаклю высший балл. После закрытия занавеса ручеек юных поклонников балета, которые первыми в России оценили новую постановку, потек к микрофону. Юрий Николаевич с удовольствием отвечал на вопросы детворы. Между 86-летним хореографом и тинейджерами, кажется, не было возрастного барьера. «Мне нравится этот спектакль, потому что в нем представлены все возрасты краснодарской труппы, от корифеев театра до учеников хореографического училища. Все, что вы сегодня увидели, — результат огромного труда многих людей», — открыл встречу Маэстро. На ней много говорилось о театральной кухне, о сложном организме — спектакле, в котором, от создания эскизов до финальных прогонов под оркестр, «нет маленьких ролей», важна работа каждого участника театрального действа.

По словам Юрия Николаевича, ему интересно работать и в Краснодаре и в Москве. «Я работаю 33 года в Большом театре и почти 20 лет на Кубани. Мне интересно и там и здесь. Люблю работать с молодыми артистами, которых в Краснодаре много. Искусство балета — искусство молодости». Интересный вопрос задала Настя Решетова из Новороссийска. Девочку волнует, где находится «фабрика звезд» — в Москве или Санкт-Петербурге? «Нет такой профессии — выращивать звезды. Звезды — это люди, которые делают свою работу лучше других. А это не зависит от того, где ты родился».

Воспитаннику Краснодарского президентского кадетского училища Юрий Николаевич сам задал вопрос: учат ли сегодня молодых кадетов танцам? И был доволен утвердительным ответом. 13-летнего кадета Арсения Симончика, приехавшего на Кубань из Мурманской области, интересовало, что заставило Юрия Николаевича стать хореографом. «Я увидел сцену и полюбил ее. Желание заставило. Вот у тебя есть желание — стать военным, защищать Родину. У меня было желание — танцевать, и я ему следовал. Это важно: делать в жизни то, что любишь».

Черту в разговоре подвела генеральный директор и художественный руководитель творческого объединения «Премьера» имени Леонарда Гатова заслуженная артистка России Татьяна Гатова, отметив, что только на Кубани, щедрой на эмоции и добрые дела, где очень любят детей и искусство, Юрий Николаевич мог поставить такой лучезарный балет о юности и счастье.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 01, 2013 11:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113101
Тема| Балет, Балетная труппа театра Капитолия в Тулузе, Персоналии, Кадер Беларби
Автор| Нина Карель
Заголовок| В Тулузе Кадер Беларби ведет любителей балета "По стопам Нуриева"
Где опубликовано| RFI
Дата публикации| 2013-11-28
Ссылка| http://www.russian.rfi.fr/frantsiya/20131128-kader-belarbi-vedet-lubitelei-baleta-v-tuluze-po-stopam-nurieva
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, интервью

«Баядерка», «Спящая красавица», «Ромео и Джульетта»... Театр Капитолия в Тулузе знакомит зрителей с наследием Рудольфа Нуриева, артиста, чьё творчество сопровождало революцию в балете XX века. Спектакль «По стопам Нуриева» (Dans les pas de Noureev) – реализация одного из его учеников и последователей. Кадер Беларби, приурочил спектакль к 20-ой годовщине со дня смерти гениального танцовщика и хореографа, сделавшего балет "звёздным" видом искусства. Трудно сказать каким бы был классический танец на Западе, если бы в 1961 году ведущий солист Кировского театра не остался во Франции.


Рудольф Нуриев в "Корсаре", фотовыставка в театре Капитолия в Тулузе
Francette Levieux


Директор балетной труппы театра Капитолия Кадер Беларби хочет показать зрителям стиль Нуриева. Это мастерство (академичность стиля, техническое совершенство и качество исполнения) Нуриев передавал своим ученикам в парижской Гранд-опера. Сам одержимый поклонник Мариуса Петипа, Нуриев был директором балетной труппы Оперы Гарнье с 1983 по 1989 год. Спектакль «По стопам Нуриева» опирается одновременно на цитаты из легендарных постановок Нуриева и хореографии, которые он сам блистательно исполнял, – объяснил Кадер Беларби в интервью RFI по телефону в канун премьеры:


Кадер Беларби, директор балетной труппы театра Капитолия в Тулузе
David Herrero


«Я сначала задумался о возможности поставить полностью, целый балет в концепции Рудольфа Нуриева. Но у меня в труппе только 35 танцоров, что численно меня ограничивает. Поэтому я решил, представить отрывки из его версий, но не просто их суммируя. Я решил объединить действия разных балетов. Открывается спектакль третьим действием «Баядерки», в царстве теней. Эта сцена находит свою параллель со вторым действием балета «Жизель», где два десятка танцовщиц ведут хоровод девушек-призраков. В этом нереальном мире Солор танцует в дуэте с призраком Никии. Потом зритель увидит три па де де, которые так характерны для балетов Рудольфа Нуриева. Первое из «Спящей красавицы», с царственной и изящной хореографией. Затем лирический дуэт Ромео и Джульетты, сцена у балкона в великолепном техническом разрешении Рудольфа. А в завершение второго акта - не существовавшее в версии Петипа, созданное Нуреевым па де труа: Черного лебедя, мага Ротбарта и Одиллии, когда принц узнает в Черном лебеде черты своей возлюбленной, Белого лебедя. Третий акт спектакля более праздничный. Это третье действие балета «Дон Кихот», танцы на празднике во дворце герцога – хореографические партии продуманы со всем мастерством, присущим Нуриеву».

Критики называют Кадера Беларби «принцем французского балета». Он много работал с Рудольфом Нуриевым. И пристижное звание ведущего солиста Парижской оперы Беларби получил от своего блистательного учителя после выступления в поставленной Нуриевым «Спящей красавице». В разговоре о Нуриеве Беларби вскользь упоминает его «добрый и злой гений», его харизму и его безграничную любовь к танцу. И сегодня главным для Кадера Беларби становится стремление передать, в свою очередь, полученное от мастера знание молодым исполнителям:

«Я говорю о традиции в балете. Классический балет – дисциплина беспощадная, требующая постоянного поиска совершенства. Мы были, в какой-то степени – «большие дети» Рудольфа: Сильви Гиллем (Sylvie Guillem), Изабель Герен (Isabelle Guérin) , Лоран Илер (Laurent Hilaire), Манюель Легри (Manuel Legris) и множество других. Нуриев заставлял нас работать, преодолевать границы физических возможностей в поисках правдивости, технического мастерства, которые можно назвать академической точностью. Техника - параметр, где плутовство и приблизительность не возможны. Если выполняется пятая позиция, она должна быть полной, спиральное движение на пуантах – четким и чистым. Когда нам это не удавалось, Нуриев говорил, что мы движемся вульгарно, как в мюзик-холле Требовал соблюдать точность и сдержанность классического стиля. Это, наверное, во многом характеризует французскую школу балета – тщательная проработка, постоянный акцент на четкости, точности и естественности жестов».


Балетная труппа театра Капитолия в Тулузе
David Herrero


Спектакль «По стопам Нуриева» позволяет воссоздать действия балетов максимально близко к нуриевской концепции. Работа с настоящим оркестром и коснюмами, восстановленными по эскизам нуриевской эпохи, стали возможными благодаря тому, что театр Капитолия финансируется муниципалитетом Тулузы:

«Я понимаю, насколько нам повезло, что мы можем иметь в распоряжении средства такого театра. Мы играем спектакль в сопровождении Национального оркестра театра Капитолия. Очень хочу напомнить : дирижеры этого театра, такие как Дэвид Кольман, проработали с Рудольфом Нуриевым полтора десятка лет. Работали с ним и Патрисия Руан, Фредерик Ян, Лоран Илер. Они помогли нам максимально приблизиться к нуриевской версии. Это – шанс работать с теми, кто репетировал с Нуриевым и может передать полученное знание. Уже не говорю о редкой привилегии работать с настоящим оркестром. Вопрос передачи мастерства и интерпретации будет вставать неизбежно. Поэтому для нас важна эта непосредственная связь со «свидетелями» творческого процесса Нуриева. Работая над постановкой мы старались быть наиболее точными и объективными. По той же причине мы решили воссоздать костюмы спектакля такими, какими их видел Рудольф Нуриев. Все эти составляющие и предоставленные театру средства позволили поставить спектакль».

В Кадер Беларби, как до ниего Нуриев, работает с артистами из разных стран. В его труппе представители 17 национальностей. Среди них - казах Казбек Ахмедиаров и армянин Давид Галстян. Кадер Беларби:

«Участие танцовщиков из разных стран это - богатство культур. Основная моя работа, как раз, состоит в том, чтобы найти общий знаменатель для работы артистов, которые оприаются на разные школы и привыкли к разным стилям. Чтобы работать в технике Нуриева, мне нужно найти точку соприкосновения всех этих школ, чтобы подвести каждого к технике Рудольфа Нуриева. Такая работа начинается до репетиций, в ходе занятий по хореографии. Эти занятия проводят с артистами специально приглашенные в театр хореографы. Они, собственно и должны познакомить их с основами техники и пластики в версии Рудольфа Нуриева».


Фрагмент афиши спектакля "По стопам Нуриева" в постановке Кадера Беларби, ноябрь 2013
Théatre du Capitole


Это классическая русская школа или стиль Нуриева специфический?

«Рудольф Нуриев всегда подчеркивал важность русского классического репертуара. Он был без ума от Мариуса Петипа. Но и сам он сделал большой вклад в развитие техники мирового балета - и как исполнитель, и постановщик. Он много говорил о технике русского балета. Но также об американской школе Стэнли Уильямса и датской школе хореографа Эрика Брюна. Думаю, показывая нам разнообразные грани этого искусства, Нуриев создал на этой основе нечто единое, дав нам нам синтез, главное в технике как для балерин, так и для танцовщиков-мужчин».

Вы общались непосредственно с Нуриевым. Контакт на репетициях мог быть конфликтным и сложным. Нам сегодня трудно представить Нуриева вне творческого контекста. Но если бы нужно было сказать о его личности в двух словах, что его характеризовало лучше всего?

«Он всегда говорил: «Делайте, не надо говорить». По сути, речь идет о приоритете действия. Это особенно очевидно применительно к балету. Разговаривать бессмысленно. Надо прорабатывать движения. Только так доступен творческий поиск. Через действие можно дойти до самого главного, «Действовать, не разглагольствуя» – по сути это - то, что Рудольф делал всю жизнь. И сделал много, особенно не распространяясь об этом».

И вы теперь это повторяете работающим с вами артистам?

«Ну, наверное, не так прямолинейно. Я пытаюсь дать им понять, что мы работаем в живом спектакле. Считаю, сцена не позволяет не выкладываться по максимуму. Тело вообще не способно лгать. Всё зависит от качества того, что я называю «воплощением». Это сумма опыта, техники, артистизма. Нечто очень эфемерное, что делает исполнение неповторимым. Я объясняю артистам, что когда говорят исключительно по делу и когда идет настоящая работа, непременно происходит нечто неожиданное. Вам казалось, что никогда не сможете выполнить движение, преодолеть барьер. Но вдруг, после безрезультатных попыток, в какой то неуловимый момент, получается нечто великолепное!»

Это гармония?

«Гармония: удивительное совпадение, результат настойчивой работы и чего-то подсознательного. Вы в резонансе со зрительным залом, вашим партнером или целой группой танцовщиков на сцене. Музыка, конечно же, вызывает в это мгновение живую эмоцию и более тонкие трудноуловимые чувства».

В Тулузе спектакль «По стопам Нуриева» можно увидеть до 1 декабря включительно. Затем спектакль будет показан в Перпиньяне, Виши и ряде других городов Франции. К 20 годовщине со дня смерти Рудольфа Нуриева приурочена выставка фотографий артиста в фойе театра и в культурном центре Тулузы. А городская кинематека отметит дату показом фильм Кена Расселла «Валентино», где Нуриев сыграл роль легенды американского немого кино Рудольфо Валентино.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 01, 2013 12:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113102
Тема| Балет, фестиваль современной хореографии "Context", Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Танцы как утоление голода: фестиваль «Контекст» на московских площадках
Где опубликовано| РБК daily
Дата публикации| 2013-11-29
Ссылка| http://rbcdaily.ru/lifestyle/562949989771995
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: Diana Vishneva Fest



Знаменитая балерина не случайно стала арт-директором этого проекта. Диана Вишнева, человек с неспокойной творческой душой, давно известна страстью к неклассическим направлениям танца. Она не только стремится на личном опыте познать стили разных хореографов-современников, но и активно пропагандирует их поиски. По мнению Вишневой, у российского зрителя, хоть он и приучен прежде всего к классическому балету, есть «определенный голод» по современной хореографии.

Фестиваль «Контекст» предлагает новые работы молодых хореографов. Их отобрано четверо — Марина Акелькина (педагог-репетитор одной из столичных компаний), Владимир Варнава (начинающий постановщик), Константин Кейхель (преподаватель Академии Бориса Эйфмана) и Марсело Гомес, заокеанский парт­нер Вишневой, премьер Американского театра балета и тоже начинающий автор хореографии. По задумке Вишневой, «каждый желающий может проследить весь процесс создания постановки, а потом поучаствовать в их обсуждении». Все это пройдет на «Платформе», площадка которой давно стала родным домом для новаций и экспериментов. Предусмотрены и разного рода мастер-классы, их проведут иностранные мэтры современного танца.

Куратор проекта Самуэль Ворстен (художественный руководитель Holland Dance Festival) обеспечил его разными педагогами и авторами. В рамках «Контекста» пройдут гастроли британской компании Ричарда Олстона и нидерландских трупп Introdance и Korzo (часть показов состоится в «Гоголь-центре». — РБК daily). Среди прочего нас ожидает работа Дэвида Мидденторпа «Голубое путешествие», встреча с израильтянином Бараком Маршалем и Марком Гёке из Штутгартского балета, приезд молодого специалиста по движению Эрика Готье и показ миниатюры знаменитого автора балетов Ханса Ван Манена. Москва увидит работу In Memorium, поставленную Сиди Ларби Шеркауи (новое и уже известное имя в мире хореографов Европы) для Балета Монте-Карло.

В рамках «Контекста» Диана Вишнева впервые в жизни исполнит хореографию Иржи Килиана. Их совместный с Марсело Гомесом выход произойдет на итоговом гала-концерте в номере Nuages. Еще один парад звезд балета состоится в дуэте «Вертиго», поставленном специально для них итальянцем Мауро Бигонзетти.

Кроме этого в «Контексте» запланированы публичная беседа Вишневой с Аллой Сигаловой, «круглый стол» по проблемам современной хореографии и показы фильмов о танце в Центре документального кино. Это картина Вима Вендерса о Пине Бауш и видеосоздание Килиана Carmen и «Между входом и выходом» (не традиционные съемки балетов, а танец, специально созданный для киноэкрана).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 02, 2013 7:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113103
Тема| Балет, НОУ, Гастроли в Самаре, Персоналии,
Автор| Валерий ИВАНОВ
Заголовок| От «Корсара» до «Чиполлино»: мастерство без эмоций
Где опубликовано| "Самарские известия" №220 (6649)
Дата публикации| 2013-11-30
Ссылка| http://samarskieizvestia.ru/document/17230/
Аннотация| Гастроли НОУ

В Самаре выступила балетная труппа Национальной оперы Украины

Гости показали шесть разнообразных по стилистике спектаклей




В последние годы в Самаре постепенно оживляется гастрольная жизнь. Имею в виду не набившие оскомину залетные антрепризные спектакли, а полноценные гастроли театральных трупп. Правда, пока что речь идет в основном об организуемых концертно-театральными агентствами коммерческих гастролях драматических театров. Что касается оперно-балетных коллективов, то здесь вне конкуренции гастроли Большого театра 2005 года, посвященные 60-летию Победы и пребыванию в годы войны коллектива театра в эвакуации в Куйбышеве, а также показ оперы «Трубадур» московской «Новой оперой» на оперном фестивале 2013 года «Два века с Верди».

Знаменитая труппа

На днях на сцене Самарского оперного театра прошли гастроли балетной труппы Национального академического театра оперы и балета Украины имени Тараса Шевченко. Биография театра, являющегося одним из самых знаменитых в Европе, берет начало в 1867 году. Далеко за пределами Украины известна его балетная труппа, с которой на протяжении ее славной истории сотрудничали такие хореографы, как Бронислава Нижинская и Михаил Мордкин, Вахтанг Чабукиани и Федор Лопухов, Вахтанг Вронский и Константин Сергеев, танцовщики Анатолий Белов и Николай Апухтин, Антонина Васильева и Елена Потапова, Алина Кожокару и Нина Семизорова, Денис Матвиенко и Леонид Сарафанов. С апреля 2013 года балетную труппу театра возглавляет Анико Рехвиашвили.

Масштабный проект – под фонограмму

Гастроли киевской балетной труппы стали беспрецедентным по масштабу проектом, который реализовало местное концертно-театральное агентство «ТЕ-арт-Шоу» Татьяны Ефремовой. Идею этого проекта подсказала администрация оперного театра, афиша которого, ввиду длительных зарубежных гастролей собственной балетной труппы, на два с лишним месяца лишилась балетных спектаклей.
Очевидно, совсем не просто было привезти в Самару около 70 танцовщиков, столько же работников технического персонала и полное сценическое оформление спектаклей. Кстати, это был первый опыт выступления киевской балетной труппы под фонограмму. Отсутствие живого оркестра, конечно, не могло не сказаться в какой-то мере на эмоциональном тонусе спектаклей, но нужно отдать должное отличному качеству оркестровых фонограмм, которые свели эти потери до минимума.
В гастрольную афишу киевлян вошло шесть названий, ни одного из которых нет в репертуаре нашего театра. Эти разные по своей стилистике спектакли, охватывающие четыре последних десятилетия работы киевской труппы, свидетельствуют о ее впечатляющем творческом диапазоне. Самарская публика познакомилась как с интерпретацией балетов классического наследия, так и с работами современных украинских хореографов.



Солисты без отсебятины

Гастроли открылись жемчужиной классического наследия – балетом Адольфа Адана «Корсар». Гости представили его в новой, существенно переработанной и ставшей похожей на дайджест сценической редакции Виктора Яременко 2002 года. В ней изначальная хореография Жюля Перро и Мариуса Петипа и органично заменившие пантомиму более поздние танцевальные номера Петра Гусева дополнены новыми хореографическими эпизодами. Этот балет - подлинное пиршество танца, и киевская труппа продемонстрировала в нем свои лучшие качества. Солисты выглядели безупречно. У них отличная выучка, не существует технических проблем в самых сложных вариациях и дуэтах, а исполнение отличается безукоризненным вкусом и стилистической точностью. Какая бы то ни было дилетантская отсебятина, которую частенько позволяют себе наши солисты, исключена в принципе. Чистотой линий и слаженностью исполнения порадовал кордебалет. Как удалось выяснить, киевская труппа на 95 процентов укомплектована выпускниками местного хореографического училища.

Череда эксклюзивов

Достоинства киевской труппы в той или иной степени были очевидны и в других гастрольных спектаклях, у каждого из которых была своя «изюминка». В поставленной в 2001 году одноактной «Шехерезаде» - балете, сочиненном Михаилом Фокиным в 1910 году на музыку Николая Римского-Корсакова для «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже, Виктору Яременко удалось бережно сохранить авторскую хореографию. А художнику Марии Левитской передать редкостной по красоте сценографии терпкий восточный колорит, не повторяя оформление Льва Бакста. Уникальным долгожителем является балет Бизе - Щедрина «Кармен-сюита», перенесенный на киевскую сцену в 1973 году Азарием и Александром Плисецкими в авторской хореографии Альберто Алонсо.



Свежесть хореографической пластики отличает адресованный, в основном, детской аудитории и давно ставший советской классикой балет Генриха Майорова «Чиполлино». Его первая киевская постановка 1974 года была отмечена Государственной премией СССР, нынешний спектакль – авторская постановка 1995 года. Комический балет «Свадьба Фигаро», сочиненный по мотивам одноименной оперы Вольфганга-Амадея Моцарта и являющийся как бы визитной карточкой хореографа Виктора Яременко, не отличается принципиальной новизной балетной пластики и рассчитан, в основном, на привлекательность сюжетной интриги, а также на актерскую и танцевальную отдачу исполнителей.
Наиболее мощным по хореографии и общему сценическому замыслу, безусловно, является завершивший гастрольный марафон балет Арама Хачатуряна «Спартак». Это уникальная работа замечательного украинского хореографа, воспитанника Пермского хореографического училища Анатолия Шекеры. Балет впервые увидел свет рампы во Львове в 1965 году - за три года до «Спартака», поставленного Юрием Григоровичем в Большом театре, и в какой-то степени явился предтечей этого исторического спектакля. Это хорошо ощущалось и сегодня, на привезенном в Самару авторском спектакле Шекеры, который идет на киевской сцене с 1977 (!) года. Он всколыхнул воспоминания и об одноименном нашем спектакле Игоря Чернышева 1984 года, который балетмейстер впервые поставил в Одессе в 1972 году.

Вынужденные издержки

Исполнение всего перечисленного репертуара в течение пяти отпущенных на гастроли дней потребовало от гостей мобилизации всех ресурсов. Дело в том, что в Самару приехала лишь часть киевской труппы, другая в эти же дни отправилась в Испанию, и нагрузка на исполнителей ведущих партий и на артистов кордебалета оказалась чрезмерной. В наибольшей степени пострадал эмоциональный, игровой тонус спектаклей, в то время как их танцевальный уровень оставался на должной высоте. Но как много теряет танец, не подкрепленный подлинными эмоциями. Хочется думать, что во многом эти издержки связаны с экономическими нюансами. Но мы видели то, что видели, и от этого никуда не уйти.



Актерские откровения – на износ

В заключение – слово о солистах, ставших героями прошедших гастролей. Каждому из них в течение пяти дней пришлось исполнить по три – четыре ведущие, порой заглавные роли. Обладающей великолепными данными и яркой лирико-драматической индивидуальностью Наталье Мацак особенно удались образы победительной Медоры в «Корсаре» и излучающей томление и негу любимой жены Шахриара Зобеиды в «Шехерезаде». В этих балетах ее безукоризненным партнером был блестящий премьер Денис Недак – Конрад и Золотой раб соответственно. А еще Наталья Мацак была страстной Эгиной в «Спартаке», погибающей за ослепленного ненавистью к восставшим рабам Красса в исполнении мужественного и эмоционального чеха Яна Вани.
Живая и непосредственная Наталья Лабезникова, запомнившаяся в партиях Гюльнары в «Корсаре», Сюзанны в «Свадьбе Фигаро» и Магнолии в «Чиполлино», особенно ярко раскрылась в лирических откровениях партии Фригии в «Спартаке». Обаятельному и, как показалось, сугубо лирическому по природе Андрею Гуре, впервые показавшемуся в наделенной магнетически томной пластикой партии раба в «Корсаре» и станцевавшего затем скромного графа Вишенку в «Чиполлино», в меньшей степени идет насыщенная игровыми подтекстами партия Фигаро. Что же касается Спартака, то к этому спектаклю Андрей пришел совершенно опустошенным и выглядел на сцене механическим, лишенным глубоких переживаний манекеном.
Менее всего впечатлила «Кармен-сюита». Исполнители, в числе которых Наталья Мацак – Кармен, Денис Недак – Хозе и Ян Ваня – Эскамильо, не смогли передать ни уникальную остроту пластики, присущую оригиналу Алонсо, ни фатальную предопределенность судеб своих персонажей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 2037

СообщениеДобавлено: Вт Дек 03, 2013 12:51 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113104
Тема| Балет, Театр балета Бориса Эйфмана, фестиваль «Балтийские сезоны», Персоналии, Сергей Волобуев, Анастасия Ситникова, Дмитрий Савинов
Автор| Ксения Семак, Фото: Стас Ломакин
Заголовок| «Старая сказка на новый лад»: в Драмтеатре показали балет Бориса Эйфмана «Евгений Онегин»
Где опубликовано| портал "Калининград.Ru"
Дата публикации| 2013-11-22
Ссылка| http://kgd.ru/news/item/31743-staraya-skazka-na-novyj-lad-v-dramteatre-pokazali-balet-borisa-jejfmana-evgenij-onegin
Аннотация| Театр балета Бориса Эйфмана в четвёртый раз принял участие в фестивале искусств «Балтийские сезоны». Два балетных вечера в калининградском Драмтеатре посвящены исследованию пушкинского «Евгения Онегина».




В первом ряду отлично видно кулисы. Там, в чёрных полотнах ткани, стоит танцовщица кордебалета. Она вся вытянулась в струнку, её руки то порхают, то складываются в крест. Она трясёт ими, мол, «так нельзя, заканчивай», и рисует кистью круг ― вращение.

Она не то волнуется за Онегина (Сергей Волобуев), который в этот момент на сцене закручивается в сложном пируэте, не то переговаривается с кулисой напротив. Вообще взаимное проникновение всех актёров (да-да, именно актёров) видно невооруженным глазом. Чего стоят сложнейшие поддержки? Онегин и Татьяна танцуют на краю скамьи, заботливо задранной кордебалетом под острым углом к сцене. И там, на высоте, он приподнимет партнёршу. По сложности похоже на цирковой трюк. Но нет, это балет, и для этих танцовщиков, кажется, нет физических пределов.

В основе эйфмановского «Онегина» прежде всего отточенное движение академической школы, но для него созданы особые рамки ― артистичность танцоров и необычайная свобода. Вот кордебалет танцует рок-н-ролл, на первой линии ― две пары, в центре ― танцор, похожий на Цискаридзе, высоко держит подбородок и тянет носок, а рядом с ним другой ― лихо крутит партнёршу, опускает руку пониже талии и подмигивает в зал.

Я попала на балет со своим приятелем, страстным любителем всего классического. Как только выключилась театральная люстра, я шепнула ему на ухо, что Ленский здесь рок-музыкант. Саша буркнул что-то недовольное. «Ну как?» ― спрашиваю в первом антракте и вжимаю голову в шею. Оказывается, в восторге. «Онегин» для всех. Конечно, если вы прочли его хотя бы один раз.

Для всех ещё и потому, что Эйфман психологичен. В каждом жесте ― чувство, в каждом изгибе ― переживание. Зал вовлечен полностью, кажется, что не потерян ни один зритель. И катарсис общий: во время мистического убийства Евгения зал выдыхает вместе с труппой. Вот Татьяна (Анастасия Ситникова) пишет своё письмо. Но перед нами уже не девушка ― на сцене обнажённая душа, мятущаяся, ломающаяся, приникшая щекой к листку бумаги. Он будто прибит к паркету и белым квадратом светится в зал. Кстати, в этой же сцене единственный раз за всю постановку звучит речь. Письмо Татьяны читается вслух. Два языка ― поэзии и танца ― сливаются, и звука уже не слышишь, губы перебирают: «Я к вам пишу…».

Психологизм в балете сочится не только через движение: символизм костюмов штрихами дополняет портреты. Татьяна взрослеет. В первом акте она ― девочка в платье в горошек, в последнем ― дама в сиреневом платье. Кажется, что фиолетовый ― любимый цвет балетмейстера, настолько часто он используется по ходу постановки, но на ум приходит строчка из популярной психологии: «фиолетовый цвет ― цвет одиночества».

Действие не случайно переносится из века 19-го в 90-е годы 20-го. Пушкина всегда мучила идея «проигранной жизни», упущенных возможностей. Эту идею Эйфман подаёт в наиболее близком для современного зрителя свете ― действие перенесено во время Перестройки. Онегин неспроста носит малиновый пиджак, за этим пиджаком нет ничего, только образ, а тонкие люди типа Ленского (Дмитрий Савинов) гибнут. Перестройка для балетмейстера ― время Онегиных.

Напряжённость, доходящая до помешательства, которая уводит в потусторонний мир. Таких мистических лакун в сюжете балета несколько, и все они о воспалённом рассудке Евгения, о его бесах.

«Онегин» ― окончание классической трилогии Эйфмана, этот балет завершил цепочку из «Анны Карениной» по мотивам романа Толстого, «Чайки» по Чехову.

Обычно заезжие звёзды всегда отмечают сердечность калининградской публики. В этот раз наш зритель снова показал себя радушным хозяином. Зал аплодировал стоя.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 2037

СообщениеДобавлено: Пт Дек 06, 2013 1:00 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113105
Тема| Балет, Национальный Балет Канады, Персоналии, Мэтью Голдинг
Автор|
Заголовок| “Хоккеист”-мечтатель в “Лебедином озере”
Где опубликовано| Vestnik.ca – «Вестник Торонто»
Дата публикации| 2013-11-08
Ссылка| http://vestnik.ca/canada-ballet-swan-lake/
Аннотация|

С 9-го по 17-ое ноября, в театральном центре “Четыре Сезона” (Four Seasons Centre) — балет, который не подвержен влияниям времени или сезонной непогоде! Национальный Балет Канады, открывающий свой новый сезон легендарным «Лебединым озером» явно рискует.
Ведь именно этот спектакль считается визитной карточкой классического русского балета. Возможно, поэтому для участия в постановке и была приглашена европейская звезда, к воспитанию которой приложили руку педагоги-россияне, — канадец Мэтью Голдинг. Для двадцативосьмилетнего танцовщика эта постановка — премьерное выступление на родине. До этого момента он никогда не выступал на “большой” сцене в Канаде.

История Мэтью Голдинга — это такая же сказка как “Лебединое озеро”, только с канадским акцентом. Когда ему было восемь лет, его лишили “великой канадской мечты” — по медицинским показателям ему вырезали почку и запретили заниматься любым контактным спортом, в том числе и хоккеем. Вместо спорта, Мэтью занялся пением, но через некоторое время стало ясно, что с такими вокальными данными особых высот не достичь, и он увлекся танцами. В четырнадцать лет Мэтью приняли в Королевскую Балетную Школу Виннипега и в скором времени он перешел в знаменитую Кировскую Академию Балета в Вашингтоне. Там, под руководством педагогов, большая часть которых вышли из Академии Русского балета имени Вагановой в Санкт-Петербурге, Мэтью начал изучать классический балет. Через два года, Мэтью посчитал себя настолько хорошо овладевшим балетным искусством, что пренебрег мнением педагогов. Они считали его не совсем подготовленным для выступлений на международных смотрах, но Мэтью не послушал их и самовольно отправился на престижный балетный конкурс в Лозанне. К удивлению педагогов, из Швейцарии он возвратился в Новый Свет с престижной балетной стипендией кармане! После этой победы, карьера Мэтью начала стремительно развиваться и в скором времени он танцевал на лучших сценах мира.

По мнению обозревателей “ВТ”, прекрасно осведомленных о популярном в русскоязычной общине Торонто скептическом отношении к балетным постановкам Национального Балета Канады, посмотреть “Лебединое озеро” стоит хотя бы для того, чтобы понять как могут танцевать несложившиеся хоккеисты. В Лондоне и в Амстердаме, где Мэтью Голдинг являлся ведущим балетным артистом, о его искусстве высоко отзываются даже балетные снобы!

Балет “Лебединое озеро” будет идти в Four Seasons Centre for the Performing Arts (145 Queen Str. W) c 9-го по 17-ое ноября 2013 года.

PS: Посещение «Лебединого Озера» от Национального Балета Канады вызвало у обозревателей «ВТ» возмущение. Возможно, мы, почти выросшие в Мариинском (Кировском) и Большом Театрах что-то не понимаем, но наличия какой-то осмысленности в представленной хореографии от Джеймса Куделка (James Kudelka) мы не обнаружили. По нашим ощущениям, танцоры, за исключением Etienne Lavigne и Елены Лобсановой, считают, что для того, чтобы публика рукоплескала достаточно ритмично подпрыгивать, держать спинку и периодически вставать на носочки. Сегодняшний «Зигфрид», McGee Maddox, периодически спотыкался. Видимо, мы были правы в своем анонсе, в котором фокусировались не столько на великолепии представляемого балета, а на возможности посмотреть звезду европейского балета, родившуюся в Канаде, на сцене. Имя этой звезды — Matthew Golding . К сожалению, в Торонто он танцует только 13-го и 16-го ноября.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 07, 2013 10:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113106
Тема| Балет, Astana Opera, Премьера, Персоналии, Борис ЭЙФМАН
Автор| Гульнар ЖУМАСЕИТОВА
Заголовок| Театр «Астана Опера» представил свое новое творение – балет «Роден»
Где опубликовано| общественно - политическая газета "ЛИТЕР" (Казахстан)
Дата публикации| 2013-11-28
Ссылка| http://liter.kz/articles/view/36764
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


фото из архива газеты "Литер"

Борис Эйфман, поставивший спектакль, – один из самых известных и креативных хореографов. Его имя является брендом современного русского балета во всем мире. Еще в 1977 году, создав свой коллектив, пережив множество нападок и непонимание со стороны управленцев от культуры того времени и некоторых своих коллег, Эйфману удалось создать современный психологический интеллектуальный балет, по его личному определению – «хореографический психоанализ».


Опираясь на классическую основу танца, но при этом расширяя сами академические рамки балета, он выработал свой хореографический стиль, яркий и новаторский. В чем уже убедились и казахстанские любители балета, познакомившиеся с его постановками «Красная Жизель» и «Анна Каренина», на сцене ГАТОБ им. Абая в Алматы. «Роден» поставлен Эйфманом для своего коллектива в 2011 году, тогда же он был удостоен нескольких номинаций на театральных фестивалях «Золотая маска» и «Золотой софит», получив высокие отзывы российских профессиональных критиков и европейских зрителей. Поэтому приглашение руководством театра Эйфмана для постановки можно считать правильным стратегическим решением построения афиши молодого творческого коллектива.



Балет посвящен великому французскому скульптору Огюсту Родену и Камилле Клодель, его музе, возлюбленной и ученице. 15 лет их связывали творческие и любовные взаимоотношения, но произошедший между ними разрыв привел его возлюбленную в клинику для душевнобольных, где она провела более 30 лет, покинутая и забытая всеми. На другой стороне этого трагического любовного треугольника находится гражданская жена Родена – Роза Бере, тоже когда-то служившая ему моделью и музой. И даже теперь, несмотря на его открытую связь и привязанность к своей молодой любовнице, продолжающая его смиренно и преданно любить, оставаясь рядом с ним. На фоне этой банальной любовной истории хореограф разворачивает свой взгляд на взаимоотношения двух сильных творческих личностей, на конфликт творческого и обычного чувственно-человеческого начала. Роден влюблен в Клодель, но его страсть чаще всего переходит в процесс ваяния, где она – модель, что отрывает ее от собственного творческого процесса. Великий скульптор, искренне любя Камиллу, в то же время ревновал ее к ее же творчеству, она, напротив, оберегала свою самостоятельность в творчестве от Родена и сильно страдала от непризнания критиками ее таланта и от ревности из-за привязанности любимого к его гражданской жене.


Композиционно балет построен не последовательно, а как бы из фрагментов-воспоминаний главного героя, тем самым хореограф достигает в действии определенной динамики, создавая у зрителей впечатление раскручивающейся пружины большой жизненной трагедии. При таком построении режиссерского видения главная цель хореографа – показать всю изнанку трагичности судеб гениев и талантливых личностей – успешно достигнута. Так, экспозиция балета начинается со сцены в сумасшедшем доме, куда приходит Роден, тоскующий по своей возлюбленной. Далее действие развивается вокруг чередования воспоминаний и реальных событий. Таким образом, за два часа балетмейстер раскрывает трагичную историю творческих личностей. И эта динамичная спираль развертывания действия не прерывается до самого финала. Балет заканчивается сценой, где одинокий Роден на вершине лестницы, не обращая ни на кого внимания, продолжает под набатные звуки долбящей музыки работать над своим очередным шедевром. Таким образом хореограф еще раз заостряет внимание зрителя на вечной проблеме и трагедии таких гениев-творцов, как Роден, вынужденных ради искусства отдаваться полностью, жертвуя собой, любовью и даже жизнью.


Музыкальная основа балета Эйфманом составлена из произведений М. Равеля, К. Сен-Санса, Ж. Массне. Собранный балетмейстером музыкальный калейдоскоп помог ему в создании необходимого психологического настроения, раскрытия характеров героев и примет той эпохи. В балете гармонично сосуществуют классика, элементы современного танца и спортивной гимнастики, образуя хорошо знакомый авторский стиль Эйфмана с невероятными поддержками, глубокими психологическими дуэтами и ироничным взглядом на некоторые стороны человеческой жизни.


Как известно, большинство скульптурных творений Родена весьма эротичны, представляя собой пластический гимн красоте человеческого тела и духа. И созданная Эйфманом хореография не лишена этой эротичности. Смысл творчества и эстетика творческих взглядов Родена свободно читаются в пластике танцоров, не менее выразительно переданы и тонкие переживания героев, находящихся на грани душевного срыва и тяжелого жизненного выбора. Довольно часто используемые хореографом в своих балетах ситуации и атрибутика присутствовали и в этой постановке. Как, например, сцены в сумасшедшем доме, смешные критики, круглый стол, используемый для танца, и др. Но каждый из этих элементов балета хореограф заставил совершенно по-новому играть, создав иные пластические рисунки и эмоциональные краски.

Самые яркие и эффектные сцены в балете связаны с процессом творчества, где хореограф зримо на сцене из тел танцовщиков формирует скульптурные изваяния. Из бесформенной серой массы на глазах зрителей Роден, выдергивая отдельные части тела в виде рук, ног, головы, раскручивая спины и растягивая улыбки, лепит скульптурные фигуры. Определенную живость и колорит балету придали массовые сцены в сумасшедшем доме, праздник сбора винограда, танцы в «Мулен Руж» и сцена, где критики осмеивают работу Камиллы. Не банально, в контексте заданной хореографической задачи решена балетмейстером и сцена сумасшествия. Где из огромного серого шара появляется множество рук, постепенно уносящих обезумевшую Камиллу внутрь него.


Любовь и страсть, отчаяние и ревность, ностальгия по прошлому и муки совести, творческие победы и проигрыши и, как финал, безумие – тонко и выразительно станцевали молодые солисты балетной труппы. Роден в исполнении Жанибека Иманкулова предстал слегка усталым, но одержимым творцом, языком выразительной пластики ему удалось передать тоску по своей музе, муки совести и творческое горение. Ярким открытием премьерного спектакля стало выступление молодой танцовщицы Айгерим Бекетаевой в образе Камиллы Клодель. Несмотря на свой юный возраст, ей удалось глубоко войти в образ и раскрыть терзания любящего и талантливого скульптора, которую ревность и творческое соперничество привели к трагическому концу. В целом тяжелые в техническом отношении поддержки и перевороты, прыжки и невероятные вращения исполнителями были освоены. И даже если в определенных моментах и сценах ощущались некоторые шероховатости и явное напряжение в исполнении, вероятнее всего, это результат премьерных волнений и пока недостаточных тренировок. Требует доработки и пластический рисунок, особенно рук, в сценах, где Роден и Камилла занимаются лепкой своих скульптурных творений. Образ Розы, воплощенный на премьерном спектакле Анель Рустемовой, наиболее зрелая работа в балете и по подаче эмоциональных переживаний героини, и по исполнению техники танца. Ей удалось продемонстрировать в танце присущую ей музыкальность и пластическую выразительность при точной передаче в актерской игре эмоциональных чувств своей героини.


Однозначно главный герой представленного спектакля – это человеческое тело, способное доносить до зрителей определенные человеческие эмоции, чувства и переживания своих персонажей. Поэтому значительная работа в рождении премьерного спектакля была проделана ассистентами и помощниками Эйфмана в лице О. Толмаковой и О. Парадника, осуществивших его перенос на сцену театра «Астана Опера». Всей балетной труппе, задействованной в спектакле, удалось овладеть сложным хореографическим текстом, добиться ансамблевости и актерской выразительности в исполнении различных танцев. Яркое эмоциональное действо балета «Роден» разворачивалось на фоне лаконичных массивных конструкций, созданных З. Марголиным, и живописных костюмов в духе Франции того времени в исполнении художника О. Шаишмелашвили. При этом в костюмах сочеталась функциональность и художественная ирония (костюмы критиков, девиц в сумасшедшем доме и др.).


Молодая балетная труппа Астаны смогла овладеть сложным хореографическим стилем именитого балетмейстера современности. Надо надеяться, после премьерных волнений спектакль обретет необходимую техническую безупречность и эмоциональный нерв в исполнении. Тем самым театр «Астана Опера» сделает еще один уверенный шаг к выработке своего индивидуального облика в когорте известных мировых трупп.


Гульнар ЖУМАСЕИТОВА,

театральный критик, кандидат искусствоведения
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 17635
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 08, 2013 10:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113107
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, М. Мессерер,
Автор| Ольга Розанова
Заголовок| «Пламя Парижа» вновь зажигает сердца
Где опубликовано| журнал "Балет", № 6 (ноябрь- декабрь) 2013, сс. 4-5
Дата публикации| ноябрь 2013
Ссылка|
Аннотация|

«Содержание «Пламени Парижа» - поход отряда марсельцев в Париж и события, связанные со взятием Тюильри... и революционной ликвидацией феодального режима», - писал Борис Асафьев в программке к балету (премьера в Театре имени Кирова, 1932). Можно ли представить нечто более противопоказанное балету, чем подобное «содержание»? Между тем спектакль имел исключительный успех. Вскоре после ленинградской премьеры был перенесен в Большой театр и больше тридцати лет не покидал подмостков многих театров. Чуда в том не было. Просто революционная тема превратилась в сюжетное действие, придуманное Николаем Волковым и Владимиром Дмитриевым (он же художник спектакля). Содержанием же стали музыка и хореография, на славу удавшиеся и композитору Асафьеву, и хореографу Василию Вайнонену.

В авторский коллектив входил также известный Сергей Радлов, но в 1943-м он был репрессирован, и его имя исчезло из программки спектакля до конца сталинской эпохи. Мы не найдем его и на афише недавней премьеры «Пламени Парижа» в Санкт-Петербурге, но узнаем о его вкладе в постановку балета из материалов буклета (текст Марины Кортуновой). Оплошность? Вовсе нет. Это покажет наш рассказ о спектакле.

Решение главного балетмейстера Михайловского театра Михаила Мессерера возобновить прочно забытое «Пламя Парижа» могло показаться, да многим и казалось, совершенной утопией. От четырехактного балета до нашего времени дошли только истинные шедевры - па де де, Танец басков и Гавот Люлли. Но у Мессерера был свой план действий и в придачу опыт возобновления «Лауренсии» (2010). Пригодился кинофильм 1953 года, запечатлевший основные моменты балета. Был учтен и опыт Алексея Ратманского, поставившего «Пламя» в Большом театре (2007). Партитуру Асафьева и сохранившуюся хореографию Вайнонена Ратманский воспроизвел по возможности полно, но несколько «подправил» сюжет, поменяв местами музыкальные номера. В результате идеологически прямолинейное, но ясное действие сменилось более сложным, но невнятным, с привкусом мелодрамы.

Мессерер предпочел следовать оригиналу, но притом подверг его значительной корректировке (поэтому имени Радлова нет в программке). Благодаря большим и малым купюрам спектакль стал более компактным и динамичным. Экспозиция действующих лиц (семья крестьянина Гаспара, марселец Филипп и жестокий деспот маркиз Борегар) и завязка конфликта теперь занимают не две картины, как прежде, а одну. Во второй картине (прежде это был второй акт) действие переносится в королевский дворец. Здесь в центре оказываются Актер, гибнущий от руки Маркиза, и Актриса, принимающая сторону восставших. Подобным образом выстроен и второй акт. Картина народного гнева, разворачивающаяся на площади Парижа, сменяется штурмом дворца, паническим бегством придворных, схваткой восставших с офицерами и победой народа, омраченной гибелью отважной Терезы. На этом кончается сюжетное действие, третий акт - праздник победы - представляет собой развернутый дивертисмент.

Намеренные и вынужденные сокращения приблизили к поэтике классического балета, где за взаимоотношениями героев возникает крупномасштабное противостояние различных миров. Через танцевальные пласты заявляет о себе конфликт дворца и площади, аристократов и простолюдинов и шире - монархии и восставшего народа. Новаторское значение балета в том, что стихию лирики здесь заменила героика. А принципиальной, можно сказать, исторической, заслугой Вайнонена была блистательно осуществленная идея выразить героический пафос революции не битвами и потасовками, но образным танцем. В традиционные формы - вариации, па де де, танцы кордебалета и прочее - талантливый хореограф вдохнул новое содержание, нашел новые пластические краски.

Не считая пантомимной первой картины и нескольких сцен-связок, обновленное «Пламя» насквозь танцевально. Недостающие фрагменты (вариация Амура, финальная фарандола и другие) досочинил Мессерер, да так искусно, что от хореографии Вайнонена их не отличить. Однако даже такой ладный спектакль не вышел бы за рамки культурной реставрации, если бы он не задел за живое артистов. Танцевальный пламень, разожженный многие десятилетия назад Асафьевым и Вайноненом, воспламенил и танцовщиков XXI века.

Воодушевление участников премьеры передалось зрителям. Атмосфера в зале напоминала постепенно просыпающийся вулкан, взорвавшийся, когда в воздух взмыл Иван Васильев (Филипп). За первым взрывом последовали новые, а затем началось нечто вроде извержения огненной лавы. В картине второго акта на площади ночного Парижа возбудителями зрительского ажиотажа поочередно становились Иван Васильев и виртуозка Оксана Бондарева (Жанна), неистовая Баска Мариам Угрехелидзе и её «соплеменники» -Сергей Стрелков, Владимир Цал, Денис Алиев, Ольга Семёнова. Артисты кордебалета действовали с не меньшим азартом. В их танцевальное буйство включился даже старик Гаспар - пантомимный персонаж, сочно, в стилистике 1930-х годов воплощенный Андреем Брегвадзе.

В праздничном дивертисменте последнего акта достигнутый эмоциональный накал поддержали акробатический дуэт Анжелины Воронцовой (Актриса) с мастером поддержки Маратом Шемиуновым, синхронная классическая вариация для двух солистов, без сучка и задоринки исполненная Николаем Корыпаевым и Андреем Яхнюком, и феерическое па де де Бондаревой с Васильевым. Балерина достойно выдержала «поединок» с феноменальным танцовщиком, покорив зал совершенством техники. А умопомрачительные прыжки и вращения Васильева привели зрителей в экстаз. Атлетическая фигура, черные кудри, сверкающие огнем глаза, да ещё молодецкая удаль, непоколебимая уверенность в своей силе - всё легло на образ бравого марсельца, представителя народа.

Народ же встал вровень с протагонистами как коллективный герой балета. Артисты с таким задором исполнили многочастную фарандолу, что в пляс пустился даже... ребенок. Девочку трех-четырех лет привела сюда мать (артистка М.Рудакова), но малютка о ней забыла, поглощенная происходящим на площади. С интересом наблюдая за взрослыми, она вторила их движениям с такой непосредственностью и упоением, что и старик Гаспар не удержался, подхватил юное дарование на руки и закружил в танце. Импровизированная сценка добавила живую человеческую нотку в патетическое действо.

Мощным апофеозом праздника победы прозвучала финальная сцена - с алой фигурой Свободы, вознесенной над толпой, с развевающимися стягами, со счастливыми лицами участников событий.

Ошеломляющий успех премьеры (22 июля 2013) и следующих спектаклей с участием А.Воронцовой и А.Ломаченковой (Жанна), Д.Матвиенко и И.Зайцева (Филипп), А.Кулигиной (Амур), В.Лебедева, Л.Сарафанова и Н.Корыпаева (Актер), Е.Борченко и С.Яппаровой (Актриса), К.Махвиладзе (Тереза), М.Венщикова (Маркиз), Р.Петухова (Гаспар) - результат дружной работы высокопрофессиональной труппы и её талантливых сотрудников.

Это художник Вячеслав Окунев, любовно воссоздавший декорации и костюмы В.Дмитриева - интерьеры дворца, архитектуру Парижа, изысканно красивые платья придворных дам, элегантные мундиры офицеров, живописные одежды простого люда.

Это музыкальный руководитель постановки, дирижер Валерий Овсянников и оркестр театра, заново открывшие высокие достоинства музыки Асафьева.

Это ассистенты балетмейстера Анна Разенко, Евгений Попов и репетиторы спектакля. И ещё завсегдатай Михайловского с 44-летним зрительским стажем, доктор технических наук, генеральный директор СК «Ленспецстрой» Дмитрий Астафьев. Продюсер постановки, он не пожалел средств для её реализации, веря в успех «красивой, молодой, динамичной труппы Михайловского театра», и не просчитался. Возродив к жизни «Пламя Парижа», театр доказал его не утраченную способность волновать сердца артистов и зрителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 08, 2013 1:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113108
Тема| Балет, Фестиваль имени Аллы Шелест Самарского оперного театра, Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| На празднике танца и за его кулисами
Где опубликовано| •Свежая газета•No 16 (44) • стр. 8
Дата публикации| 06 ноябрь 2013
Ссылка| http://100gazet.s3.amazonaws.com/pdf/sg_44.pdf
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ им. А. ШЕЛЕСТ

В Самаре завершился XIII Фестиваль классического балета имени Аллы Шелест. В течение десяти дней на сцене Академического театра оперы и балета было показано четыре спектакля и гала-концерт в двух отделениях.

Фестиваль, возраст которого приблизился к двум десяткам лет, безусловно, стал заметным событием культурной жизни Самары. Заслуги балетного форума в декабре 2003 года были оценены общественным Орденом Екатерины Великой «за сохранение традиций петербургской школы классического балета и вклад в мировую хореографию». В 2011 году фестиваль, носящий имя великой русской балерины, был принят в Ассоциацию европейских фестивалей (FTA).

Афиша праздника заставляет трепетать сердца любителей хореографического искусства, вызывая волнующее предвкушение встречи со звездами. Закручивается интрига. В самарском эксклюзиве каждый фестиваль обзавелся собственной тематикой. Так, нынешний – тринадцатый – обрел концепцию: «Грезы, сны и призраки в классическом балете». В соответствии с ней в программу включили «Спящую красавицу» со сценой нереид, «Дон Кихот» с картиной «Сон», «Баядерку» с неотъемлемыми «Тенями» и «Жизель» с ее ночными призраками виллис.

Подготовка к фестивалю мобилизуеттруппу, а приезд мастеров из ведущих театров страны становится своеобразным экспресс-мастер-классом для артистов самарского балета. Театр, и без того живущий напряженной жизнью, превращается в гудящий улей. Латаются прорехи, обновляются декорации, костюмы и реквизит. До совершенства отлаживается работа администраторов, водителей, вынужденных по несколько раз на дню, а то и ночами, встречать и провожать гостей. Несмотря на довольно дорогие для семейного бюджета билеты в партер, преданная публика заполняет театр из вечера в вечер.
Но вот фестиваль завершен. Его «пассионарность» угасает. Что же в сухом остатке?

У истоков

Фестиваль имени Аллы Шелест был задуман Светланой Петровной Хумарьян, в то время занимавшей одну из руководящих должностей местного культурного ведомства. Но чиновником назвать ее язык не поворачивается: она превратила фестиваль в дело жизни, создав еще при здравствующей и горячо любимой Алле Яковлевне художественный мемориал ей.

Как истый поклонник балетного искусства, Светлана Петровна определила круг близких ее эстетическим вкусам художников – балетмейстеров и танцовщиков. К кому-то, естественно, она равнодушна, а уж если кого активно не приемлет, так и в этом чувстве весьма постоянна.

Светлана Петровна неотступно следит за малейшими событиями в жизни российского балета, что позволило вознести Фестиваль на ту высоту, которой он достиг за эти годы. Огромные организационные сложности, подстерегающие фестивальную махину от первого дня подготовки до финального закрытия занавеса, благодаря знаниям и энергии «крестной матери» фестиваля преодолеваются с наименьшими потерями. Так, к примеру, случилось и в этот раз, когда авральные актерские замены, инспирированные различными обстоятельствами, все-таки не обманули зрительских ожиданий.

Воплощенные сновидения

Фестиваль открыла «СПЯЩАЯ КРАСАВИЦА» – недавняя премьера театра.
Авторы переноса, петербургские мастера: балетмейстер Габриэла Комлеваи
художник Вячеслав Окунев, – создали традиционный спектакль в лучшем смысле этого слова. Идея балета-феерии Петипа была осуществлена ими в достаточно ограниченных условиях, но, по признанию самарской прессы, «добротно».

Уже первый спектакль заставил поволноваться устроителей фестиваля. Буквально на ходу пришлось искать замену солистам Михайловского театра Ирине Перрен и Марату Шемиунову. Впрочем, зрители ничуть не проиграли, увидев в Партии Авроры приму-балерину Большого театра России Марианну Рыжкину – артистку опытную, умную и художественно одаренную. Ее партнером стал сценически эффектный солист Московского академического музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко Георгий Смилевский. И все же, думаю, опыт помог танцовщикам, соединившимся едва ли не накануне спектакля, составить гармоничный дуэт.

Рыжкина ещё раз вышла на фестивальную сцену – чтобы провести «ДОН КИХОТ» с солистом «Станиславского» Сергеем Мануйловым. И вновь как нельзя кстати пришлись инструментально чистая техника балерины, ее умение жить в образе, одаривая зрителя искрами своего темперамента и вдумчивым проживанием образа. Партнер же был окрещен журналистами «эффектно-интеллигентным».

В числе гостей фестиваля были не только артисты. За пульт «Дон Кихота» встал новосибирский дирижер Андрей Данилов. Он же дирижировал «БАЯДЕРКОЙ» – еще одним творением Комлевой и Окунева, которое продолжило фестивальные впечатления. По Петипа, разумеется...


Сцена из балета «Баядерка». Солор – Владимир Шкляров

Петербургская версия спектакля, конечно же, требовала танцовщиков Северной Пальмиры. Но таковым оказался только Солор Владимира Шклярова. Премьер Мариинского театра заставил сильно поволноваться организаторов: ему пришлось добираться в Самару на перекладных и без визы из Мексики через Соединенные Штаты и Москву. Ну разве не чудо, что артист все же успел к сроку и смог собраться, чтобы исполнить сложную партию. Не иначе Алла Шелест вдохновляла и вела танцовщика к вершинам самарского успеха.

В партии Никии пред зрителем предстала прима-балерина Большого театра Мария Аллаш. Блистательная Гамзатти московской сцены, она обладает всеми нужными качествами для исполнения роли Никии, что и продемонстрировала в городе на Волге.

Едва отдохнув от «Баядерки», Владимир Шкляров пришел на оркестровую репетицию «ЖИЗЕЛИ», чтобы встретиться с новой партнершей – солисткой Михайловского театра Оксаной Бондаревой. Приходится признать, что более несхожих индивидуальностей трудно представить. Вот и получилось, что каждый из них танцевал свой спектакль. Оксана решала партию в несколько реалистично-бытовом ключе, актерская природа Шклярова тяготела к романтической условности. Именно во втором акте, избавившем танцовщика от необходимости разыгрывать сюжеты флирта, обольщения и трагедии, Владимир показал истинно петербургский стиль и наконец поднялся на ожидаемую от него художественную высоту, став и поэтичным и трогательным.

Приходится признать, что дебютировавший дирижер Виктор Куликов, добившийся хорошего звучания оркестра, не всегда помогал танцовщикам, выбирая то слишком медленные темпы, то рваные, что еще опаснее.

Сам спектакль тоже вызвал ряд нареканий. Сценография лишилась необходимой атмосферы. Мистикой от грубых черных покосившихся крестов вместе с центральным пнем и не пахло. Старинная «Жизель» удивительным образам обошлась без, казалось бы, неотъемлемого волшебства – инфернальных огоньков душ умерших, что наводили ужас на суеверных ночных путников и без полетов виллис. Да и их повелительница Мирта, корректно исполненная Ксенией Овчинниковой, не обладала ни царственной статью, ни леденящим душу взглядом своей потусторонней героини.

Стоит поработать над образом лесничего Ганса Дмитрию Голубеву, а постановщику подумать над тем, что с крестьян следует снять белые трико и классические балетные туфли и стол для знатных гостей выносить не откуда-то из кулис, а из домика хлебосольной Берты...


Ольга Смирнова в первый раз исполнила «Умирающего лебедя» К. Сен-Санса на Шелестовском фестивале

Точку фестивального марафона поставил гала-концерт, где вместе с артистами Самарского театра Екатериной Первушиной, Александром Петриченко, Виктором Мулыгиным, Марией Дворянчиковой, Алексеем Турдиевым, Дмитрием Пономаревым, Анастасией Тетченко, Дмитрием Сагдеевым, Дианой Гимадеевой выступили Оксана Скорик,
Андрей Ермаков (Мариинский театр), Ольга Смирнова, Семен Чудин (Большой театр).

«Нештатное» событие фестиваля

В рамках фестиваля произошло примечательное событие – презентация книги, посвященной Игорю Чернышеву. Продумал и замечательно провел ее совместно с театром автор сборника – солист московского театра «Кремлевский балет» Роман Володченков. В качестве дипломированного балетоведа он скрупулезно собрал в монографии мнения самых разных людей, чья жизнь, так или иначе, пересеклась с Чернышевым. Великолепной иллюстрацией стали видеофрагменты балетов Игоря Александровича, его интервью и беседы со студентами. Яркими личностными воспоминаниями о совместной тридцатилетней работе с Чернышевым откровенно поделилась и С. П. Хумарьян. Жаль только, что среди многочисленной аудитории было не много артистов – ветеранов и молодежи театра, в котором Чернышев поставил свои лучшие спектакли…

Вместо послесловия

Фестиваль имени Аллы Шелест, подчеркнем еще раз, – явление российской культуры, которое трудно переоценить. Однако это не избавляет от вопросов, заставляя задуматься о будущем и самого фестиваля, и самарского хореографического искусства. Может быть, с целью накопления идей и осмысления итогов стоило бы включить в программу проведение итогового «круглого стола» с приглашением широкого круга музыковедов и балетных критиков.

Конечно, это увеличивает смету праздника, финансируемого Правительством Самаркой области (сам этот факт позитивен и свидетельствует о том, что властные структуры поддерживают Фестиваль).

Сказать, что город жил фестивалем, так, как, к примеру, живут в подобных случаях небольшие европейские города, Авиньон или Абердин, например, не могу. Телевидение не выпускает цикла «Дневников фестиваля». Не углядел я ни афиш, ни баннеров, ни растяжек на самарских улицах. Говорят, они были, как и рекламные акции на радио.

Самарской труппой руководит самобытный балетмейстер, опытный лидер Кирилл Шморгонер. Вряд ли кто-то бросит в него камень или пустит критическую стрелу в активного и добросовестного директора театра – Наталью Степановну Глухову. Кирилл Александрович привлёк целую когорту талантливых исполнителей, в частности из родной Перми.

Балет серьезно – если не сказать наизнос – трудится, делая все от него зависящее, но ведущие позиции в отечественном балете пока не занял. Репертуар театра составляют названий восемь, и С. П. Хумарьян все труднее варьировать фестивальные программы, формулируя их концепции.

Хореографическое училище далеко не в полном объеме обеспечивает кадровые нужды самарского балета. А это уже проблемы не только самого театра, но и города и области.

Фото Елизаветы Суховой
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 11, 2013 10:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113109
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, Начо Дуато
Автор| Анна Гордеева (?)
Заголовок| Начо Дуато: «В „Щелкунчике" больше танца как такового, идущего от души»
Где опубликовано| Time Out-Петербург
Дата публикации| 30 ноябрz 2013
Ссылка| http://www.timeout.ru/journal/feature/35329/
Аннотация| Мини-интервью

Завершая свою деятельность в России, хореограф ставит самый популярный и праздничный балет и рассказывает Time Out о судьбе Мышиного короля.

Предложите ли вы какое-­то свое видение этой сказки? Добавите что-­то от себя?

Нет, я не люблю, когда так делают. Я оставил сюжет без изменений, лишь кое­что сократил. Так, я не понимаю, почему Мышиного короля ранят в конце первого акта, а во второй части он еще жив, зачем это? У меня он умрет уже в первой части. Какой балет ни возьми – везде эти крысы! Во второй части обойдемся без них, начнем ее сразу испанским танцем.

Будет ли «Щелкунчик» похож на «Спящую красавицу»?

Нет, они очень разные. Да ведь и сами истории очень непохожи. А если говорить про версии Петипа, то «Спящая красавица» – это, пожалуй, самый академичный его балет, где много сложных танцевальных композиций, требующих великолепной техники. А в «Щелкунчике», мне кажется, больше танца как такового, идущего от души, от какого­-то внутреннего чувства.

Планируете ставить классику в Берлине?

Конечно! Хочу перенести туда «Щелкунчик» и «Спящую красавицу». Но ставить что­-то новое, видимо, уже не буду.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 14, 2013 4:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113110
Тема| Балет, Кыргызский театр оперы и балета им. А.Малдыбаева, Персоналии, Ирина Аблицова ("Кремлевский балет")
Автор| Роберт УРАЗГИЛЬДЕЕВ
Заголовок| СПЕКТАКЛЬ АРТИСТИЧЕСКИХ ОТКРЫТИЙ
Где опубликовано| © Общенациональная газета "Слово Кыргызстана"
Дата публикации| 2013-11-01
Ссылка| http://slovo.kg/?p=26948
Аннотация|

Свой 71-й сезон Национальный академический театр оперы и балета имени А. Малдыбаева открыл знаменитым балетом "Лебединое озеро" П.Чайковского. На нашей балетной сцене этот спектакль был поставлен впервые почти 65 лет тому назад. В нем успешно выступали ведущие мастера мирового хореографического искусства и отечественного балета. Знаменательно и то, что новый оперно-балетный сезон в Кыргызстане вместе с коллективом нашего театра открыла Ирина Аблицова, заслуженная артистка Российской Федерации, ведущая балерина театра "Кремлевский балет".



С искусством талантливой танцовщицы Ирины Аблицовой кыргызстанцы познакомились впервые во время Международного фестиваля оперного и балетного искусства, посвященного 70-летию нашего театра, когда она блистательно выступила в главной партии балета "Жизель" А. Адана, а в заключительном концерте с подлинным артистическим блеском исполнила гранд па-де-де из балета "Корсар" со своим партнером артистом балета Большого театра Александром Смольяниновым. Ирина покорила сердца наших многочисленных поклонников тончайшей музыкальностью и танцевально-техническим мастерством, исполнив "Русский танец" на музыку П. Чайковского.

Уникальные профессиональные данные балерины Аблицовой — большой легкий прыжок, воздушность и грациозность танцевально-пластических линий, стремительность вращений, широта, плавность движений и скульптурность поз — характеризуют её как яркую романтическую танцовщицу. И во второй картине балета "Лебединое озеро" в партии Одетты Ирина на фоне темного берега, склоненных над озером плакучих ив, бегущей лунной дорожки предстала загадочным белоснежным Лебедем, создающим впечатление призрачности и какого-то затаенного ожидания. В дуэте-адажио с принцем Зигфридом Лебедь Аблицовой поверила пылкому признанию в любви юного героя, открыла ему свой сложный мир чувств и надежду на вечную любовь.

- Для меня киргизский театр, артисты балетной труппы стали родными и близкими, — сказала артистка. — И я с радостью и волнением жду наших новых творческих встреч.



Партнером Ирины Аблицовой в "Лебедином озере" выступил солист балета, ведущий мастер сцены нашего театра, заслуженный артист республики Талант Осмонов. За десятилетие артистической деятельности он творчески вырос в высокопрофессионального танцовщика, прекрасно владеющего сложной танцевальной техникой, большим полетным прыжком, стремительным вращением и четкой фиксацией положений и поз в танце. Талант Осмонов — партнер многих ведущих балерин. И в спектакле "Лебединое озеро" он был внимательным и безупречным партнером московской балерины и ярким исполнителем своих классических вариаций. Артистический дуэт Ирины Аблицовой и Таланта Осмонова, исполнителей главных партий в балете "Лебединое озеро", был восторженно встречен многочисленными зрителями.

Каждое выступление — это знакомство с новыми исполнителями, юными артистами, начинающими свой творческий путь в большом искусстве. И таким первым выступлением стало для Элеса Арыкова, студента Бишкекского государственного хореографического училища имени народного артиста СССР Ч. Базарбаева, удачное исполнение сложной танцевально-игровой партии шута, признанное специалистами хореографии и тепло принятое публикой. Спектакль "Лебединое озеро", исполненный талантливыми ведущими артистами и балетной труппой театра в сопровождении симфонического оркестра под управлением опытного дирижера Н. Полотова, стал большим театральным событием в культурной жизни столицы.

Роберт УРАЗГИЛЬДЕЕВ,

народный артист республики,

доктор искусствоведения,

профессор, академик
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 12285
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 14, 2013 4:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013113111
Тема| Балет, Кыргызский театр оперы и балета им. А.Малдыбаева, Персоналии, Зарина Мухаметшина
Автор| Александр ШЕПЕЛЕНКО. Фото Владимира ПАРХОМЕНКО.
Заголовок| ФОНТАН ЛЮБВИ ЖИВОЙ
Где опубликовано| © Общенациональная газета "Слово Кыргызстана"
Дата публикации| 2013-11-06
Ссылка| http://slovo.kg/?p=27131
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

У нее был стремительный и вдохновенный дебют на сцене Кыргызского академического театра оперы и балета имени А. Малдыбаева. Еще студенткой Бишкекского хореографического училища она исполнила ведущую партию солистки в постановке балета Л. Минкуса "Пахита". Поэтому сразу после окончания училища в 1997 году творческая жизнь Зарины Мухаметшиной началась именно в этом театре, где одна из ведущих солисток его балетной труппы весьма плодотворно служит и сейчас.



В репертуаре Зарины сегодня 17 ведущих балетных партий классической, нацио-нальной, современной хореографии. И среди них партия прекрасной польской панночки Марии в знаменитой хореографической поэме Б. Асафьева "Бахчисарайский фонтан". Спектакль в этом театральном сезоне переживает новую волну любви отечественных почитателей искусства балета. В нем балерина создает пленительный, трогательный и романтический образ. С вопроса о работе над этой ролью мы и начали интервью с З. Мухаметшиной.

- Пушкинские строки "Фонтан любви живой! Фонтан любви печальный!" вдохновили на написание этого балетного шедевра его автора, выдающегося композитора Б. Асафьева. А что вдохновляло вас в создании образа Марии?

- Роль княжны Марии — одна из первых моих работ. Ее сценическая история была блистательно исполнена в свое время звездами мирового балета Г. Улановой, Л. Семенякой, Е. Максимовой. Любители балета, конечно же, помнят замечательное ее исполнении примадонной кыргызского балета Б. Бейшеналиевой. Я приступала к работе над этой ролью с некоторым пиететом перед великими предшественницами. Воплотить ее на сцене помогли мои педагоги, опытные коллеги по сцене. Эта партия, пожалуй, сейчас одна из самых любимых в моем репертуаре. Всегда с удовольствием выхожу на сцену, чтобы станцевать княжну Марию. И каждый раз отношусь к ней все более трепетно, чтобы прожитая мной в спектакле трагическая судьба гордой польки никого в зале не оставила равнодушным.



В спектакле есть много лирических сцен Марии с ее возлюбленным Вацлавом, где княжна предстает пылкой влюбленной. Немало сцен, полных трагизма, когда героиня теряет самых любимых и дорогих ей людей, а попав во дворец хана Гирея, опустошенная горем и страданиями, живет только воспоминаниями. И, наконец, пронзительная по драматизму сцена ее гибели, где переплелись чувства недоумения, боли, страдания. Создавать такой образ сложно, но чрезвычайно интересно.

- Вы очень органичны в этой партии, что помогает передать в ней дух той далекой эпохи?

- Готовясь к ее исполнению, я прочла немало литературы о том времени, в котором жила моя героиня. Ну а дух того времени мне понятен и близок, наверное, еще и потому, что мои предки принадлежали к старинному дворянскому роду, жившему именно в крымском Бахчисарае, и их дом даже находился недалеко от ханского дворца Гирея, который сейчас входит в исторический музейный комплекс. С самого детства я слышала много рассказов об этом дворце, где происходили события, описанные в пушкинской поэме, и где находился фонтан, построенный Гиреем в память о Марии.

- Вы упомянули о помощи педагогов…

- Готовила я партию Марии, впрочем, как и все предыдущие роли, с моим прекрасным педагогом, народной артисткой КР Ингой Евгеньевной Левченко. К глубокому сожалению, ее уже нет в живых. Мы очень тщательно шлифовали каждую грань характера героини. Кроме Инги Евгеньевны, в работе над образом помогал народный артист республики, профессор и мой партнер по сцене Роберт Хасанович Уразгильдеев. С ним я танцевала первые спектакли, где он исполнял роль хана Гирея. Сейчас я репетирую эту партию с главным балетмейстером нашего театра народным артистом КР Аканом Нуртазиным, который также всякий раз помогает находить сценические краски для воплощения образа Марии.

- Артисты хорошо знают, как на сцене важно и необходимо чуткое взаимопонимание между партнерами…

- Да, это очень важно, чтобы сценические партнеры понимали друг друга с полувзгляда. Мне здесь весьма повезло, у меня всегда были опытные и талантливые партнеры, я танцевала с ведущими нашими солистами Куваном Сыдыковым, Аканом Нуртазиным. В последние годы танцую в основном с одним партнером — заслуженным артистом КР Досматом Садыркуловым, которого также считаю и своим педагогом. Он неравнодушен к тому, что я делаю на сцене, как танцую, и не жалеет ни сил, ни времени, чтобы помочь мне оттачивать наиболее сложные хореографические элементы.

- Партия Марии — единственная любимая сценическая работа или же есть еще и другие дорогие вам образы?



- Знаете, когда работаешь над ролью, то отдаешь этому столько душевных сил и всепоглощающих чувств, что невольно на столь ответственном этапе именно она становится любимой. Но, разумеется, есть роли, которые мне тоже дороги. Это адажио Фригии из балета А. Хачатуряна "Спартак", партии Жизели из одноименного балета А. Адана, Кончиты из рок-балета А. Рыбникова "Юнона" и "Авось" и Никии из "Баядерки" Л. Минкуса.

- Вы известны своим лирико-драматическим дарованием, даже сыграли роль Незнакомки на сцене Русского драмтеатра в спектакле по рассказу Ч. Айтматова "Красное яблоко". Какие творческие планы вынашиваете на будущее?

- В моем творческом багаже много интересных партий классического и современного репертуара, концертные балетные номера. Хотела бы организовать и провести сольный творческий вечер и в его программе исполнить отрывки из самых любимых спектаклей, которые с удовольствием танцую для своих поклонников.

…Можно добавить, что балетные образы Зарины Мухаметшиной запоминаются самобытностью сценического проживания жизни героинь и искренностью ее артистической пластики. Каждая новая роль для артистки — не просто умелое сочетание сложных па и дуэтов. Какова бы ни была ее героиня, балерина всегда ищет в ней те чувства, надежду и устремленность в будущее, которые близки ей самой. Главное для Зарины в сценическом поиске — это, артистически не повторяясь, открывать для себя собственные мотивы и в классике, и в современном балете. А взамен за эти открытия она получает то, что может получить только талантливый артист, — любовь зрителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
NOVODEVIS
Старейшина форума
Старейшина форума


Зарегистрирован: 18.04.2010
Сообщения: 6343

СообщениеДобавлено: Вт Дек 17, 2013 10:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки|
Тема| Балет, Персоналии, Интервью, Ксения Жиганшина
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Ум. Стиль. Сияние.
Где опубликовано| © Время культуры. Петербург № 2/2013
Дата публикации| 2013-11-22
Ссылка|
Аннотация|

В 2009 году, вытянув на жеребьевке московского Международного конкурса артистов балета первый номер в младшей группе, КСЕНИЯ ЖИГАНШИНА все три тура выходила на сцену первой с неё у жюри, журналистов и балетоманов начиналось утро.
На первом туре она предстала Китри - прозрачная, с детскими жестами, ясно-улыбчивая девочка оказалась так же далека от образа хулиганистой испанки, как мечта от реальности. Собственно, на сцене была скорее греза Дон-Кихота, Дульсинея, чем дочка трактирщика.
На втором явилась черным лебедем - и тоже,конечно, никакой Одиллией не выглядела: тихое обаяние, аккуратные па, отсутствие агрессии.То есть, конечно, для такой Одиллии можно бы придумать более сложного принца, чем предусмотрен в классической версии балета, - принца, для которого соблазном стала душевная ясность, женщина, которая никогда не будет проблемой (в отличие от уже нагрузившей его своими проблемами Одетты), - но, боюсь, тогдашние педагоги Ксении о таких трактовках не думали.
до сентября 2009 года она занималась в Школе имени Якобсона у Владислава Курамшина и Татьяны Петровой, а эта школа исповедует раннюю постановку девочек на пуанты и вообще форсирование техники. Ученикам выдаётся взрослый репертуар - так школа пытается отвечать времени, в котором удачу за хвост надо схватить как можно раньше, поскорее прокричать о себе. Речь об образе не заходит - ну какая из пятнадцатилетки Одиллия? (Если, конечно, с душевным миром девушки все в порядке - как у Ксении, тьфу-тьфу-тьфу.) После московского конкурса (3-я премия, что весьма весомо: предыдущие такие же лауреатки в младше группе стали балеринами: Екатерина Крысанова- в Большом, Мария Кочеткова- в Сан-Франциско) ксения переходит в Академию русского балета к педагогу Марии Грибановой. Предыдущие учителя обиделись так, что не отдали девушке завоеванную на конкурсе медаль: у нее остался только подтверждающий успех диплом. И начался новый этап биографии - с работой над стилем, а не только над техникой.
Эта работа идет уже четыре года - Ксения перевелась в пятый класс, следующим летом она должна получить в Вагановском диплом бакалавра.
В 2009-м, когда осенью Жиганшина завоевала Гран-При Михайловского театра, ее выступления еще строились по принципу "главное - проговорить ногами текст (надо сказать, проговаривался он качественно). АРБ (теперь Ксения занимается в классе Марины Васильевой) сделала мягче руки и подобрала правильный репертуар - никаких женщин-вамп, возьми "Бабочку" Пьера Лакотта. Нежное порхание в этой партии состоит из череды па, так любимых французом реконструктором классики:если присмотреться к шелесту и шепоту заносок, обнаружишь в них будущую Сильфиду или Ундину. Школа готовит Ксению к романтическому репертуару, и он явно подойдёт ей наилучшим образом.
В прошлом сезоне Жиганшина дебютировала на сцене Мариинского театра в партии Амура в "Дон-Кихоте" - этот уверенный в себе (без капли нахальства) и веселый божок запомнится надолго. А совсем недавно она впервые вышла в главной партии в "Щелкунчике" - и то ровное сияние, что было у нее с детства, в сочетании с умной работой и привитым чувством стиля пообещало нам появление в Петербурге новой значительной балерины.

- Вы сами захотели учиться танцу или родители в школу привели?

- Родители, и сначала это была школа Якобсона. Они никогда не интересовались балетом, и я не знаю, почему они тогда это сделали, - может быть, хотели, чтобы я убила свою детскую энергию. Или не желали, чтобы я просто сидела во дворе с друзьями и занималась непонятно чем. А может быть, всерьез планировали моё будущее, хотели выстроить карьеру. Знаю только, что постепенно все становилось серьезнее и серьезнее, и мы вместе стали понимать, что у меня что- то получается, что-то не получается, но главное - мне интересно. И они уже сосредоточились на этом и стали меня направлять.

- Можете ли вы представить себе, что родители решили иначе - и вы теперь занимаетесь каким-то другим делом, другой профессией?


- Мне очень нравится еще актерская работа. Иногда думаю: вот если б не стала балериной, что бы я делала7 И мне кажется, моя душа потянулась бы в актерскую игру. Может быть, поступила бы в театральный институт и стала актрисой. Работала бы в кино, может быть, в театре. на сцене.

- Что вам кажется самым легким в профессии балерины?

- Легким? (Смеется). Мне кажется, в нашей профессии ничего легкого нет. Я могу сказать о самом приятном. Это, конечно, удовольствие, которое испытываешь, когда спектакль закончился, ты станцевала, и станцевала хорошо. Чувствуешь буквально наслаждение, когда понимаешь, что все было не зря: ты репетировала, педагог говорила тебе правильные вещи, ты выполняла эти замечания. Вот этот момент, когда делаешь поклон и чувствуешь, как хлопают зрители, - истинное наслаждение. А легкого у нас ничего нет. Каждый день просыпаемся рано утром, преодолевая усталость, идем на класс, танцуем в пуантах. надевая их на натертые ноги, и если ноги болят - все равно репетируем. Легкость - это, наверное,про выходной день. Хотя тоже... все в выходной думают, куда пойти, а ты лежишь дома на диване, и если никуда не надо двигаться - это уже счастье. (Смеется)

- А самое сложное в этой профессии?

Переступать через себя. Бывает такой момент, когда ты очень-очень устаешь, когда наступает какая-то черная полоса (а они всегда случаются в нашей жизни) и ничего не хочется. После какой-нибудь репетиции думаешь только: все, я не могу, не хочу, точно ничего больше не в состоянии сделать. Вот в этот переломный момент, когда действительно нужно преодолеть себя, я себя всегда успокаиваю тем, что за темной полосой обязательно ждет что-то светлое. Если я сейчас сдамся - зачем же я десять лет себя мучила? Все же ради чего-то хорошего, ради удовольствия, что будет впереди, ради наслаждения от спектакля. И - опять иду в класс.

- Роль, которую вы больше всего хотите получить?

- Наверное, мне ближе всего по духу эпоха романтизма. Я бы очень хотела станцевать Жизель, Сильфиду, что -то романтичное и летящее. Джульетту - эта лирика мне очень на душу ложится. А потом уже и темпераментные роли. Роли, которые требуют открытого темперамента, интересны как актерская задача.

- У вас уже немаленькая коллекция конкурсных наград в том числе бронзовые медали на московском конкурсе четыре года назад и на конкурсе молодых исполнителей "Русский балет" этой весной. С каким настроем вы отправлялись на соревнования: " я хочу получить главный приз" или "ну можно просто попробовать, вдруг повезет"?

- Мне педагоги всегда говорили: если ты не настроена серьезно, у тебя ничего не получится. Надо настраиваться на высшую цель. Может быть. ты ее не достигнешь - но это стремление очень важно. На последний конкурс мы ехали вчетвером из академии, и, естественно, ехали за победой. Ехали бороться за школу, доказывать, что наша академия самая лучшая. У нас был такой настрой, командный дух! Конечно, даже если бы я не получила медаль, это был бы бесценный опыт - выход на большую сцену, что, пока мы учимся, случается нечасто.

- Существует мнение, что балерина должна казаться девушкой не от мира сего. Вот идёт такое небесное создание и страшно у неё спросить, который час. Вы думаете о своём неземном имидже или можете расхохотаться в троллейбусе, если смешно?

- Конечно, могу расхохотаться. (Смеётся.) Мне кажется, балерина должна быть таким же живым человеком, как все, и, что важно, адекватным человеком. Конечно, для нас важна дисциплина - но она у нас в крови с самого детства, потому это даже не считается. А не засмеяться в тот момент, когда всем смешно? Мне кажется, не стоит вот так строить свой имидж: мол, я не такая, как все. Это не по мне. Мы все люди,и в главном мы все одинаковы.

- Если бы каким-то волшебным образом вы могли переселиться в ту эпоху и ту страну, где начинал какой-нибудь великий (ну или невеликий) хореограф- какую страну, какое время, какого хореографа вы бы выбрали? Чтобы с самого начала быть рядом, чтобы он ставил для вас?

- Мне очень нравится эпоха Джорджа Баланчина. Это не стареющая эпоха, Баланчин и сейчас очень современен, но когда был расцвет его искусства, это было особенно интересно. Его постановки стали для мира чем-то совершенно новым, и мне хотелось бы попробовать эту новую хореографию на себе. Самой поучаствовать в создании этого перелома в искусстве.

- Лет через сто, когда нас всех уже не будет, как бы вы хотели, чтобы о вас вспоминали в балетном мире?


- Как хорошую балерину. может быть, в дальнейшем - как хорошего педагога. Это все пока мечты, но это то, к чему я стремлюсь, чего хочу. И конечно, чтобы вспоминали хорошим словом. Чтобы, может быть, я внесла какую-то частичку себя в балет, стала примером для детей, для поколения.
_________________
I am very happy!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Посетить сайт автора
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 4
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 8 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах